L'apprendista

il Racconto vincitore!

2009-10-31T12:01:00.000-07:00

Con questo racconto ho vinto magicamente il Premio Letterario "Fantastika" di San Fili... La premiazione è avvenuta il 30 ottobre 2009...

IL DEMONE E LA SENZAPADRONE

“In un paese come questo, nel Sud, voglio dire,

dove, carissimo Baronello, tra dominazione greca,

romana, saracena, normanna, longobarda, sveva,

aragonese, catalana, angioina, spagnuola,

è rimasto un sedimento enorme di nobiltà…

a sfunciari dei nuovi titolati ci vuole niente!...

Basta fare un po’ di ricerche negli archivi…”

Nino Martoglio

****

C’erano ancora i fiori del funerale del Barone, che il vento afoso sperdeva per i vicoli. Mariannina camminava scalza rasente i muri, l’orcio sulla testa. Quel vento malo, fiato d’inferno, le gettava polvere in viso. Usciva all’acqua alla controra, quando anche le case parevano morte dietro gli scuri. In piazza, ecco il Palazzo: là era passata la SenzaPadrone, che ora correva per il paese. Al portone fino a poco prima c’erano delle disgraziate, coi bambini gialli di febbre, in attesa che qualcuno gettasse loro un pane indurito. La fontanella spargeva alle folate un filo d’acqua: il rigagnolo si perdeva sui ciottoli roventi e la terra bruciata. Dovunque c’era la stessa arsura, come se un diavolo soffiasse sui filari, seccando il grano sugli steli, i frutti sui rami. Il prete aveva rinunciato a benedire i campi e fare processioni. Gli anziani non avevano ricordi per un morìa simile.

Mariannina bevve bagnandosi il collo -anche l’acqua era calda. Intorno, nemmeno un bambino. I ventri delle donne si erano chiusi, da sei mesi non nasceva più nessuno, ma i già nati continuavano a morire, vecchi e giovani: non passava settimana che il prete non portasse l’olio santo. “La SenzaPadrone ci sta prendendo uno a uno, come i cerasi da un piatto” –dicevano le anziane ai funerali, contandosi e trovandosi sempre meno.

Mariannina alzò l’orcio in testa. Ricordò un giorno, quando ancora usciva al tramonto come le altre donne. All’ombra della Chiesa c’era la meglio gioventù -e il Baronello l’aveva chiamata: “Ho sete!” Lei aveva offerto l’orcio piccolo, il suo, quello che doveva rompere quando avrebbe sposato. Ma prima che il Baronello lo portasse alle labbra, il figlio del Notaio gli aveva mormorato qualcosa: ed il Baronello l’aveva cacciata, rigettandogli l’orcio. Da allora s’era sparsa la diceria che lei faceva magarìe, che nell’acqua mescolava il suo sangue per innamorare i giovani. Il padre, tornando una sera dalla cantina, gonfio di vino e maldicenze, l’aveva presa a cinghiate. “Come mammata” –aveva detto, senza più guardarla in faccia. Le aveva messo un pagliericcio nel sottotetto, e proibito di uscire se non alla controra, e solo all’acqua.

****

Una ragazza sola in una casa è sempre sconsolata. Il padre lavorava soprastante per il Barone, ed era per campi giornate sane. I quattro fratelli, quei cinghiali, la trattavano come la serva. Lei mangiava quel che restava, in piedi, con l’aria di chi stesse rubando il cibo ai maschi. Trovò il padre a tavola: “Non c’è niente?” –sbraitò. Lei prese dallo stipo quel che era rimasto: formaggio, pomodori. Il padre mangiò perso in pensieri neri. “Don Carlo ci ha mandati a chiamare” –sputò con le molliche. Non era cosa giusta: lui non le spiegava mai niente, nemmeno la guardava più. Se il segretario convocava i massari, era la conferma delle voci, degli sguardi cupi e delle capuzziate che gli uomini si scambiavano dall’inizio della malattia del Barone. La SenzaPadrone non era sazia, voleva divorare il paese sano.

“Il Baronello è un cazzone” –il padre seguì il ragionamento della capo sua. Lei arrossì. Sbucò il fratello piccolo, dai capelli carusati: “Mariannina vuole il Baronello!” Il padre sbattè un pugno sul tavolo, stava quasi per cacciarsi la corrìa dai pantaloni. Invece mormorò, ma sempre come parlando a qualcun altro: “Non portarmi altra vergogna e disgrazia. E’ bastata quella di mammata.” Uscì sbattendo la porta. Luca, il più grande, era comparso sul cesso, grattandosi nei pantaloni: “Che c’è?” Il piccolo rivelò: “Mariannina in soffitta parla con qualcuno!” La ragazza balbettò: “Non… non è vero!” “Papà lo sa già” –Luca mostrò i denti cariati: “Hai portato l’acqua? Com’è che non vai più a prenderti l’acqua nell’orcio piccolo?” –bevve, poi le si avvicinò; lei ne sentì il fiato puzzolente. “Arricòrdati. Il Baronello a quelle come te le incapretta e poi le getta ai porci.” Lei corse in soffitta, mentre Luca sorrideva: “E poi tra poco si fidanza, non lo sai? Con la figlia di Rasullo, l’usuraio!”

***

Casa loro, come altre, era stata una dipendenza del Palazzo: magazzini, stalle, officine venduti dai Baroni e riadattate ad abitazioni dei tanti che dalla baronia ricavavano di che vivere –e tutte si addossavano al Palazzo, da cui il paese era nato. Si diceva che per passaggi o cunicoli i Baroni arrivassero ovunque. Nella soffitta di Mariannina porte gonfie d’umido, inchiavardate, portavano a corridoi e chissà dove, forse fino nelle stanze del Baronello… Così la ragazza sognava, nelle notti in cui il vento penetrando i ceramili le soffiava in viso. Intorno c’erano bauli dai lucchetti rugginosi, armadi sconnessi i cui specchi macchiati, di notte, parevano fantasmi di anime in pena; poi casse con faldoni, registri da cui veniva il suono di un tarlo.

Salita con le lacrime a girarle negli occhi, Mariannina andò a scoprire i ceramili malmessi -là, a fianco del suo orcio appeso a una trave. La sua testolina sbucò sul tetto come la sagoma di un gatto: sentì il calore dei ceramili, respirò l’aria pura. La mole del Palazzo era vicina ed incombente; nella stanza del Baronello vide il parroco, don Bennardo, che agitava le braccia nella tonaca stinta; don Carlo il segretario era una schiena curva a sconsolarsi sul tavolo pieno di cambiali e conti che non tornavano. E quelle gambe dal divanetto…

“Vuoi sapere che dicono?” –si sentì una vocina. Stranamente, proveniva dall’orcio. Mariannina fece “ntzù”. Mesi prima nella stanza si vedeva ancora la sagoma allampanata del Barone, che tacchiava nervoso sui pavimenti arabescati, o fermo a minacciare il figlio con un dito lungo e storto. Ed il Baronello, come ora: stravaccato, una gamba a dondolare: come dicesse “Sée, sée, che poi vediamo!” Finché il padre allargava le braccia e spariva. Il Baronello si alzava stirandosi: dal balcone guardava i tetti che circondavano, accucciati e timorosi, il Palazzo –quel mondo che era roba sua, abitato da zitelle e maritate che aspettavano solo una sua zinnata.

“Nessuna meraviglia che ora finisce tutto a schifìo, morto il vecchio” –tornò la vocina dalla cavità dell’orcio. Mariannina andò a spiccarlo, l’agitò.

“Sì, hai ragione, rompilo!”

Ma la ragazza guardò nel foro: “Ancora ci provi, eh? Ti libero solo se mi dici quella cosa.”

“Cosa?”

“Com’è morta mamma… Chi l’ha ammazzata!”

***

La mamma, prima di entrare a perdersi nel Palazzo, l’aveva baciata sulla bocca, a Mariannina, che si beveva le lacrime e la tratteneva. Erano sul portone, spalancato come una gola d’inferno. “Ciota! Vado a prepararti la strada, qui tu ci entrerai come una signora, e non come me a fare la serva.” Scossa la mano della figlia, era sparita nel mondo dell’ombra.

Aveva avuto poco tempo per insegnarle: solo da quando Mariannina le aveva detto che il tarlo della soffitta parlava. Con occhi di fuoco la madre l’aveva trascinata in soffitta: “Dimmi che ti dice!” Lei aveva confessato tutto alla madre, che pareva già sapesse le stranezze che vedeva da qualche tempo: le facce nell’acqua, le forbici che camminavano sulle lame, i segni osceni nella cenere. Quella notte lei divenne donna, e non si spaventò del suo sangue: alla luce di una candela, la madre le contò storie antiche, di baroni traditori e donne bellissime, di vendette ed amori, di lupi e civette, di tarli che divoravano le scritte. Le indicò gli armadi: “Se uno specchio guarda l’altro, e tutti e due guardano l’acqua, puoi acchiappare pure il diavolo!”

Tutti ormai non la chiamavano più la “figlia della magara” ma solo la “magara”: perché la madre era morta ed il padre, muto di dolore, aveva raccolto le cose di lei, financo le pezze, per seppellirle chissà dove.

Mariannina si lavava in una tinozza: e si sentiva osservata. A notte, il tarlo sembrava chiamarla come per strada i giovanotti “pissi pissi!” Un’alba, svegliandosi per preparare la spesa al padre che partiva per la montagna, sentì nel mucchio delle vesti una forma umana. La sera versò fredda l’acqua nella tinozza, perché meglio riflettesse il gioco di specchi; si denudò ed il tarlo tacque. Sentì una presenza alle spalle. Inclinò un’anta e specchio si riflesse in specchio e poi nell’acqua, dove la sua figura nuda si ruppe in uno spruzzo. Aveva imprigionato il demone. Lasciò l’acqua ad evaporare per giorni, poi versò il residuo nel suo orcio. Allora il demone, piagnucolando, chiese di venire a patti.

***

Al tramonto, con la rinfrescata, arrivarono i pipistrelli: usurai di tutto il circondario, avvocati, ex massari arricchiti di ruberie, tutta gente che i Baroni avevano levato dal letame e che ora si presentavano a fare i Giuda. Battevano al portone, chiamavano don Carlo. “Guarda mo’” –disse la voce dall’orcio. Mariannina sentì un rotolio di ruote, un mormorio levarsi dalla folla– “Quando arriva il lupo, le volpi tacchìano.” I creditori fecero largo alla carrozza; il portone s’aprì come da solo e la folla si disperse maledicendo.

“E’ arrivato Rasullo. Vuoi sapere che dicono?”

“Ntzù! Non voglio sprecare uno dei tre servizi che mi devi.”

“Ma nella carrozza c’è pure la promessa sposa, madama Angelica. Non la vuoi vedere?” La ragazza si morse il labbro. “Va bene, questo non lo mettiamo in conto.”

***

Rasullo era un tamarro arricchito: corpo tozzo, le spalle spioventi che nemmeno tanto tempo fa avevano assaggiato la frusta del Barone; ora guardava intorno nel salone come un sensale che calcola quanto ricaverà vendendo i mobili antichi per legna da ardere. Don Carlo, incurvato dai pensieri, chiamò la serva che portasse limonata fresca. Il prete apriva faldoni. I ziti erano al balcone, ad annusarsi e parlare di niente. Nessuno badava alla specchiera su cui per un istante passò un’ombra –l’immagine vaga di una ragazzina cenciosa, con un orcio.

Il Baronello ed Angelica rientrarono, la serva versò la limonata ma solo Rasullo se la calò tutta, facendo “Ahh!” La promessa era larga di abiti e mantelline, ma ci stava larga, ché le si contavano le ossa. Il muso appuntito, sdegnato. Guardò la specchiera -spaventata, alzò la mano ad indicare: “Che c’è là?”

***

Mariannina si tirò indietro, riappese l’orcio, che ridacchiava: “Che palo di scopa, eh? Tu sei dieci volte più bella! E hai visto che faccia il Baronello? Pareva che avesse preso il primo paccaro della sua vita. Finalmente.”

“Che vuoi dire?”

“Prepàrati. Il vento per te sta cambiando.”

Infatti era ancora notte, quando il padre bussò alla porticina: e fu la prima volta. “Prepàrati” –ripetè.

Lei, sedendo sul pagliericcio: “Guardami in faccia, se vuoi che ti ubbidisca.”

L’uomo restò, spalle curve. “Ieri Don Carlo ha chiamato solo me. Ti vogliono. A Palazzo.”

“Perché non mi guardi in faccia? Forse perché somiglio troppo a mamma?”

“Sì. Ed anche tu ti perderai nel Palazzo, come lei.”

“Tu fai il servo ai suoi assassini!” –e Mariannina si spaventò di quel che aveva detto.

“Ci hanno salvati dalla fame, ricordalo.”

***

La sera prima, ripartita la carrozza con Rasullo che sbraitava contro la figlia, il Baronello aveva affrontato i visi ansiosi dei padrini: “Beh?”

Il giovane, massaggiandosi la guancia come avesse ricevuto il primo paccaro: “Niente.”

“Cioè a dire?”

“Cioè che non mi vuole.”

“Angelica ha detto no al Baronello?” –chiese Mariannina.

“Che pazza, eh? Ma càpita.”

“Ed io che c’entro?”

“Questo lo devi scoprire da sola.”

“Forse è il momento che devi pagarmi il debito.”

“Solo tre desideri. Se chiedi il quarto, sarai mia.”

C’era, a spiare dalle finestre, tutto il paese, quando Mariannina, vestita da donna ché pareva proprio (lontano sia!) che la magara fosse tornata, si avviò, accompagnata dal padre che, a testa china, sembrava avere quest’ultima cosa sola da fare nella vita: accompagnare la figlia al Palazzo. Quando vide il portone si fermò: “Tua madre s’era messa nella capo che era figlia di Baroni.”

“Era vero?”

“Se tutti i bastardi dei Baroni venissero a bussare, a volere affacciarsi al balcone!”

“Io lo farò. Tu vammi a prendere l’abito di mamma!”

“Ho buttato via tutto.”

“Non il suo abito da sposa.”

“Chi… te l’ha…”

“Il tarlo. Quello che non mi faceva dormire la notte.”

***

L’ultima volta che aveva visto il prete era stato quando l’aveva cacciata di chiesa. Don Bennardo si era rifiutato di dire il funerale alla madre: “Può pure essersene scappata con qualche zingaro!” –così aveva consolato il padre: “Magari tra poco si ricoglia.” Il padre aveva pigliato e portato a casa: ma Mariannina aveva pianto di rabbia. Certe notti sognava di camminare per le stanze del prete: svuotava cassetti, spegneva il fuoco pisciandoci sopra, e coi carboni tracciava disegni sulle pareti. Finché una domenica, quando si era presentata in fila alla comunione, don Bennardo le aveva negato l’ostia. “Svrigna di ccà, magara! E non tornare più a casa mia! Se trovo ancora le tue lordure, farai la fine di mammata.”

Ora eccolo, il prete, solo ai piedi della scalinata del Palazzo: “Io non volevo chiamarti. Stai accorta a quello che dici. Siamo tutti appesi ad un capello.” Mariannina osservava la corte interna con occhi di fuori: questo aveva visto la madre, per poi vedere l’erba dalle radici. Il prete la precedette per corridoi scuri, per infilate di stanze deserte. Una puzza di cibo marcito, di escrementi, aleggiava per l’aria ferma ed afosa delle stanze su cui la SenzaPadrona aveva preso possesso.

Il segretario era ad un tavolo ingombro di faldoni: “Poche parole, Marianni’. Nel testamento il Barone buonanima ha lasciato detto… ma proprio l’ultima riga… di chiamare te se ci fossero stati problemi con il matrimonio del Baronello… Che strano, era una grafia storta, non pareva la sua” –poi osservò la giovinella come la vedesse la prima volta- “Tu sai perché?”

“Ditemelo voi.”

Il prete: “Devi… convincere la figlia di Rasullo a sposare il Barone. O siamo tutti morti.”

“Ora la magara vi serve?”

Don Carlo, senza più l’antica aria di minaccia: “Figlice’, dal male può nascere un bene… Pensa alla tua famiglia.”

“Nella mia famiglia c’era pure mamma.”

Don Bennardo, stizzito: “Era una che non sapeva stare al posto suo… come te!”

“Ora l’ha trovato, il posto suo. Voglio sapere dove. Non mi è mai venuta in sogno, perché la sua anima non ha pace.”

Don Carlo annuì: “Dopo ti ci porterò io stesso.”

“Se volete solo i soldi e non un matrimonio, si può fare” –e uscì.

“Ricordo” –disse Don Carlo- “che è stato da quando quella magara entrò nel Palazzo, che tutto si è intorbidato. Sono usciti debiti che il Barone non sapeva, carte firmate da lui che non aveva mai visto. E quando è… sparita, peggio. Il Barone diceva che a notte nel letto qualcuno lo tirava dai piedi, sentiva minacce nel vento, e vedeva un chiarore verde nello studio.”

“Una troia di Satana! L’avevo detto io che il fuoco ci voleva! Ora la figlia vuole sapere dov’è seppellita per riportarla tra di noi.”

“Ho promesso di portarcela, a quella fossa… magari ci lasciamo pure lei.” Solo allora don Bennardo sorrise.

***

“L’hai scritta tu quella riga sul testamento del Barone?”

L’orcio gorgogliò: “Io le carte le mangio. Sono un tarlo, non uno scrittore. E poi tutti scrivono ma nessuno legge… ed hanno ragione, si spaventerebbero, si vergognerebbero.”

“Di che?”

“Della loro ciotìa. Sapessi cosa mangio, certe volte. In un registro un Barone aveva registrato tutti gli accoppiamenti con la moglie… Ora non arrossire, sei donna fatta e promessa sposa. Il peggio è chi scrive per dare ordini dopo morto, chi pretende di comandare alla vita dalla tomba!”

“Cosa c’è in quelle casse?”

“Ciotìe. Castelli di cifre che poggiano su un piccolo calcolo sbagliato… buone intenzioni inutili, leggi che non si applicano. Non ti dico quelli che vogliono fare arte, descrivere la bellezza e la vita… Invece di godersela per quel poco che dura, si sporcano d’inchiostro”.

“Non ti sei mangiato anche le carte che serviranno a liberarti?

“Quelle me le sono tenute. Aspettavo che me le chiedessi.”

***

Più Don Carlo leggeva la carta portata da Mariannina e meno si capacitava. Don Bennardo tagliò: “Io ci credo. Può essere stato, quindi è stato.” Perché all’infamia tutti ci credono subito. “Mah!” –concluse il segretario, avviandosi pesantemente alla camera del Baronello. Le undici, e c’erano ancora le imposte sbarrate, odori pesanti. Don Bennardo aprì al sole. Venne un grido, dal groviglio di lenzuola una ragazza scappò, mezzo coprendosi con le vesti. Una femmina di servizio, l’ultima arrivata. “Che cazzo c’è?” –chiese il giovin signore, da sotto il cuscino.

Don Carlo sventolò la carta. Ma per fargliela capire dovettero rileggergliela a botta di caffè. Finché il Baronello spalancò gli occhi: “E’ mia sorella??!”

Il prete ancora leggeva la carta dotale, sperando di trovarci un errore -macché: carta cantava, firmata e timbrata. Il Barone buonanima aveva costituito una dote ad Angelica Rasullo. “Certo la moglie di Rasullo, pace all’anima sua, avrà consegnato tutto al marito. Ecco come ha cominciato, quell’usuraio! Con il prezzo delle corna!”

Il segretario annuì: “Tutto torna. Vent’anni fa Rasullo faceva il soprastante del Barone, era sempre sui pascoli.”

“E la moglie era femmina di servizio a Palazzo. Come quella giovinella che ha lasciato qua le mutande.”

Il Baronello, mano sulla fronte. Era troppo, per lui. “E mo’?”

***

Rasullo invece capì subito la sonata: sacristiò maleparole, poi prese la gaccia… Ma si arricordò che la moglie era morta anni fa -e questo lo fece imbestialire del tutto, ché non aveva più con chi prendersela. Inutilmente don Carlo gli indicò gli atti di proprietà, per avviarlo sulla dolce china degli affari. Bramendo come un animale scannato corse al cimitero, inseguito da famigliari e servi ed anche –con calma- dai Don. Lo trovarono che piangeva alla tomba della moglie: “Non me la dovevi fare, questa, Luise’!!” –come se il fallo fosse ancora caldo di letto; ma con le corna è così, bruciano sempre. Il prete trovò parole al conforto: “E’ successo a gente migliore di te! Come si dice? il Barone è fuoco, la cameriera è stoppa: viene il diavolo e soffia!”

Riportarono Rasullo a casa a braccetto, come al ritorno di un secondo funerale della moglie. Ma poi, in camera carità, fu un diavolo. Irremovibile. Pure la figlia ci aveva provato, divenuta più ben disposta verso la nobiltà “pezz’al culo” (così aveva dichiarato al ritorno dal Palazzo) dall’avere scoperto che anche il sangue suo era blu. Ma niente, Rasullo dettò le condizioni: la figlia doveva diventare baronessa a botta di nozze e non di corna, dunque matrimonio di farsa col fratellastro, che doveva firmare una delega completa a Gesualdo Rasullo quale amministratore della baronia. La coppia avrebbe goduto di una rendita vitalizia: “Andate a fare il giro del mondo come turisti, a fanculo tutti sti baroni del cazzo!”

I Don forse forse ci sarebbero pure stati: ma la clausola finale li gelò –licenziamento del segretario e passaggio della parrocchia al secondo figlio (“Figlio mio, lui, sicuro come la morte!”) che studiava da prete. Per il Baronello, era sempre troppo: “E mo’?”

***

Alla nuova chiamata, Mariannina mandò a dire: “Stavolta venissero loro, ché io non sono la loro serva!”

E si presentarono, come no?!, alla casa del massaro, i Don; il Baronello si trovò (ma perché, perché?) assettato nella cucina dalle pareti nere di fumo. Scese dalla soffitta Luca, divenuto timoroso della sorella: “Sta sopra con papà. Dice che mo’ scendono.”

Il padre chiedeva: “Che intenzioni hai?”

“Quello che non fanno più gli uomini, devono farlo le femmine!” –mormorò lei, allo specchio.

“Tu mi porterai fuoco grande e rovina, peggio di mammata!”

“Inutile parlare. Nessuno ascolta nessuno.” E scese. Quando vide il Baronello in cucina, le tremò il passo. Ma lo vide alzarsi in piedi. Offrì vino, invitò a sedere, comportandosi da padrona. Parlò il segretario: “Ce l’hai qualche altra carta?”

“Quante ne volete! Tutte quelle che non s’è mangiate il tarlo!”

***

Il demone dell’orcio spiegava: “Sono letterine profumate, stavolta. Me l’ero tenute come dei confetti. Vedi? le scritture continuano a fare danni anche dopo la morte. Sai che diceva il Rebbe di Bilgoray? Tutto ciò che è scritto va rivelato, tutti gli amori vanno traditi, tutto ciò ch’è sacro dev’essere profanato.”

Mariannina, leggendo, fece una risata grassa, da donna che sa la vita: “Hai capito la Baronessa!”

Quella notte le comparve in sogno la madre: era la prima volta e lei si spaventò, voleva chiederle consiglio e cacciarla via al contempo. La madre disse: “Se tu riuscirai, la mia morte non sarà stata inutile.” Mariannina aprì gli occhi, vide l’ombra della magara nello specchio opaco: “Sei all’inferno?” “L’inferno è dove sei tu. Siete tutti le anime di peccatori vissuti in un altro mondo.” “Che devo fare? A volte ho paura”. “Ti manca solo l’abito di nozze. C’è il mio, nascosto in un armadio” –e l’ombra si sperdeva nello specchio, come nebbia. D’un tratto il viso della madre riemerse, stravolto ed invecchiato, e soffiò con una voce diversa, paurosa: “Stai attenta a tuo padre!”

***

Al tramonto, finalmente, il Baronello tornò dalla caccia, col cavallo schiumante fatica, i cani dalle lingue penzoloni –ed il carniere vuoto. Andava solo per sboriarsi, ché nel Palazzo soffocava. Quando vide don Carlo con un fascio di carte e il prete che scuoteva la capo, capì: “Altre carte? Ma quante cazze ce ne sono!’” Dopo che ebbe letto i bigliettini, affannando, corse alla sala d’armi. Lì si accanì a spezzare armi, staccare diplomi, sfregiare con uno spadino i ritratti degli antenati: “Fanculo tutti!” –urlava. Il prete trattenne il segretario: “Meglio che si sfoga.” Sfogato che fu, e gettato come una pezza su una poltrona scucita, il Baronello esalò: “Chi era? Quello a cui… mia madre mandava quei bigliettini?”

Don Bennardo non era un medico pietoso: “Un agrimensore forestiero. Fece dei lavori e restò a Palazzo sei mesi.”

“Pure più di quanto bastava. E poi?”

“Ebbe un incidente di cavallo. Lo trovarono calpestato.”

“Il Barone aveva perso i buoi e cercava le corna?”

“Non è sicuro… che voi siate…” –ma don Carlo non finì la frase. Il prete continuò la cura –forse pensando che se non l’ammazzava lo salvava: “Pensate che così la Baronessa Angelica non è vostra sorella.”

“Ecco! Ora è diventata lei Baronessa… ed io un bastardo!”

“Ma potete sposarvi tranquilli, sarete sempre Barone.”

“Come no! Se lo sa Rasullo, mi caccia stasera stessa dal Palazzo, con le pezze al culo! –ed annaspò- “Ho sete!”

“Volete una limonata fresca?”

“Voglio acqua… quella che una volta mi ha offerto Mariannina. Voglio bere dal suo orcio!”

“Vi fidate, della sua acqua?”

“Se non mi posso fidare più nemmeno di una ragazzina innamorata di me, tanto vale morire avvelenato!”

***

Il paese bolliva, non si parlava d’altro, non ci si preparava ad altro: alle nozze del Baronello! Erano stati invitati praticamente tutti e per giorni febbrili ci si dimenticò dei guai, della carestia. Per ben comparire alla festa si scoperchiavano i mattoni coi risparmi per la dote delle figlie. Il Baronello, dopo avere bevuto l’acqua di Mariannina, pareva preso da un demonio: aveva persino preteso abiti nuovi per la servitù, fino all’ultimo lavacessi. Chiamò i fornitori più costosi, pretese i cibi migliori, gli apparati più lussuosi per le nozze. Debitori ed usurai, allontanato Rasullo, facevano a gara nell’offrire credito –di cui il nobile profittava a man bassa, firmando cambiali, atti di cessione, ipoteche. Svendeva a prezzi da fuoco grande la baronia. “Ci si sposa una sola volta!” –urlava a don Carlo- “Quando c’è l’amore c’è tutto! Ora ho un motivo per impegnarmi, avrò una famiglia, saprò arricchirmi da solo, non voglio soldi che non sono miei!”

Per giorni, carri e carri trasportarono derrate al Palazzo; a notte i fuochi dicevano come si lavorasse senza posa alle grandi nozze dell’Ultimo Barone, come ormai lo chiamavano. Perché tutti sapevano che la Baronia non sarebbe sopravvissuta alla festa: era come se vedessero l’abisso ma non facessero nulla per non cadervi –anzi, vi correvano allegri, badando a far figura, ad essere eleganti. Come vestirsi con l’abito migliore per l’ultima cerimonia pubblica cui partecipare: il proprio funerale –e prepararcisi da vivi!

Venne la grande sera. Mariannina aveva preteso che la cerimonia fosse a mezzanotte: a quell’ora sarebbe divenuta baronessa, rompendo il suo orcio. Era la tradizione del paese: ogni zitella beveva da un suo orcio che poi infrangeva alle nozze –per dire che non dipendeva più da un padre. Alla festa da ballo la rottura dell’orcio era oggetto di infinite oscenità da parte degli amici dello sposo.

Eccola in soffitta, alla fine della sua ultima giornata da serva, Mariannina: si ammira nello specchio dell’armadio che, per lei, ha ritrovato il suo splendore. Esso inquadra una splendida donna in un abito da sposa rosso -come il sangue, come il fuoco. Con quell’abito la madre era andata sposa, sollevando un vespaio, autorizzando tutte le dicerie sulla sua magarìa.

L’orcio però è sempre appeso: “Beh? Io non sono invitato?” – chiede.

“Poi vediamo…” “Che? Devi rompere l’orcio, devi liberarmi!” “Ho ancora un desiderio.” “Chiedi, allora! Che vuoi? Che trasformi una cocuzza in una carrozza per il corteo?” “No, mi servi dopo, per ricostruire il paese e la Baronia, per pagare i debiti” –ed esce, lasciando il demone ad urlare minacce dalla sua prigione di terracotta: “Attenta, il tre ci vuole, per finire bene ogni favola!”

***

Giù c’erano i fratelli, ripuliti e stretti in abiti nuovi che li intimidivano. Il padre no: l’uomo non aveva avuto cuore a vederla in quell’abito. Così ora è Luca ad accompagnarla a Palazzo, scortato da un codazzo di gente. Il corteo entra nel cortile dove brilla un fuoco enorme, su grandi spiedi girano maiali e vitelli interi, file di polli. I paesani, allupati, vedono gigantesche botti, cesti di pani, tavolate colme di ogni bendiddio, frutti di ogni stagione. E’ tanta la meraviglia che l’antica fame si assopisce, la carestia sembra dimenticata. Un conforto scende in cuore a tutti, come un intontimento da ubriachezza: la sensazione che il tempo malo sta per finire, e che sarebbero felici, e consolati.

Quando Mariannina salì sulla scalinata verso il promesso sposo che, in un abito nero lucido, l’aspettava trepido, si levò un applauso. Cominciò il banchetto e fu un’abbuffata oscena: la gente si ingozzava sporcandosi gli abiti nuovi, si bagnava di vino denso come sangue, danzava al suono di musiche provenienti da chissà dove; vomitavano e tornavano a mangiare, a terra c’era un brago di cibi calpestati, vini, piscio e vomito. Nell’aria correva un frastuono, come una tempesta che si prepara; i pipistrelli stessi volavano via, spaventati. Il cielo basso, afoso, era acceso di bagliori rossastri. Tutto intorno il paese era immerso nell’oscurità più completa, come in una notte senza luna, senza domani. Nessuno voleva pensarci, all’indomani: a raccogliere i cocci, a ripulire, a reinventarsi un futuro.

Quando il campanile cominciò a battere i dodici rintocchi, Mariannina comparve sul balcone interno alla corte; al fianco il Baronello, dietro don Carlo ed il prete nei paramenti solenni: anche loro con espressioni inebetite. Cominciò quella strana cerimonia nuziale, la prima celebrata fuori dalla Chiesa: non si lesse il vangelo e dopo un frettoloso segno di croce si corse allo scambio delle fedi. Tutti osservavano intontiti ed incerti: che stava succedendo, lassù? Chi era quella donna meravigliosa vestita di rosso come le regine di un tempo? Possibile che fosse Mariannina, quella sciacquetta? Ed in tutti serpeggiò un’inquietudine, come se mancasse qualcosa: come quando un sogno meraviglioso sta per rivelarsi purtroppo quale sogno. Ma che mancava? Lo capirono quando videro quell’uomo piegato, claudicante, l’unico non ubriaco, avanzare tra la folla: mancava il padre, e mancava l’orcio.

Il massaro, da sotto il balcone, alzò l’orcio. “Non devi rompere questo, Marianni’?” –urlò con voce rauca.

La figlia si sporse, guardandolo con occhi rossi come il suo abito. “Fermoooo!” –urlò, indemoniata.

Ma il padre, “Non vuoi il buonagurio?”, spaccò l’orcio contro il selciato del cortile. Se ne levò una vampata che salì verso il balcone, come uno sfiato d’inferno. Ed una risata oscena, che spinse la gente ad una fuga pazza, in cui si rovesciarono i tavoli di cibarie (che erano marcite) e si sfondarono le botti di vino (che si rivelò acqua fetida). Il fuoco avvolse la figura di Mariannina, il rosso dell’abito attrasse la vampa. Urlando, la ragazza cercò di strapparsi la stoffa incendiata, corse disperata nel salone, lasciando ammutoliti, senza forze, il Baronello e i padrini. Chiamava la madre, con una voce da far rabbrividire.

Dopo un po’, le fiamme si levarono dalle sale interne del Palazzo. E fu il caos.

***

Il Palazzo arse come un pagliaio, nella sua anima di legno. Un rogo immane, un turbine di faville che si sparsero per il paese e i boschi, appiccando decine di incendi che nessuno ebbe forza e spirito di spegnere. Si sentiva per l’aria un rombo strano -come la risata di un demone.

I roghi bruciarono per giorni, ma ormai il paese era deserto. Chi non era morto tra le fiamme aveva radunato poche cose scampate al disastro ed era fuggito in fretta e furia.

Dopo sei mesi l’erba è cresciuta sulle macerie, tra i vicoli. Del Palazzo restano solo, dirupati, alcuni degli spessi muri portanti: ed in certe notti senza luna, appollaiati su di essi come uccelli di notte, si intravedono alcune figure. Sono la SenzaPadrone ed il demone, che leggono gli antichi registri, i documenti baronali scampati al rogo: si fanno grandi risate, mentre il vento ghermisce i fogli dei faldoni e li sparge lontano, sugli spinari che coprono il paese.

Un'analisi di Meriggiare

2009-10-06T14:11:00.000-07:00

Eugenio Montale,Meriggiare pallido e assorto

di Raffaella Di Meglio

Meriggiare pallido e assorto
presso un rovente muro d’orto,
ascoltare tra i pruni e gli sterpi
schiocchi di merli, frusci di serpi.

Nelle crepe del suolo o su la veccia
spiar le file di rosse formiche
ch’ora si rompono ed ora s’intrecciano
a sommo di minuscole biche.

Osservare tra frondi il palpitare
lontano di scaglie di mare
mentre si levano tremuli scricchi
di cicale dai calvi picchi.

E andando nel sole che abbaglia
sentire con triste meraviglia
com’è tutta la vita e il suo travaglio
in questo seguitare una muraglia
che ha in cima cocci aguzzi di bottiglia.

Analisi testuale
Metrica:
tre quartine e una strofa di cinque versi comprendenti endecasillabi, decasillabi e novenari. La prima e la terza strofa sono in rima baciata (AABB), la seconda in rima alternata con v.7 ipermetro (CDCD), ultima strofa con rima alternata e consonanze, ad eccezione del v. 15 irrelato.

Analisi:
Meriggiare pallido e assorto è uno dei primi componimenti di Montale, appartenente alla prima raccolta, Ossi di seppia, pubblicata nel 1925. Vi compare il motivo predominante della raccolta, quello del paesaggio arido e scarnificato. Qui è un orto battuto dal sole nelle ore più calde del giorno, un luogo come sospeso in un’eternità senza tempo, fermato in una fissità che lo assolutizza. Il poeta stesso, assorto in questo spazio chiuso, gravato dalla calura, quasi scompare in esso diventando un’entità impersonale, indeterminata, senza spazio e senza tempo, quasi cosa tra le cose, come suggerisce l’uso dell’infinito ripetuto nelle quattro strofe in posizione metrica forte («meriggiare», «ascoltare», «spiar», «osservare», «sentire»).Manca quel «tu» di molte altre liriche, a ribadire il carattere universalistico, esemplare della situazione vissuta che tende a porsi al di là di riferimenti biografici e storici (la storia personale del poeta prevale invece nelle raccolte successive).Ad una prima lettura si avvertono echi del panismo di D’Annunzio (già dal titolo, che richiama Meriggio di Alcyone) e dell’orchestrazione fonica della poesia pascoliana, ma subito ci si accorge che la natura ha perso la sensuale, dolce musicalità dannunziana e il simbolismo allusivo pascoliano. Non c’è più quella inebriante, vitalistica identificazione: non più «il mio nome è Meriggio» (D’Annunzio, Meriggio, vv. 106-107), ma il «meriggiare», un’esistenza disseccata come quella dell’orto. Né lo sguardo del poeta è più quello alogico, puro del fanciullino. Sembra preclusa ogni possibilità di contatto, di comunicazione, di apertura tra l’uomo e il paesaggio, che non è interiorizzato, ma esteriorizzato e oggettivato nelle sue concrete apparenze.L’orto assume la fisionomia di un paesaggio desertico («rovente muro», «i pruni e gli sterpi», «crepe del suolo», i «calvi picchi», il «sole che abbaglia») e ostile, dove tuttavia sopravvivono delle umili forme di vita: i pruni, gli sterpi, i merli, i serpi, le formiche, le cicale. Il poeta è teso ad ascoltarne i secchi rumori («schiocchi di merli, frusci di serpi», «tremuli scricchi di cicale»), a spiarne i rapidi, improvvisi movimenti («frusci di serpi», «le file di rosse formiche ch’ora si rompono ed ora s’intrecciano», «il palpitare lontano di scaglie di mare»). Ma sono voci, movimenti quasi irreali, che non turbano il silenzio e l’immobilità in cui sono immersi. Egli si limita a registrare quasi in una sorta di elenco queste dimesse ma inquietanti presenze che non rimandano ad altro che a se stesse, con un linguaggio preciso, quasi tecnico («veccia», «biche», «schiocchi di merli», «si levano tremuli scricchi di cicale») di ascendenza pascoliana e di forte suggestione fonosimbolica. Registra le percezioni visive e uditive che ne riceve attraverso immagini sinestetiche («ascoltare frusci di serpi», «il palpitare lontano di scaglie di mare», «tremuli scricchi di cicale» che si levano dai picchi), attraverso la fitta trama musicale che percorre tutto il componimento, affidata alle allitterazioni, all’iterazione delle consonanti liquida /r/ e della sibilante /s/ in unione con altre consonanti (da notare in particolare il v.3 e il v.12, dove compare l’allitterazione della /c/), o delle vocali (la /a/ al v.10 e la /i/ al v.12), alle assonanze interne ai versi («merli»/«serpi» al v.4, «pruni» al v.3 cui si richiama per assonanza «frusci» al verso successivo e «aguzzi» del penultimo verso, «file»/«formiche» al v.6, «sentire»/«triste» al v.14), alle rime (una interna al v.9), rime che si intrecciano alle consonanze nell’ultima strofa («abbaglia»/ «meraviglia»/ «travaglio»/ «muraglia»/ «bottiglia»). Lo sguardo del poeta (un osservare che è nello stesso tempo un ascoltare) si allarga spostandosi dal basso verso l’alto (la seconda, terza e quarta strofa si chiudono con immagini di alture: «minuscole biche», «calvi picchi», «muraglia»), dalle crepe del suolo ai calvi picchi fino al «sole che abbaglia» ed impedisce di vedere oltre. È il limite della conoscenza: verso il poeta che spia la natura (dove l’uso del verbo «spiar» tradisce la ricerca di un segreto), questa resta chiusa, indifferente, ed egli non arriva a capire, può solo «sentire» che la vita è un «seguitare una muraglia che ha in cima cocci aguzzi di bottiglia». È proprio il percorso del suo sguardo indagatore («ascoltare», «spiar», «osservare») ad unire le quattro strofe e a segnare il passaggio dal piano della percezione fisica e fenomenologica («ascoltare», «spiar», «osservare») delle prime tre a quello della riflessione esistenziale («sentire») dell’ultima (continuità sottolineata dalla congiunzione «e»).Solo adesso capiamo che tutto è metafora e che l’atmosfera allucinata descritta nei versi precedenti è quella dei «[…] silenzi in cui le cose/s’abbandonano e sembrano vicine/a tradire il loro ultimo segreto […]» (I limoni, vv. 22-24).In una lettura a ritroso gli oggetti si caricano di un nuovo senso, trasformandosi in proiezioni delle intuizioni del poeta, in emblemi di un’esistenza desolata. Così le formiche rosse diventano il correlativo oggettivo della paradossale condizione umana: il loro instancabile, quasi caotico quanto insensato lavoro «a sommo di minuscole biche» in condizioni così sfavorevoli pare tradurre il monotono «travaglio» quotidiano, il vano affaccendarsi dell’uomo nella società di massa. Si scoprono allora corrispondenze e richiami tra il paesaggio ‘reale’ delle prime tre quartine e quello metaforico dell’ultima strofa: la «muraglia» del penultimo verso riprende il «rovente muro d’orto» del secondo, in posizione quasi simmetrica e in rilievo in clausola, i «cocci aguzzi di bottiglia» (v. 17) sono i «pruni» (v. 3) spinosi di questo paesaggio figurato (la corrispondenza è suggerita anche dall’assonanza già individuata tra «aguzzi» e «pruni») e si contrappongono alle «scaglie di mare» del v.10 (dove l’iterazione della vocale /a/ comunica un senso di vastità, di apertura), quasi l’unico spiraglio di vita (il «palpitare» dell’acqua), di colore, (oltre alle «rosse formiche»), ma «lontano», escluso dal muro dell’orto.Il poeta è giunto così ad una «triste meraviglia»; è evidente la distanza dalla «serena meraviglia» con cui il fanciullino pascoliano contemplava le cose. Ora il poeta è un «fanciullo invecchiato». La sua meravigliosa e triste sensazione si traduce ancora in immagini di oggetti concreti, comuni, in un tono quasi prosastico in cui il piano metaforico si fa esplicito: la «muraglia» è l’emblema della prigione della vita umana, i «cocci aguzzi di bottiglia» delle sue sofferenze e difficoltà. Anche per l’uomo non c’è acqua in un mondo prosciugato di valori e di certezze. Un’epifania estiva prepara dunque un’epifania infernale: è una condanna da Inferno dantesco “attualizzata” quella racchiusa nell’immagine finale. Numerose infatti sono le suggestioni che Montale deriva da Dante: anche la poesia montaliana può essere vista come una sorta di viaggio nell’al di là; sarebbe stato il poeta stesso a definirla una «poesia metafisica», che vuole squarciare il velo di Maya delle apparenze, cercare la profondità della (e dalla) superficie, andare verso il sole che abbaglia, una poesia che rifiuta le illusioni, gli ingenui ottimismi e le facili consolazioni, anche se nella sua inquieta ricerca laica e razionale non raggiunge risposte definitive, certezze, ma si ferma ad una conoscenza in negativo, all’oscurità di un oltre che rimane tale. In questo scontro tra una poesia indagatrice, razionale e l’irrazionale della realtà il Montale maturo avrebbe riconosciuto l’originalità e la peculiarità della sua poesia rispetto a quella realistica, romantica e decadente. Il poeta si riappropria del proprio corpo, della fisicità delle cose; esse lo ossessionano nella ricerca di un varco che resta irraggiungibile. Solo a questo punto, secondo le parole dello stesso Montale, «la poesia esiste, lascia un’eco, un’ossessione di sé. Talora vive per proprio conto e l’autore stesso non la riconosce più: poco importa». La parola poetica non può presumere di prescindere dal reale e di attingere analogicamente l’assoluto (come in Ungaretti), deve appoggiarsi alle cose, far parlare gli oggetti, senza allusioni o elusioni; essa si sofferma con insistenza ed intensità a guardarli, a interrogarli e a decifrarli. Ma il reale resta una barriera insormontabile; il piano metafisico rimane intrappolato, nascosto in quello reale in una dimensione purgatoriale, di sofferenza e di attesa. Agisce nella memoria culturale di Montale, oltre a Dante, la coraggiosa, lucida volontà conoscitiva del “vero” di Leopardi: il «muro d’orto» ricorda la siepe dell’Infinito (l’orto richiama anche il giardino del male descritto nello Zibaldone), ma qui è un ostacolo che impedisce anche il piacere dell’immaginazione, che preclude lo “sguardo” verso ogni possibilità di salvezza, ogni speranza. Rispetto a Leopardi, egli rinuncia alla protesta, alla ribellione, rimane in una condizione di perplessità, di disorientamento e di impotenza. Montale constata la crisi del ruolo dell’intellettuale e respinge l’immagine di profeta e di poeta “laureato” – letterato (Carducci, D’Annunzio), per dare solo «qualche storta sillaba e secca» (Non chiederci la parola): da qui la rinuncia, il rifiuto di toni alti, aulici, solenni, la scelta di parole aspre, dure (ancora una volta agisce il ricordo di Dante), come, in questa lirica, «sterpi», «scricchi», «serpi», equivalenti fonosimbolici di una vita disseccata. Una poesia “povera” è la risposta di Montale alla saturazione del linguaggio, alla pretesa sacralità della parola, alle irrazionali ideologie di fronte alle quali le presenze dell’orto diventano anche esempi di una stoica resistenza al «male di vivere».Aridità del paesaggio, dell’esistenza, aridità della parola e del messaggio poetico, che è affidato al tono dimesso e pacato dell’ultima strofa. La prosaicità è cercata e ottenuta anche attraverso, una sintassi prevalentemente ipotattica (ad eccezione della prima quartina, dove è usata la paratassi asindetica) che dilata il ritmo cadenzato dalle rime: «ch’ora si rompono» al v.7, «mentre si levano» al v. 11, «com’è tutta la vita […]» dal v.15 al v.17; da segnalare anche gli enjambement ai vv. 9-10, 11-12 e l’assenza di pause nelle ultime tre strofe. Una scelta originale e anticonformista che fin da questa prima raccolta ha distinto Montale e ne ha fatto un “moderno classico” nella sua ricerca di una sintesi linguistica tra la tradizione poetica, non rinnegata, a differenza delle avanguardie, e la letteratura del primo Novecento di cui il poeta ligure è una delle voci più autentiche.La stessa Meriggiare pallido e assorto offre un esempio di tale mescolanza plurilinguistica, per cui termini preziosi e letterari (il dantesco «pruni», l’arcaico e dannunziano «frondi», l’aggettivo pascoliano «tremuli») convivono accanto a termini del linguaggio comune e quotidiano («cocci aguzzi di bottiglia»). Né rinuncia Montale ai metri tradizionali (soprattutto all’endecasillabo sciolto), alla rima, alla corrispondenza tra le strofe (in questo caso tre quartine), pur servendosene con estrema libertà.La poesia, pirandellianamente, “non conclude”: la triste e sfiduciata scoperta finale, proprio nel suo tono dimesso, tradisce la sua non assolutezza, la sua precarietà, e resta aperta, sospesa, in attesa di una risposta non ancora trovata.Il riferimento a Pirandello non è casuale: l’esperienza di Montale si avvicina a quella del romanzo moderno nel testimoniare la crisi dell’uomo contemporaneo. Come il romanziere rinuncia all’onniscienza, all’onnipotenza sul mondo che rappresenta, così il poeta rinuncia ad una funzione celebrativa, profetizzante, non può far altro che analizzare, (ri)conoscere la malattia dell’uomo moderno, evitando però i facili vittimismi.L’«ubriaco» di Montale (Forse un mattino andando in un’aria di vetro, v. 4) «seguita la muraglia» accanto al «sonnambulo» di Sbarbaro (Taci, anima stanca di godere, v.16), all’uomo in crisi di Eliot (poeta al quale si deve la definizione della tecnica del correlativo oggettivo), all’inetto e al malato di Svevo (scrittore non a caso “scoperto” proprio da Montale critico), al personaggio sdoppiato di Pirandello ed è in sintonia con le esperienze europee di Kafka, Proust, Musil, Joyce.

2009-09-29T08:28:00.000-07:00

Metrica, retorica, stilistica

Ogni poesia è frutto di un’ispirazione ma anche di un attento e rigoroso lavoro formale; il poeta è un artigiano, di cui ora andiamo a scoprire gli strumenti e gli artifici

Gli elementi strutturali della poesia: verso, strofe, componimenti metrici

Il verso (dal latino “vertere” che significa “tornare indietro”)
il verso ha una dimensione “temporale” -cioè ha una durata, che dipende dal numero delle sillabe:
· 2 sillabe: BISILLABO
· 3: TRISILLABO
· 4: QUADRISILLABO
· 5: QUINARIO
· 6: SENARIO
· 7: SETTENARIO
· 8: OTTONARIO
· 9: NOVENARIO
· 10: DECASILLABO
· 11: ENDECASILLABO
· 12: DODECASILLABO

il verso ha anche una funzione ritmico-fonica, crea una musicalità: ossia è scandito da una serie di accenti che si sovrappongono e dominano sugli accenti normali, tonici, delle singole parole;

la ripetizione degli accenti crea il ritmo musicale della poesia, tramite l’alternanza di arsi (innalzamento della voce, ictus) e tesi (abbassamento della voce)

gli accenti si collocano in sedi specifiche (p.es., nell’endecasillabo, uno dei tre accenti, l’ultimo, cadrà sempre sulla 10^ sillaba);

in ogni verso c’è la cesura, ovvero un “taglio” (segnato da una sbarretta: / ) che spezza il verso in 2 unità (“emistichi”; il verso intero è lo “stichio”); non c’è una regola generale: la cesura può cadere in posti diversi

La strofe è un’unità metrica, ossia un raggruppamento di versi
2 versi - distico
3 versi - terzina
4 versi - quartina
6 versi - sestina
8 versi – ottava

I componimenti metrici: un raggruppamento di certi tipi di strofe crea delle strutture metriche tradizionali

Sonetto: 14 endecasillabi, divisi in due quartine e due terzine

Canzone: composta da varie strofe (dette stanze) con un numero uguale di versi (schema tipo: fronte, divisa in due piedi uguali, verso di chiave, infine la sirima, divisa in due volte)

Ballata: una serie di stanze staccate da un ritornello ripetuto

*******************

Le tecniche usate dal poeta-artigiano si dividono in due livelli:
Le figure che intervengono a livello del significante, ossia dei segni
Le figure che intervengono a livello del significato

Figure a Livello del significante

1-Figure Morfologiche

Modificano le singole parole o i morfemi di una parola àcolore rosso

aferesi caduta della sillaba iniziale di una parola
apocope caduta di un fonema in fine parola (“pensier”)
sincope soppressione di un fonema dentro la parola (es: “medesmo”)
sineresi unione tra due sillabe interne alla parola (“viaggio”)
dieresi separazione tra due sillabe interne alla parola (“poëta”)
elisione caduta di una vocale finale davanti ad altra parola che comincia con vocale (“fec’io”)

2-Figure Fonetiche

Agiscono nella dimensione sonora, declamatoria, della poesia. àcolore verde scuro

la rima è l’uguaglianza dei suoni finali di parole poste alla fine di verso; essa connette parole distanti, arricchisce entrambe tramite il richiamo fonico, crea corrispondenze verticali, corto-circuiti di senso

la rima ingloba l’ultima sillaba, più la vocale precedente (“cuORE : amORE”)

a secondo del tipo di accento della parola-rima, si distinguono:
rima piana: “che questa donna nel partir li gìtta” (accento sulla penultima)
rima tronca: “poi torna pien di sospir, perché” (accento sull’ultima)
rima sdrucciola: “ne lo quale face Amore espéllere” (accento sulla terzultima)

principali tipi di rime:
baciate (AA)
alternate (ABAB)
incrociate (ABBA)
ripetute (ABC ABC)
incatenate (ABA BCB CDC…) à terza rima dantesca
invertite (ABC ACB)
interne (d’un accidente che sovente è fero / ed è sì altero ch’è chiamato amore)
spezzate (burli : pur lì)
equivoche (porta : porta; la prima parola rima ha un senso diverso da quello della seconda parola rima)
derivate (le parole rima derivano una dall’altra; carta : incarta)

allitterazione: ripetizione di una consonante o sillaba all’interno di un verso (”CAddi come COrpo morto CAde”).
assonanza: uguali le vocali e diverse le consonanti (viso : mattino)
consonanza: uguali le consonanti e diverse le vocali (latra : cetre)
onomatopea: termine che imita col suono certi caratteri della cosa o azione espressa (“ticchettio”, “belare”, “mormorio”, “chicchirichì”)
paronomasia: il suono delle parole è solo simile (acqua : reliquia)
sinalefe: unione tra due parole vicine (si pronuncia: “quandin questa”)
dialefe: separazione tra due parole vicine (“quando in questa...” -si pronuncia staccato: “quando -in -questa”)

3-Figure Sintattiche

Alterano, a fini espressivi, il normale ordine della frase à colore viola

anafora: ripresa, all’inizio di più versi, della stessa parola o espressione (“Per me si va nella città dolente / per me si va nell’etterno dolore / per me si va tra la perduta gente”)
chiasmo: disposizione incrociata degli elementi di due proposizioni, secondo lo schema ABBA (“Le donne, i cavalier, l’arme, gli amori”)
asindeto: elimina i legami formali (per es. le congiunzioni)
polisindeto: il contrario dell’asindeto, ovvero l’uso molto evidente delle congiunzioni (“La vita fugge E non s’arresta un’ora, E la morte vien dietro a gran giornate”)
ellissi: si elimina un elemento della frase (“Io sono felice, tu no”)
zeugma: una parola ne regge altre non omogenee (“Sotto il ponte scorre il fiume e i nostri amori”)
anastrofe: mutamento dell’ordine normale di due elementi (“cammin facendo”, “eccezion fatta”)
iperbato: inversione di più elementi (“Questa bella d’erbe famiglia e d’animali”)
enjambement: è la “spezzatura”, ovvero la frase è più lunga del verso, e questo continua nel successivo (“Ahi, sì presto e dalla patria / così lungi avrà il riposo”)
dittologia: coppia di termini (può essere sinonimica o oppositiva)

Figure a Livello del significato

1-Figure Semantiche

Modificano il contenuto della parola àcolore celeste

metafora: è il confronto “accorciato” tra due oggetti che hanno in comune un elemento di significato (“Achille è un leone”)
similitudine: qui il paragone è esplicito (“Come il leone piomba su un gregge, così Achille piombava sui nemici”)
metonimia: un termine è sostituito da un altro, che ha col primo un legame logico (“Campa col sudore della fronte” à “con il lavoro che fa sudare”).
sineddoche: è simile alla Metonimia, solo che il rapporto è tra una cosa ed un’altra più estesa (es: la parte per il tutto: “Torno al mio tetto”), ecc.
apostrofe: ci si rivolge ad una persona o ad un oggetto personificato (“O patria”, “O Cesare”)
personificazione: si fanno parlare persone morte, oggetti, cose astratte; es. parla l’Italia (si dice anche prosopopea).

2-Figure Logiche

Modificano il valore logico della frase. àcolore giallo

adynaton: sottolinea un fatto impossibile (“Vedremo ghiacciare il fuoco”)
eufemismo: attenua un’espressione troppo forte
iperbole: è un’affermazione esagerata, piena di enfasi (“E’ un secolo che non ti vedo”)
litote: affermare qualcosa negando il suo opposto
ossimoro: si fanno convivere concetti opposti (“Sei la mia dolce nemica”)
sinestesia: associare termini appartenenti a sfere sensoriali diverse (“Un suono verde”)
ironia: si afferma una cosa, ma si intende il contrario
antitesi: accosta parole o frasi di senso opposto (“La bianca speranza scese nel mio animo scuro”)
allegoria: dà senso simbolico ad un elemento concreto (nell’Inferno di Dante la “lupa” sta per l’“avarizia”)

2009-09-09T10:54:00.000-07:00

Cari giovani, questo blog sarà uno strumento di comunicazione per noi indispensabile: vi troverete materiali ed informazioni aggiornate sulla vita di classe. E' una strada a doppio senso: sarete chiamati a comunicare con me via mail (autierogi@yahoo.it) o lasciando dei post su questo blog.

Vi invito a visitare anche le altre sezioni, giusto per avere un'idea del retroterra culturale di colui che vi insegnerà italiano...

Dunque, questo il programma per il mese di settembre, che dedicheremo per intero a Dante...

(qui incontra Beatrice sulla riva d'Arno: lei amava vestire di rosso...)

Per la classe: 2E

Unità di Apprendimento 1 – La visione politica di Dante

Obiettivi
Conoscenze: la biografia di Dante; la situazione politica dell’Italia del ‘300; la teoria politica di Dante nella Commedia e nel De Monarchia; lettura dei “canti politici” della Commedia
Abilità/competenze: analisi ragionata dei Canti politici; lettura e decodifica di saggistica dantesca; produzione scritta di un saggio breve

Testi:
Inferno, VI canto; Purgatorio, canti III, VI, XIV, XVI, XX, XXIII, XXXII; Paradiso, canto VI

Fermi restando gli obiettivi su scritti, questi i testi per le classi 3C e 3F

Testi:
Inferno, VI canto; Purgatorio, VI canto; Paradiso, canti VI, VIII, IX, XV, XVI, XVII, XXVII

Per tutte e 3 le classi: 2E 3C 3F, valgono questi criteri di verifica e valutazione:

Le verifiche orali saranno di 2 tipi: quelle su incarico e su discussioni in classe (una per alunno); quelle su interventi estemporanei (per cui non è fissato un numero di verifiche a testa: più si interviene meglio è). Le prime avranno un peso del 35%, le seconde un peso del 25% nel determinare il voto finale dell’UdA.
Le verifiche scritte (un saggio breve ed un test) avranno questi pesi: saggio breve 25%; test 15%, sempre sul voto finale dell’UdA.

Esempio di calcolo:

se uno studente ha meritato:

7 alla prima verifica orale

8 agli interventi orali

7,5 al saggio breve
6 al test

avrà questo voto generale (sull'intera Unità di Apprendimento):

(7 x 0,35) + (8 x 0,25) + (7,5 x 0,25) + (6 x 0,15) = 7,225 -->arrotondato a 7,2 (per difetto)

quel che non è chiaro, a voce...

I criteri di verifica e valutazione delle prove scritte ed orali sono quelli contenuti nel POF, scaricabile dal sito del liceo: http://www.liceotelesio.it/

Ci saranno ovviamente più UdA, ciascuna delle quali concorrerà con una propria % a determinare il voto prima trimestrale e quindi finale...

L'estate sta finendo...

2009-06-06T14:11:00.000-07:00

I consigli di letture per questo autunno-inverno...

Cari pargoli del 3C e del 3F, ecco i libri selezionati per il nostro studio della narrativa italiana del '900. Li ho elencati per data di pubblicazione.

1889 D'Annunzio Il Piacere
1904 Pirandello Il fu Mattia Pascal
1923 Svevo La coscienza di Zeno
1929 Moravia Gli indifferenti
1938 Vittorini Conversazione in Sicilia
1946 Gadda Quer pasticciaccio brutto de Via Merulana
1955 Pasolini Ragazzi di vita
1958 Tomasi di L. Il Gattopardo
1961 Sciascia Il giorno della civetta
1979 Calvino Se una notte d’inverno un viaggiatore
1980 Eco Il nome della rosa
1996 AAVV Gioventù Cannibale

Dodici libri, per 107 anni di storia...

Spero che riusciate a recuperarli, qua e là, in biblioteche pubbliche e private, ecc. -o comprateli! Investire in libri è investire in vita ed intelligenza... Per il resto, buone vacanze...

La Scuola d'Arte Musiké

2008-10-04T08:52:00.001-07:00

Oltre alla letteratura ed a tutto il resto, mi provo ad apprendistare anche l'arte più complessa di tutte, quella in cui la forma sovrasta completamente il contenuto (ossia l'arte in cui la forma è il contenuto): ovvero, la musica...

Non sono un musicista, no, ma sono tra i responsabili di una scuola di musica, di cui qui allego la brochure...

Vi invito a visitare il sito: http://www.scuolamusike.it/, da me curato...

Un'altra iniziativa musicale cui collaboro è quella del Coro Polifonico Mater Dei, il cui sito è questo: http://www.coromaterdei.it

Buona navigazione!

L'Annuario Scolastico dello "Scorza"

2008-09-28T01:10:00.000-07:00

Il liceo "Scorza" di Cosenza vanta tre pubblicazioni: la rivista di critica e filosofia "Bucinator", il giornale degli studenti, e questo "Annuario", dove ho talora pubblicato qualcosa di allegramente fuori degli schemi un po' seriosi della rivista ospitante... Consiglio vivamente agli studenti la lettura di questi due contributi: uno sulla disciplina scolastica, l'altro sugli striscioni che precedono il fatidico "pranzo dei 100 giorni"...

L'intervento data al 2002: prima del ministro Gelmini e delle grida sul ritorno al 5 in condotta, sulla bocciatura da cattiva condotta ecc.

DISCIPLINA SCOLASTICA

Un mini-dizionario

Rispetto
Il rispetto non è parte del contratto di lavoro dei docenti, voce “diritti”. Non è nemmeno un’aura di cui l’istituzione ammanta i suoi servitori: quella tensione che trasmette un qualsiasi carabiniere. Il rispetto da parte degli alunni finisce per dipendere unicamente dalle qualità umane del docente, dal suo carisma personale. La cattedra, il registro, sono ormai decaduti, quali strumenti di terrore: sarebbe come minacciare un alunno col babau, con l’uomo nero. Sarà per questo che i docenti che si fanno ascoltare dai ragazzi lasciano volentieri la cattedra, passeggiano tra i banchi, siedono coi ragazzi. E dimenticano quasi sempre di compilare i registri. Non parliamo di altri strumenti disciplinari: le note, le sospensioni, le convocazioni dal preside.

Sospensioni
Oggi le sospensioni sono cadute in disuso: come una scomunica che non spaventa più. Anzi. Un discente dovrebbe tremare a sentirsi escluso dai riti di Santa Romana Scuola? Nell’ipermercato o su un motorino, pensare con dolore alla Scienza&Bellezza che gli altri stanno godendo e lui si sta perdendo? Semmai, è un incitamento a delinquere. All’inquisitore scolastico non sfuggì la degenerazione: corse ai ripari con l’escamotage della sospensione solo “ai fini disciplinari”, dunque “con obbligo di frequenza”. Mai giocare con il linguaggio: nomina sunt omina. Una sospensione che non sospende si autoannulla. E le conseguenze “disciplinari”? A fine anno, agli scrutini, qualche docente illuso d’ordine rispolvera la pratica: “È stato pure sospeso...” Ma non si dà corso, la pratica è richiusa definitivamente.

Note e sette in condotta
L’apparato repressivo un tempo impressionava. Nulla indica più efficacemente una rivoluzione che l’irrisione popolare degli antichi strumenti di repressione. Chi è tanto sprovveduto, oggi, da fare una nota sul registro? Chi mai le rilegge, chi le registra e ne tiene conto? Che effetto avranno? Nessuno. Le rileggono solo gli studenti stessi, per riderci e sfottersi. Che dire di quell’altro ridicolo disatteso spauracchio, il 7 in condotta? Finalmente il legislatore ha “letto” la realtà: ed ha escluso che il voto di condotta possa essere discrimine per una bocciatura. Tra poco la casellina “condotta” comincerà a sbiadire dalle pagelle: quando sarà sparita, neppure ce ne accorgeremo. Di altre strategie disciplinanti, convocazioni dei genitori dal preside et similia, non si dice: occasioni mondane, di allegro dialogo tra sordi. Infine, promesse, e generici impegni per il futuro.

Lassismo
Il lassismo è un’aura —lui sì: un carisma. Si avverte: nell’aria, nel modo in cui apriamo i registri, parliamo. Ci illudiamo che i ragazzi non lo colgano: e non ne traggano le doverose conseguenze. Dimentichiamo troppo spesso che essere piccoli non significa essere fessi. Noi docenti, per lucrare il rispetto dell’istituzione, per terrorizzare sfruttando i suoi simboli e strumenti, dovremmo compiere un preventivo atto di fede: credere nell’istituzione stessa. Non ne siamo capaci, non sempre concediamo credito alla scuola ed al nostro lavoro: però, stranamente, pretendiamo che gli altri lo facciano — e ne siano terrorizzati.

Cattedre
Tra la realtà ed i simboli con cui ce la spieghiamo intercorrono rapporti che il docente tende a non indagare. Prendiamo le cattedre. Una volta erano enormi, di legno scuro, massiccio — per di più erano sollevate da pedane: un altare oscuro, l’Olimpo di Giove fulminatore, che incombeva sulle teste dei piccoli alunni. Oggi le nostre cattedre sono a livello dei banchi. Piccole, di truciolare già votato allo scasso, allo sfaldamento. D’accordo, mai più simboli repressivi! democrazia, apertura alla discussione, scendere al livello dei giovani! La bacchetta, i ceci sotto le ginocchia? Non se ne parli neppure! Rimuoviamoli nell’inconscio scolastico... Tutto condivisibile, certo: non spaventiamo i piccoli. Eppure, quei simboli e strumenti avevano un pregio: erano organici.

Strumenti organici
Quei simboli e strumenti erano parte integrante di un mondo, di una visione, di una cultura. Criticabili, sì: ma funzionali. Li abbiamo aboliti senza sostituirli: grave errore, per qualsiasi religione. O meglio: i simboli sostitutivi sono risultati disorganici. Una cattedrina a livello banco, a volte addirittura sostituita da un banco, non solo consente ai delinquenti degli ultimi banchi di imboscarsi e copiare. È uno sminuimento del ruolo, che comporta disfunzioni. Non trasmette ciò che vorrebbe: fiducia, vicinanza, disponibilità, bensì contribuisce allo scadimento del prestigio del docente. Ché i giovani hanno bisogno di strutturare i propri comportamenti, non solo di ampliare le conoscenze. Ed un tanto di rispetto verso l’insegnante è formativo.

La necessaria coercizione
Non troppa, certo, ma un minimo di disciplina ci vuole. Perché, per un mistero bio-antropologico che un insegnante ha ereditato dall’evoluzione, la gioventù tende a dissiparsi, ad incasinare. Un certo grado di coercizione è scontato in tutte le educazioni, le pedagogie. Orazio è cresciuto a frustate. Oggi di questa verità ci vergogniamo. Ci hanno strappato ad uno ad uno tutti gli strumenti di disciplina. Torme di psicologi e pedagogisti ci hanno intimidito, senza fornirci di teorie alternative di approccio ai giovani. O meglio: di teorie che alla difficile prova dei fatti scolastici risultino efficaci. I genitori stessi pretendono severità e controllo, quelli con cui sono stati allevati loro... Ma poi sono i primi a chiudere gli occhi sui teppismi delle creaturine.

Un apparato repressivo?
La scuola soffoca nei paradossi: spinte in direzioni divergenti. Vogliamo trasmettere apertura democratica? Ma allora, perché conservare un apparato fondamentalmente autoritario? Una classe non è una riunione di pari: c’è un anziano, cui si deve obbedire, cui spetta la decisione ultima, i giudizi finali. Che vogliamo fuori discussione. Ed allora? Quale modello disciplinare applicare a scuola? Un dispotismo illuminato, un Grande Fratello, una “democrazia partecipata”? Il fatto, il ripetitivo fatto, è che, tra la scuola ed il mondo là fuori, i rapporti si sono fatti tumultuosi, sconnessi, inorganici.

Superuomini
Così noi docenti subiamo spinte contrastanti, disgreganti: cassiamo sulla carta e dalle riunioni il vecchio modello repressivo — salvo applicarlo in classe di fronte alle più evidenti intemperanze giovanili. Crediamo nel “dialogo educativo” — ma non vogliamo discutere i nostri metodi, ci intestardiamo ed indispettiamo se le nostre “strategie” sono poste in discussione dagli allievi. La società contribuisce da par suo al casino: i media favoriscono schizofrenie, modelli ferocemente individualisti e permissivisti volti a favorire una distribuzione di massa. L’individuo d’eccezione, il superuomo che guida land-rover in lande deserte, a cui tutto è permesso: peccato che ce ne sia qualche milione, in coda al semaforo, di questi eroi niciani.

“Silenzio, per cortesia!”
Un docente è quasi disarmato, di fronte alle indiscipline, alle devianze. Quando una classe ascolta, se zittisce perché il docente ha detto “Per cortesia!”, ciò avviene per motivi estrinseci al ruolo ed all’istituzione scolastica: perché sono figli di buona famiglia, educati ad ascoltare gli adulti, “saluta il signore!” Perché la scuola non è in un habitat periferico e disagiato. Altrimenti, il docente è costretto ad affrontare un quotidiano scontro, in cui la fisicità non è affatto fuori gioco: guai ai timidi, alle supplentine! Fisicità: non alzare le mani, certo: ma urlare, gonfiarsi, strabuzzare gli occhi, battere i pugni sulla cattedra. Nell’etologia animale, questi comportamenti sono schedati come “dimostrativi”. Esibizioni, a surrogare o rinviare l’attacco vero. Armi di dissuasione. Come tutte, armi a doppio taglio. Il problema è quando la classe non si dissuade. Il discrimine è grave: se il docente non dà corso alla repressione minacciata, alle urla, perde definitivamente la faccia.

Carisma
Il docente perde sempre la faccia, se non ne ha una. Se non ha il carisma giusto, se non crede in quel che fa, se tra i suoi comportamenti e le sue parole non c’è una precisa implacabile corrispondenza. È l’unico sistema, coi teppisti. Altrimenti, c’è la via di fuga. Il buonismo. Chiediamo ai giovani un minimo di impegno, di silenzio. Siamo già disposti al perdono, al buffetto sulla guancia. Vogliamo solo essere trattati con un minimo vitale di rispetto: che imparino a memoria quattro paginette a fine quadrimestre, che si dimostrino un po’ pentiti, fingano di ascoltare, facciano qualche domanda (scema, ma purché denoti interesse e “partecipazione al dialogo educativo”), che non contestino i voti, che non escano proprio tutti al bagno quando spieghiamo, ecc. E che ci vuole, per essere promossi!

Utenza scolastica
La logica della concorrenza non fa parte della genetica scolastica:
se i docenti avessero voluto mettersi in competizione, economica o di prestigio, non avrebbero certo scelto questo mestiere. Eppure una facile profezia dice che si parlerà sempre più degli studenti in termini di “utenza”. Una buona antica regola del mercato è quella di venire incontro alle richieste dell’utenza. Cosa vogliono e vorranno sempre più, i nostri piccoli clienti? Permissività, poco impegno, poco sudore, e ciononostante, per una magia alla Harrypotter, voti allegri, promozioni, motorini. Non è previsto, dal mercato, che il cliente abbia rispetto del venditore. Che l’alunno debba necessariamente rispettare il docente.

I King Crimson!
Una citazione: la ripeto, qualche volta, ai miei alunni. “La disciplina non è mai uno scopo in sé, è sempre un metodo per il raggiungimento di uno scopo...”. Era su un album dei vecchi King Crimson. Il disco si intitolava “Discipline”. Dico loro: “Conoscete i samurai? La loro etica della disciplina? È la stessa che vi appassiona nei film americani d’azione... C’è un esteta, un perfezionista della sua professione, ma gli chiedono di applicarla a qualcosa di assurdo, spesso di inutile. E lui lo fa...”. Sto consigliando loro di essere disciplinati e preparati per niente, senza uno scopo vero: solo per il piacere di esserlo (una schiena dritta in un mondo di molluschi), per un’ilare scommessa con se stessi. Mi ascoltano. Temo che alcuni di loro diventeranno killer. O dei buoni insegnanti.

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Questo altro allarmante articolo uscito sull'Almanacco è un'inchiesta sui comportamenti studenteschi nel (o meglio prima del) "pranzo dei 100 giorni"... Vivamente consigliato alle ultime classi...

Gli striscioni dei 100 giorni: avvio di un’esegesi

Un universo misterioso
Il mondo studentesco è così variegato da ammettere e scatenare inchieste a decine, non ultime quelle che tentano di definire il loro profilo culturale al termine o nel corso degli studi (es. le indagini dell’Invalsi). Più arduo risulta ovviamente cogliere le sensazioni dei giovani, ossia quel che, in termini di vita vissuta, relazioni, crescita interiore, affettività ecc. si deposita nelle loro anime -tutti parametri difficilmente quantificabili. La fine del ciclo liceale, la licenza e l’immediata proiezione dei 18enni verso il mondo universitario, ben possono essere descritti quale decisivo rito di passaggio; appressandosi alla rescissione del cordone ombelicale, e prima della prova finale, il passaggio della festa dei 100 giorni sembra un osservatorio privilegiato per descrivere come gli studenti abbiano vissuto o sofferto o impiegato i 5 anni liceali, o meglio che cosa ne abbiano filtrato, in termini di autorappresentazione del loro status e di rappresentazione dell’ambiente-scuola.

La Festa dei 100 Giorni

La festa dei 100 giorni diventa nei mesi precedenti oggetto di frenetiche organizzazioni, spesso con un impegno ed una dedizione che –meglio finalizzati- avrebbero permesso a molti dei diplomandi di giungere all’esame con una preparazione ben più adeguata. Agisce ovviamente la tradizione goliardica, che autorizza (necessaria valvola di sfogo) in talune ben segnalate circostanze l’irrompere delle pulsioni profonde del gruppo; l’irrisione dei “temuti” docenti esaminatori si applica nel dopopranzo dei 100 giorni, allorché si inscena il ripetitivo siparietto delle imitazioni dei docenti, delle canzoncine dalle rime baciate, ecc. Tale liturgia, ormai consolidata nell’immaginario collettivo studentesco quale diritto acquisito ed inalienabile, prevedeva altresì, fino a qualche decennio fa, solo i corollari della sfilata di moda da parte dei diplomandi e di altre innocue ritualità che precedevano il corteo in direzione del ristorante. E’ di questi anni tuttavia un’allarmante degenerazione, che impone un tentativo di interpretazione.

Le forche caudine

Il momento più esibito ed esaltante, forse psicologicamente centrale, è diventato quello dei riti barbarici perpetrati all’uscita delle altre classi –ossia degli altri, degli inferiori, della massa di ignavi che per altri anni dovrà sopportare la detenzione nella scuola, l’obbedienza ai professori. I 100giornisti attuano una serie di gesti simbolici che, a livello più o meno subliminale, sono tesi a rivendicare ed esibire in modo parossistico ed irrefutabile il loro status di superiorità: il fatto stesso che, nel nostro liceo, e sfruttando la ristrutturazione viaria di Viale Mancini, i 100giornisti si assiepino sugli spalti superiori della ringhiera (a parte le truppe di guastatori e feditori incaricate di seminare il panico spruzzando di spumante a basso costo i malcapitati), dimostra come il rito sia in buona parte un’aggressiva rivendicazione di alterità, libertà, supremazia. Gli altri devono sottostare a tali forche caudine, riconoscere implicitamente il potere del clan dei dominanti.

Gli Ubermenschen

Nei diplomandi emerge dunque prepotente la necessità di rendere visibile ed operante la loro alterità: nei manifestini che nei giorni precedenti “avvisano” dell’imminenza dell’evento, più della sbruffonaggine delle minacce (“per voi l’inferno”), va sottolineata l’insistenza con cui si ribatte la dicotomia tra il “noi” dei pochi eletti ed il “voi” della massa. Classi che per 5 anni hanno presentato una problematica coesione interna, spesso ferocemente divise in gruppi e sottogruppi, trovano per magia, e per il breve volgere della Festa, una compattezza granitica, di cui è simbolo la falange che oppongono all’uscita delle altre classi. Come sempre avviene nella storia, è l’individuazione (spesso pretestuosa) di un “nemico” interno a compattare il fronte interno.

Una Guerra

Altri simboli si assiepano a dire la natura conflittuale, aggressiva, dell’evento; l’alterità è ribadita non solo per posizionamento, ma per il look stesso che, curatissimo, viene piegato a rendere non più la solennità dell’evento, ma l’appartenenza ad una casta, ed insomma funge da divisa; si registrano inoltre: l’impiego allarmante (e pericoloso) di botti di potenza inusitata, oltre che di fumogeni ed altre artiglierie; il lancio di palloncini d’acqua, oltre che di schizzi di spumante, contro la massa degli altri; l’aggressione fisica di una massa che, sbandando, ha provocato di recente anche ferimenti di persone; le urla ed i cori; gli stendardi (una sorta di aquile romane sotto la forma aggiornata di palloni ad elio) con cui ribadire la propria identità collettiva e paramilitare; gli striscioni, dal contenuto a dir poco minatorio o in alternativa autoincensatorio. Ci sono insomma divise, simboli, urla, bandiere, insegne paramilitari, aggressività, operazioni balistiche, fumi ed esplosioni, attacchi e contatti fisici, persino ferimenti… Chi parlerebbe di “guerra”, per la cosiddetta Festa dei 100 giorni, non andrebbe lontano dal vero.

Gli striscioni

Purtroppo l’onnipervasività del medium televisivo ha destituito di originalità molte delle manifestazioni giovanili, in altri tempi più spontanee se non fantasiose: e dunque dietro molti degli elementi sopra elencati possiamo scorgere l’influsso di questo o quell’evento mediatico (l’uso dei palloncini è mutuato da certe convention politiche, cori e botti dal tifo calcistico, ecc.). Qui vorremmo solo sottoporre ad analisi gli striscioni esibiti dai 100giornisti, in quanto quelle frasi risultano sintomatiche non solo dell’animo con cui i giovani vanno all’appuntamento, ma anche (a livello dicevamo più o meno inconscio) di come costoro hanno vissuto o sofferto l’esperienza scolastica. Il primo dato è diciamo di natura espressiva: i giovani sentono il bisogno impellente di offrire urbi et orbi un’interpretazione dei 5 anni trascorsi al liceo, di quella tranche di vita che umanamente avvertono irripetibile ed ormai trascorsa, ma per farlo scelgono uno strumento coerente con la loro (in)cultura: sarebbe astruso che i 100giornisti producessero una lettera, un’esternazione scritta in lingua accettabile, una qualche riflessione sull’esperienza liceale da pubblicare sul giornalino d’istituto. Ciò richiederebbe uno sforzo di concettualizzazione a quanto pare improponibile, e per di più incoerente con la logica barbarica dell’evento: i giovani dunque si esprimono tramite un graffito spray, con un lenzuolo sul quale viene tracciata una frase finale e riassuntiva, dunque tanto più significativa perché la comunicazione (quel tipo di comunicazione) non può essere (come in pubblicità) ribadita; essa deve essere icastica ed immediatamente fruibile.

Alcune tipologie

Ci sembra di scorgere queste tipologie ossessivamente ripetute:
a-l’irrisione (venata di vaghe intimidazioni) verso il gregge di chi resta, verso le matricole;
b-di contro, l’esaltazione eroica de “noantri”, i Superuomini radunati dalla sorte in quel particolare Quinto, auto-accreditatisi quali spiriti eccezionali (anche se dalle qualità dichiaratamente devianti: “Viulenza… u piaiu [peggiore] quintu ‘i Cusenza”);
c-in alternativa, ci si eleva al rango di Esteti, dei soli capaci di un “vivere inimitabile” (“Nua sì ca ni scialamu”);
c-un senso forte di appartenenza, che, come si diceva, solo ora (paradossalmente, ora che il gruppo sta per sciogliersi) si palesa (“Eccezziunali veramente”);
d-la più o meno scherzosa intimidazione, a che negli esami i 100giornisti siano valutati in modo benevolo, di là o di contro ai meriti effettivi (“Con 5 anni sulle spalle / Mo’ ni simu rutti i palle / E si l’esame un superamo / V’appicciamu e vi fumanu”);
e-un centone di citazioni di musiche e film ed altri prodotti sottoculturali giovanilistici (il più citato, recentemente, è il film “Tre metri sopra il cielo”, del resto spesso parodiato in senso scurrile);
f-le allusioni ad eccessi di alcolici e stupefacenti (“Oj ni facimu na bella ‘mbriacata”; in certe scritte le “i” sono disegnate come spinelli);
g-la denuncia dell’inutilità e dell’inadeguatezza del sistema scolastico ( “In questa scuola non c’è coerenza / quello che conta la nostra resistenza”), della sua natura oppressiva, da cui si invoca una liberazione (“Per 5 anni n’aviti portatu finiti / Mo’ alli 100 juarni mai più ne viditi”; “Dopo il lungo sonno: il risveglio”);
i-esibizioni compiaciuta d’ignoranza (“A scola pe nua è stata na jucata”; “Nue u studiu un sapimu chir’è”);
l-il meglio (!), una serie di filosofismi d’accatto, cascame culturale per solito incentrato (si noti bene) su un tentativo di riconsiderazione dei 5 anni trascorsi a scuola: in genere si tratta di rigurgiti di spiritualismo, riflessioni banalizzate sul tempo che passa, addirittura sul senso della vita, che valgono meno per il loro senso intrinseco (per il significato) che per la loro esibizione in quell’occasione e con quel mezzo; anche in questo caso, il medium è il messaggio; valga un esempio: “Il bello dei ricordi che ci tornano in mente è la consapevolezza che non siamo mai riusciti a dimenticarli” –frase lievemente tautologica, che non “significa” (in senso semiologico) altro che la propria esibizione in quel contesto, tramite quel medium;
m-l’uso insistito del dialetto, per di più nella sua variante becera, da periferie degradate; esibito aggressivamente di contro all’istituzione che per anni ha tentato di educare gli autori degli striscioni ad un italiano forbito, esso non serve a rivendicare un’appartenenza localistica, piuttosto assume il senso di uno schiaffo scientemente tirato alla scuola.

Considerazioni finali

I giovani 100giornisti, nel giorno consacrato all’esibizione delle loro pulsioni più profonde, trascendono la tradizionale goliardia, per assurgere a parossismi parabellici ed irrazionali; dimostrano odio per la scuola, intesa e sofferta come un luogo di oppressione, che li appiattisce nell’uniformità, ossia che non riconosce non valorizza non esalta le loro potenzialità individuali; le frasi pseudo-intellettualoidi forse inconsciamente sono esibite per dimostrare la presunta ricchezza di un loro mondo interiore, che i docenti non hanno colto né valorizzato. La scuola per loro è un carcere da cui liberarsi con uno sfogo di gioia esibito e sfrenato; si compiangono ed insieme si irridono i malcapitati che dovranno frequentarla ancora; il rimpianto non è relativo alle tante occasioni di crescita culturale non colte, ma è rivolto agli amici, alle relazioni interpersonali, ecc. Se questa è la sconsolante analisi, non ci sentiamo di proporre correttivi. Come spesso avviene, individuare il disagio è più agevole che suggerire rimedi efficaci.

Il Filorosso

2008-09-27T09:53:00.001-07:00

Il Filorosso è una bella rivista di critica militante, giunta meritoriamente al 23° anno di vita; diretta con competenza dal poeta Francesco Graziano e dalla moglie, la preside Gina Guarasci, ospita firme prestigiose di critici e poeti. Tra i molti miei contributi, ne riporto alcuni, scelti tra quelli dedicati alle opere di Scrittori Amici ed Amici Scrittori (per cui vi rimando alla relativa etichetta).

Francesco Graziano, Cronache d’anni d’abisso e di vento, Rubbettino Editore, Soveria Mannelli 2003

La nuova raccolta poetica di Francesco Graziano gioca fin dal titolo il contrasto tra l’ambizione ed il tono alti e la forma esteriore del diario (meglio sarebbe dire dell’annuario), che allinea in una registrazione minuta ed impressionistica e -va da sé- sofferta le emergenze ed orrori della storia, qui colta e demistificata nel suo passaggio dalla cronaca originaria. L’attenzione si concentra su un frammento recente (gli anni tra il 1988/2001), filtrato e decantato da una sensibilità esposta ed acuta, nella quale le quotidiane sensazioni ed occorrenze biografiche (la morte del padre, ecc.), le fibrillazioni individuali, il personale limitato vissuto (i sogni e l’amore) si intrecciano agli eventi macroscopici, suggerendo contiguità, il sospetto ricorrente e mai (se non appunto a posteriori) fondato di un’organicità totalizzante dell’esistenza, per non dire l’antico sogno di una politicità totale. A conferma che tutto è vita (e viceversa), il poeta licenzia un panismo che giunge all’identificazione con animali e cose (“sono sasso / tra sassi con un sogno”, p.62)), laddove tuttavia la commossa partecipazione al dolore universale evolve nella volontà di offrire una linea di resistenza o al limite una registrazione a futura memoria, di là dal veloce sussulto della cronaca; il poeta sembra con ciò restituirsi al ruolo antico di rivelatore del senso e dell’anima degli eventi, di quanto altrimenti resterebbe già votato all’oblio, ed incompreso, stante le nostre croniche e colpevoli distrazione e superficialità. Colpisce lo scarto degli anni: tredici essendo troppi per ogni pur lungimirante progettualità editoriale (Petrarca stesso tenta di spacciare il suo Canzoniere come raccolta premeditata), non si può che ammirare la spontaneità dello sfogo e della sublimazione poetica, doppiata dalla coerenza della raccolta, a mimesi della ripetitività della ferocia della storia, dell’avidità, del potere.
Con ciò non saremmo tuttavia al di là di una poesia semplicemente (si perdoni il solecismo) engagé, se non intervenisse uno scatto ulteriore, lo scarto laterale che distingue l’anima del poeta dalle tramontate illusioni di denuncia sociale. Del resto, essendo umanamente condivisibile il contenuto (e l’indignazione), al lettore (a quello che si atteggi a critico) non resta che perseguire una traccia formale o stilistica, se vogliamo che la critica sia produttiva e non semplice rimasticatura di quanto enunciato in modo inarrivabile dal poeta. Tre sono le strutture ricorrenti che ci è parso di individuare nelle liriche di Graziano: talune immagini-guida; un tessuto stilistico fitto di richiami interni; infine la disseminazione di gustose annotazioni di poetica.
Le immagini-guida risultano essere simboli fortemente riassuntivi: il “deserto” anzitutto, cui nelle liriche ben si può apporre il passim, a rendere l’aridità e (in sinonimia) la desolazione della storia (“è il fuoco dei deserti / è la mia sete”, p.19); non a caso la consolazione è veicolata da immagini acquee (“prosciugato dal fuoco dei ricordi / come fiumara con i sassi al sole / ho atteso la piena”, p.14), oltre che da un idillio tanto naturalistico quanto onirico ( “in giro per le piazze / porto sogni / e fioriscono stelle sul selciato / mentre la luna scende nelle strade”, p.13) e naturaliter dall’atout dell’amore (“il lago dei tuoi occhi”, p.15). Non di rado compare l’alba, a suggerire momenti epifanici, di rivelazione e conoscenza appunto aurorale (ma difficoltosa, impedita dalle oscurità della storia); altrove la consolazione si rovescia in un’ansia di partenze, forse di ritorni (“E’ l’alba / sono pronto a partire”, p.15; “Partiamo. ... // Voglio andare lontano, voglio avere / un sogno da vestire coi colori / io che ho visto le cose in bianco e nero”, p.87).
Il gioco dei rimandi si estende per così dire orizzontalmente (nella stessa lirica) e verticalmente (con coerenza ammirevole, di poesia in poesia, il che significa di anno in anno): un’enumerazione asistematica registra anafore, incatenamenti (fino a debordare nelle coblas capfinidas provenzali), poliptoti su versi contigui, inclusioni, accumuli, richiami fonici vari, ecc. L’esemplificazione illustra solo in parte la varietà di soluzioni: “il deserto … / brucia la carne / brucia gli scuoiati” (p.13); “con le mani / con gli occhi / con la voce” (p.16, qui un raro ritorno di preposizioni, più spesso di verbi, sostantivi, aggettivi); “a tre metri dal mare. // Io lontano dal mare / nel deserto” (p.17); “io aperto / in fuga dal macello, / io carne viva / lontano dal macello” (p.18); “il colpo di mitraglia / il passo che devasta / il sangue sulla scure” (p.20, col martellare di tre settenari). Ma più forse conta indicare come il richiamo interno segni sempre uno snodo del canto, un’attenzione risvegliata, assurgendo ad un livello alto di significanza.
Infine l’amara e sorridente metaletteratura: mediante annotazioni insinuate in ciascuna lirica si delinea una sorta di scontata autodifesa, o meglio uno stacco autoironico, fisiologico in un poeta come Graziano che voglia salvare le ragioni (l’esigenza) di una poesia civile in un’era disillusa e prosastica quanto poche altre mai. Dopo che un ammicco iniziale ha sollevato il dubbio sulla natura donchisciottesca del poeta (“cerco un’armatura / cerco come l’eroe antico di Cervantes”, p.13), originali metafore vengono a dire il dubbio sull’efficacia e la liceità della poesia (“nella spazzatura / trova fogli strappati legge versi”, p.31; “Un tempo cercavi le parole / da vivere: oggi sono secche”, p.101), o la paziente quotidiana tessitura delle sillabe (“riannodo i fili lesto come un ragno”, p.14), la sofferenza anche (“In un sentiero scalzo / tra le pietre ho lasciato incerte tracce / col sangue vivo”, p. 53; immagine che, ripresa in un “filorosso –di sangue” a p.26, fornisce forse un chiarimento sul titolo della rivista diretta dal poeta). Talora il lettore è affabilmente convocato ad un dialogo umano prima che letterario: “anch’io un’Itaca vorrei / amico mio lettore disperato / di questi anni in cui basta / un pugno di giorni per dimenticare” (p.27), “Permettimi lettore che ti guidi / tra le rovine: ecco tra le mani / stringo fogli strappati: / bruciano di febbre / nel silenzio rotto dai lamenti” (p.93). Ma non sempre i versi si avvolgono in palinodie tautologiche (dire in versi l’inutilità dei versi), altrove erompe una fiducia quasi mistica (o almeno affidata ad immagini potenti) nel potere della poesia, nelle sue rivelazioni: “Eppure un filo talora tu lo vedi / dall’altra parte, segrete connessioni / allora scopri, legami misteriosi: / così vai, quasi senza saperlo / al fondo delle cose / vedi l’altra faccia, / il nodo che avviluppa” (p.55); il canto “leggero travalica i confini / svela insidie / abbraccia e fa un singhiozzo / lungo i pendii e si contorce / in acque di palude / poi nel mare s’insala / con fremito di schiume … brucia e rompe il fianco delle navi / è colpo di cannone / da un luogo imprecisato / voce in coro il tuo canto…” (p.17). Non sarà un caso che, dopo questi squarci di riflessione sul ruolo del poeta, intervengano quasi regolarmente delle accensioni liriche, e venga evocato l’amore, l’immagine femminile: ossia il varco ad una dimensione, ad un sentire altri ed alti.
La raccolta trova anche graficamente un’immagine riassuntiva nel famoso dipinto del bue squarciato di Rembrandt, sinolo ultimativo della ferocia delle cose e della vita, dell’inferno della storia. Graziano sembra voler dirci che, una volta esperite e fallite le contromisure politiche, e ben al di qua della denuncia genericamente (inutilmente) moralista, resta sola la poesia, ad opporre un’affranta ed umanamente partecipe resistenza, trafitta sì dal dubbio ma corroborata dalla necessità della voce che si levi sui carnai, perché tanto orrore non passi inosservato, ed incompreso; così il canto si fa umanissima presa di coscienza ed ammissione di una sconfitta, dell’inanità e necessità della poesia.

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Adelio Fusé, Il boomerang non torna, Castelmaggiore, Book Editore 2003

Adelio Fusé, milanese, già autore in prosa (il romanzo “North Rocks”, edito da Campanotto Editore nel 2001), recensore ed operatore editoriale, arriva all’esordio poetico con una raccolta provocatoria fin dal titolo, “Il boomerang non torna”, che suggerisce di per sé l’angolo prospettico di un esperimento amaramente ironico, volto a scoprire una lingua altra per l’espressione poetica (la poesia non ha sempre aperto ogni pista?). Del resto, collocandosi sulle orme di Andrea Zanzotto, ossia del settore linguisticamente più sperimentale e risentito della nostra poesia, e passando attraverso la fertile mediazione degli altri lombardi Cesare Viviani e Tiziano Rossi, l’esordiente si pone lo spropositato compito (del resto non si scrive poesia senza ambizioni oracolari) di procedere nell’esplorazione di un universo linguistico altro, adeguandosi e sfuggendo alla deriva mediatica dei nostri linguaggi, mimando disgregazioni comunicative ma al contempo cercando disperatamente significanze e relazionalità. Una sobria nota finale dell’autore stesso offre una chiave di lettura tematica alla tripartizione della raccolta (“Locus solus, ovvero il congedo e l’eremitaggio; Teorismi, la vanità-vacuità della conoscenza; Seriale, spirale, il microcosmo mistico-erotico”), esonerandoci dalla recensione contenutistica, ed autorizzando la concentrazione sul magmatico linguaggio poetico dell’autore, che considereremo soprattutto nell’aspetto sintattico e lessicale (o meglio: neologistico e ricombinatorio); altro e molto ci sarebbe da dire (ad esempio su talune scelte minimalistiche, come l’assenza di maiuscole e di interpunzioni, la riduzione di segnali discorsivi e preposizioni, con l’eccezione delle indicazioni di luogo e moto), ma più preme tentare un periplo del lessico usato da Fusé, che colpisce per inventiva ed originalità, e sulla sintassi. Manteniamoci sulle emergenze statisticamente più rilevate, spargendo qua e là qualche abbozzo esegetico.
La sintassi appare di ardua ricostruzione, quasi decomposta: capita l’avvio con congiunzioni (”e”), per di più riprese nel corpo delle liriche a dislocare in modo sorprendente il procedere; la sinuosità dei versicoli ben si adatta alle (talvolta sollecita le) spezzature dell’argomentazione; al frangersi della sintassi in grumi sintagmatici coopera la riduzione del peso (anche della frequenza statistica) del verbo, privato del tradizionale ruolo motore, salvo il suo sovrabbondare (ma ridotto ad iterazioni di valore meno semantico che fonico) in serie bi- e tripartite, a cascata per più versi: un martellare di gerundi o participi passati e più presenti, spesso nella sede privilegiata degli incipit; il verbo è peraltro non di rado inglobato e stravolto in invenzioni linguistiche ambigue, ossificato in sostantivazioni ed aggettivazioni, o lasciato nudo nella pura significanza, nel grado zero dell’infinito presente. La sfiducia in una qualsiasi plausibile e produttiva azione sul reale, la sfiducia nella conoscibilità stessa del reale sembra abbiano prodotto (o siano state prodotte da) questa singolare svalutazione del tradizionale ruolo del verbo, resa lampante dalla sua sconnessione da soggetti ben individuati (assente nelle prime sezioni l’”io”, viene esposto solo un “tu” inidentificabile, oggetto di ironiche apostrofi o irriso nelle sue impossibilità ed incomprensioni), o anche da contraddizioni immediate (“non era ma era”, “non c’è ma c’era”). La sintassi, e questo uso del verbo, alludono ad un mondo caotico, di azioni aggrovigliate ed improduttive, per le quali occorre inventare termini nuovi: tutto sommato un mondo statico, che lucra il proprio dinamismo solo nel gioco lessicale e fonico, per non dire nell’ironia desolata dell’intelligenza.
La ratio all’apparenza smarrita dalla sintassi viene esperita o recuperata per via di richiami fonici: ricorrono sintagmi (più corretto sarebbe ripetere “grumi”) giustapposti, a cozzare fonicamente o più di frequente ad allinearsi e scivolare in figure di suono, anche su due/tre versi (“illucorato / illividito illazioni”), con un uso accorto della variazione e dell’allitterazione (“e nella fuga rifuggendo / fustigante o fustigato?”); si raggiunge il caso limite con una teoria di 13 participi in –ante, racchiusi in 7 versi (p.18); il ritmo del verso è spesso binario, doppiato in distici (forse a mimare cantilene, filastrocche: riduzione all’insignificanza di cui spesso fanno, ancora, le spese i verbi). Altre volte sono brutalmente accozzati in dittologie termini produttivi di cortocircuiti autorizzati dall’etimologia (non di rado dalla paraetimologia) e dal richiamo fonico (“la suola il suolo”, “miri ammiri”, “si leva levita”, “spirano ti aspirano”, “la terra sterri”, “sei incagliato incanaglito”, “ermetico / eremitico”). L’iterazione è quasi sempre variata (fino a sfociare nel neologismo: “goccia gocce gocciame”), talora con incatenamenti allitteranti (“conio copioso forzoso”, “bolo doloso dolente”); più di rado si registra la semplice replica (“essere d’acqua acqua l’acqua”).
Tuttavia è nell’ambito lessicale che la saporosa fantasia linguistica di Fusé trova il terreno privilegiato di esperienza: si è sopra accennato ad uno spirito neologistico e ricombinatorio –ed in più di un caso i due caratteri sono compresenti o sovrapposti. Il dato è troppo insistito, troppo statisticamente rilevato, per non svelare la coscienza di un tentativo di rifondazione del linguaggio: strumento essenziale di imprese del genere non può che essere (una volta sconnessa la sintassi) l’espressionismo lessicale. Le neoformazioni sono ottenute per più modi, il più ricorrente dei quali è la prefissazione: soprattutto di in- (ineffimera, inallietato, ininseguito, irrocciate, infamelicate, incatturanti, inimmaginifica, insmarrita, irritornante, inavvigghiante) e di dis- (disanellando, disocchiante, disangelicate, disbatuffolato, disindovina, dispessiti); meno frequente la s- (svivi, sfraternizzi, sfibrillato, strafalcia); rare le occorrenze di ri- (riannastra). Un primo dato: dominano i prefissi negativi o privativi, come ad apporre un segno meno alle parole usuali: un’espressione di pessimismo? di inazione? L’effetto è frastornante: ad esempio, nel caso di irritraendosi non si annulla semplicemente un’azione bensì un gesto di rinuncia, senza produrre indicazioni di un moto vero (cosa fa, colui che si “irritrae?”; allo stesso modo, che fa chi “svive”?). Si va ben oltre il “ciò che non siamo, ciò che non vogliamo”, sfiorando il paradosso (capitano doppi prefissi negativi: indisoccupati) e comunque forse alludendo ad un’impasse, un disagio, un’inazione esistenzialmente indeterminata. Quanto detto lo si dice sempre che si voglia a tutti i costi salvare la valenza comunicativa dei neologismi qui allineati: che bensì può darsi siano stati innescati da contagi fonici, da allitterazioni, dall’attrazione varia di termini contigui (“e pedalo spedalo”). Come si vede, tutte le essenziali categorie grammaticali subiscono questa deformazione, ma più spesso, ancora una volta, verbi. Altri neologismi risultano da suffissi a connotazione valutativa (scorricchia), o da prefissi scelti ironicamente tra gli iperbolici (ultragiri, macrogonfiore, ipercotto, ultraritardo, stradissolti, ipergremito, microfremente), o da fusioni (frangifluttato, doppiotripla, obliquopendula, arcimalscritto): cosa insegue l’autore? forse la polivalenza espressiva dei termini composti greci o tedeschi? o semplicemente uno scarto laterale dal significato solito, la sorpresa di uno scanzonato ed amaro gioco retorico-etimologico che non produce novità vere ma rimpasta il già detto e l’usuale (per rinverginare un lessico usurato?), non persegue la naturalezza dell’eloquio ma una sorta di stravolta iperletterarietà?
Ogni periplo, si sa, tocca punti distanti dal centro. Il nostro, linguistico e grammaticale, non si sottrae alla legittima suspicione di una diserzione. Ma se proprio ci si deve pronunciare sul “contenuto tematico” della raccolta di Adelio Fusé, sull’“animo del poeta”, forse è più decoroso e meno rischioso lasciargli la parola. Se abbiamo detto di un “tu” inidentificato, se l’“io” compare solo quale indispensabile comprimario nella sezione dedicata alla relazionalità dell’eros, forse in extremis il congedo registra l’emergere dell’io vero del poeta –per quanto ne può giudicare un amico di non recente data.

“sono io insomma
sulle mie immancate pecche annotto
e stanco non mi assonno”

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Franco Gordano, Silica Glass, Book Editore, Castel Maggiore 2003

La raccolta poetica di Franco Gordano costituisce un punto di equilibrio espressivo nella carriera del poeta, ossia l’acquisizione di uno stile classicamente definito e compiuto, che si pone in interessante dialettica con le sperimentazioni espressive (quelle del recente Nihil). Nella pietra trasparente di questa Silica glass si intravede (il termine è coerente) una riflessione, delicata ed al contempo umanamente sorvegliata, spesso umbratile, sui più cogenti nodi esistenziali (il tempo, per limitarci al più evidente, ed il suo “sentimento”, con garbata citazione ungarettiana); grumi tematici che si fondono o interagiscono variamente col proprio veicolo formale, risultandone come che sia il dono appunto dei classici: l’apparente semplicità, la grazia di un’arte scaltrita e dissimulata.
La sintassi è appena increspata da garbate inversioni, da iperbati sostenuti ma mai astrusi; statisticamente raggiunge una rilevanza l’enjambement, ma di rado aggravato da un’alterazione sintattica (appena qualche articolo semplice o in preposizione, lasciati pencolare sulla fine verso); ricorrenti certi giochi anaforici (“tremendo è quello che tu dici / tremendo è ciò ch’io odo”, p.17), fino a riesumare le coblas capfinidas, ad incatenare quartine (“passa e ripassa lento il viandante // passa e ripassa lento il viandante”, p.11), o ad allineare iterazioni sul medesimo verso (“sarà un piombo nero un piombo”, p.11; “ora perduta ora ritrovata”, p.16). Alterazioni sì, ma melodicamente (appunto) fuse: non invasive né stridenti o peregrine. Del pari il lessico, per quanto di estensione non ristretta, risulta sempre affabile e ben al di qua del rischio del preziosismo fine a se stesso (a titolo d’esempio: nella corona dei Nove motivi per una pallida sera le espressioni più inconsuete risultano solo “ibrida”, “sferraglia” ed “intriga”).
E’ nel gioco dei richiami fonici che meglio emerge l’arte di Gordano, come procureremo di illustrare in questo breve scrutinio esemplificativo, che, procedendo per campionatura, non pretende all’esaustività. Tre sono le figure di suono ricorrenti, ovviamente le essenziali: assonanze, rime e allitterazioni. Dominano le assonanze, in una varietà di soluzioni non solo canoniche: le si ritrova in sede di rima (“infinite parole non bastano a spiegare / tutto quello che nei giorni accade”, p.15), o di rima interna su versi contigui (“I tuoi capelli / racemi penduli di glicine”, p.14; meno tradizionale l’inarcatura in avanti: “sarà un piombo nero un piombo / fuso nella nicchia del cielo”, p.11); altre si intrecciano in sede di rima interna su versi non contigui (non oltre l’ambito della quartina: “A bere l’universo di parole / che l’attimo trasforma / pietrose scaglie irriverenti / della muta imperfezione che travolge”, p.16), o si allineano nel corpo del verso (“motore della notte”, p.11; “e il fremito della sera che s’addensa”, p.11). La soluzione stilistica è incessantemente (innovativamente) variata, complicandosi in strutture (queste sì) virtuosistiche: ad esempio nel distico “mi seguissero come fiamme vive / e la radice mi confondesse della mia passione” (p.12) sono tre le figure che si intrecciano, anche altrove venendosi a creare geometrie complesse, quadrilateri e poligoni vari (forse meglio sarebbe dire canoni e riprese musicali).
Le rime regolari sono usate più sobriamente: “io liquore denso che cola nella gola // Dove si fa musica la parola” (p.19: qui si incatenano quartine contigue; e si noti la ripresa interna); “nei sospiri lenti / dei dormienti / echi sommessi” (p.24; la figura è complicata di assonanza); rare le rime interne su versi contigui (“assassino mi sono ritrovato / come uomo negato e non perduto”, p.45) e non contigui (“scavare con lena la sua tana / e filamenti d’oro / l’ape metodica ammassare”, p.19); sembrano più ricorrenti invece (lucrando anche sulle frequenti iterazioni) le riprese nel corpo del verso (“porta un cappello dalla piuma storta”, p.11; “immersi come persi nella nebbia che ci assale”, p.17).
Le allitterazioni vengono esperite meno in sede di rima (“mosse : trapasso”, p.11) che quali giochi di richiami interni, nel corpo del verso (“di cento colpi di coltello su corpi virginali”, p.15) o su più versi (“Vorrei vivere in città bellissime / attraversate da erbosi fiumi / e che occhi vigili di donna / mi seguissero come fiamme vive”, p.12).
L’effetto è pienamente musicale, ossia la subliminalità di una tessitura fonica dissimulata, ma trascinante ed imprescindibile, che raggiunge esiti di straniamento laddove libretto e partitura (per così dire) suggeriscono percorsi difformi. Torna insomma il problema del tipo di fruizione cui il poeta Gordano provoca: se dalle risonanze musicali della Silica glass è passato alle alchimie grafiche (quindi visuali) di Nihil, può darsi che tacitamente voglia per più vie instillarci il sospetto della poesia quale dilemma interpretativo.

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Questo è invece un mio intervento, dedicato alla Poesia nella rete (ovviamente di internet), pronunciato in un convegno organizzato dal Filorosso, dal titolo: “Incontri di-versi”, tenutosi ad Amantea - Aiello Cal. - Cosenza, nei giorni 26/28 novembre 2004.

La poesia nella Rete

Questa mia incompleta (dato l’oggetto) comunicazione prende spunto dal tema degli Incontri di…versi, per interpretarlo in senso molto lato, ed in una direzione particolare, quella che mi ha condotto a tuffarmi (la metafora è adeguata) nel mare di Internet, alla caccia della balena bianca della poesia. Credo che sia questo uno snodo abbastanza significativo della poesia contemporanea, che, arrivata forse ultima a scoprire le possibilità del nuovo media, sembra stia recuperando terreno.
Il discorso coinvolge ovviamente il mercato librario, o meglio la quota asfittica di mercato che in Italia viene riservata alla poesia; come tutti sappiamo, la poesia è spesso un investimento in perdita, per i grandi editori: leggevo in un’intervista che una grande casa editrice come la Mondadori può permettersi di tenere in vita una collana di poesia (Oscar Poesia Novecento) solo perché vende centinaia di migliaia di copie di Topolino. All’apparenza, la facilità di accesso di Internet è una risposta tutto sommato democratica, che ci avvicina a paesi in cui il consumo (si perdoni il termine, ma è coerente al discorso) di poesia è senz’altro maggiore. Se un mercato poco coraggioso non vuole rischiare puntando sulla poesia, così deprimendo l’offerta ed inibendo, in un circolo vizioso, le possibilità e la curiosità di lettura, allora Internet sembrerebbe la panacea. Al prezzo di una telefonata urbana, in poche ore, un oscuro ed indefesso produttore di poesia, può aprirsi uno spazio di leggibilità, offrire alla degustazione ed all’apprezzamento di un pubblico planetario il contenuto dei propri cassetti.
Qui cadrebbe a proposito un discorso sulle potenzialità e le perversioni di Internet, per il quale non sono attrezzato: mi limito solo ad indicare una tendenza che sta emergendo in America: ossia quella di offrire, a prezzi ovviamente abbattuti, l’acquisto di opere letterarie di contemporanei. Ha cominciato un paio d’anni fa l’autore di bestseller Stephen King, che ha offerto su Internet al prezzo di un dollaro a capitolo un suo romanzo. Ovviamente editori e librai sono inorriditi, ed anche i bibliofili, quelli che amano il libro in quanto oggetto da palpare, annusare, esporre sugli scaffali. Ma la linea di tendenza è tracciata, e tutto sembra spingere nella direzione già presa dal mercato musicale, che sta soccombendo sotto i colpi della pirateria e di Internet: si avvicina sempre più l’epoca dell’e-book, del trionfo del supporto digitale che sostituirà quello cartaceo, con tutti i rischi di plagio connessi. Fotocopiare un libro diciamo di 200 pagine costa oggi un’ora di lavoro e circa 10 euro; masterizzare un e-book, o scaricarselo da Internet, costa solo qualche minuto e qualche centesimo di euro.
Ma queste sono questioni tangenziali. Vengo al centro del mio intervento. Ho proceduto in uno scrutinio dei siti dedicati alla poesia, che risulta incompleto e parzialissimo di necessità: su Google, il più diffuso motore di ricerca, digitando il termine poesia, si registrano oltre 1’090'000 url, ossia siti; ho quindi ristretto la ricerca aggiungendo un on-line: i siti si sono ridotti a 262'000. Ho escluso tutte le riviste professionali ed i siti di poeti professionisti, che hanno alle spalle bibliografie e recensioni corpose. Ho voluto insomma sondare la presenza di poeti dilettanti, di coloro che un tempo e per solito intasavano le caselle postali delle case editrici, ed ora hanno trovato un’agevole valvola di sfogo in Internet. Ho privilegiato i contenitori, i siti che allineano le opere di più poeti. L’analisi è stata condotta su 25 siti: la scelta di esplorazione è guidata dal criterio di Google, che è quello della maggiore frequentazione: ho insomma aperto i siti più visitati.
Dopo un’allarmata degustazione, procedo con qualche sparsa annotazione, per inquadrare la quale ho sfruttato il classico ed ancora interessante saggio di Walter Benjamin, “L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica”. Chi l’ha letto ricorderà come il breve scritto si concentrasse sul cinema, la fotografia, ed insomma sulla massificazione della cultura indotta dal progresso tecnologico dei media: è un inquadramento teorico che, depurato delle aspirazioni politiche, resta ancora valido, ed applicabile ad Internet. Leggendo, ad esempio, si può scoprire come il poeta Valèry avesse cento e più anni fa previsto l’avvento del Web: “saremo approvvigionati di immagini e sequenze di suoni, che si manifestano ad un piccolo gesto, quasi un segno, e poi subito ci lasciano”. Ecco un primo dato: la natura effimera e volatile dell’offerta culturale. I siti della poesia, come tutti gli altri, sono magmatici, nascono come funghi e muoiono altrettanto velocemente, vengono spostati, oscurati, fagocitati in altri, ecc.
Benjamin notava come l’applicazione tecnologica all’arte, in termini appunto di riproducibilità, ubbidiva all’esigenza di andare incontro al fruitore. Si veniva ovviamente da epoche di chiusura culturale, di difficoltà di accesso da parte del gran pubblico all’arte; oggi con Internet le ultime barriere sembrano crollare. Il rapporto tra produzione di arte e sua fruizione è immediato, ossia non più “mediato” da troppi passaggi successivi (stampa, distribuzione, acquisto, ecc.). Una poesia appena inserita nel web è potenzialmente ed immediatamente fruibile da miliardi di lettori.
Il rischio, già intravisto e denunciato da Benjamin, è che la riproduzione indiscriminata venga a svalutare l’hic et nunc dell’opera d’arte, la sua autorità, quella che il filosofo definiva la sua aura; la riproducibilità tecnica sottrae il prodotto d’arte all’ambito della tradizione, ponendo al posto di un evento unico e spiritualmente significativo una serie quantitativa di eventi amorfi; ciò, come s’è detto, per incontrare le esigenze della massificazione della cultura. Qui sarebbe il caso di chiedersi: qual è l’aura tradizionale della poesia? Secondo quali ritualità essa si è posta, finora, come evento irripetibile e magico? Un tempo, si sa, essa era essenzialmente declamazione, comunicazione immediata dal produttore al fruitore, rito sociale dal sapore misterico e liturgico. L’avvento della scrittura prima e della stampa poi ha allontanato le distanze: l’ascoltatore di poesie, che prima poteva essere anche un illetterato, si è dovuto attrezzare, imparando a leggere, e con ciò staccandosi (dal punto di vista spaziale ed anche temporale) dal cordone ombelicale che lo legava alla declamazione. La lettura silenziosa di una poesia ha necessitato per secoli di uno spazio/tempo interiori, di una disposizione d’animo particolare, del silenzio e di una serie di condizioni di fruizione peculiari: era lì, in questa torre d’avorio interiore, che la poesia esplicava ed ha esplicato finora la sua magia. Una fruizione intima, solitaria, silenziosa, che trovava nella pagina bianca la sua migliore metafora: nulla ci sia che disturbi la fruizione delle lettere che, solitarie, si accampano sul nulla, e risuonano nel silenzio della mente concentrata ed univocamente orientata del lettore.
Ora, Internet da un lato sembra volere aspirare al ritorno all’immediatezza della fruizione, al filo diretto autore-lettore (si va diffondendo nei siti la presenza di file mp3, basta cliccare e si ascolta la voce del poeta che declama); dall’altro lato, la particolarità del medium altera, come sempre è successo, la percezione sensoriale e quindi culturale dell’opera d’arte. Ricorderete lo scandalo che diede Sant’Ambrogio mostrandosi nell’atto di leggere mentalmente un libro: iniziava allora una fruizione diversa, interiore e silenziosa, della scrittura, di contro alla declamazione in voga per tutta la classicità, quando “leggere” era sinonimo quasi di “ascoltare” (ricordo che il poeta cieco Borges diceva proprio così, “ho letto quel libro”, intendendo che l’aveva ascoltato dalla voce della sua segretaria); del resto, per tutto il medioevo, “scrivere poesie” era reso dal verbo “dittare”, dettare ad uno scriba.
E dunque, Internet sconvolge e ridetermina i criteri della fruizione: come si può notare navigando tra i siti, di rado compare e viene mimata la classica pagina bianca dei nostri libri di poesia -le pagine sono colorate, talvolta in modo aggressivo e disturbante; ci sono immagini spesso pacchiane, allineate ai bordi del testo, o addirittura sottoposte al testo; le regole del mercato impongono la presenza di sponsor, con pubblicità accattivanti ed in movimento, nei cosiddetti banner, con musichette, jingle, offerte speciali, ecc. Ora, noi tutti penso che seguiamo una certa ritualità, nella lettura della poesia: il mito del silenzio, dello spazio/tempo limitati e dedicati ad un’esperienza interiore che richiede estrema concentrazione e dedizione, come appunto in una liturgia della parola. Io ad esempio non sempre sono nelle condizioni fisiche e psicologiche adatte alla poesia, mentre posso leggere romanzi, e l’ho fatto, in piedi in un autobus affollato, o in fila alla mensa universitaria. La poesia, per come l’abbiamo intesa dai tempi di Sant’Ambrogio, impone una certa ritualità di fruizione: ebbene, come ricreare questa magia nel mentre siamo bombardati dalla pubblicità, deviati e distratti da immagini in movimento, colori, musichette di sottofondo? Una poetessa rinvenuta in un sito ha allegato ad ogni poesia una sua canzone preferita, Riccardo Cocciante o i Dire Straits. Addirittura, una poesia sedicente intima e romantica, era sormontata da un banner di un sito porno. Tutto ciò è a dir poco, appunto, spoetizzante.
Di più: Internet è veloce, incalzante, se non altro perché abbiamo sempre un occhio all’orologio, perché il collegamento costa, a volte parecchio. La fruizione di qualsiasi cosa sul web è tumultuosa, ogni schermata ne nasconde altre, incita ad aprire link, collegamenti, ci sono delle manine che compaiono su certe scritte, si tratta ovviamente degli ipertesti, che spingono ad aprire altre ed altre pagine. La poesia, come scrive Raffaele Simone nel suo saggio “La terza fase”, consente un’esperienza di lettura sequenziale, diacronica, laddove la schermata di Internet è un’esperienza sincronica ed anche multimediale, multisensoriale.
Sull’ipertesto, in particolare, c’è da riflettere. La poesia, le parole della poesia, le immortali sentenze ed auctoritates dei santi poeti, di Virgilio e Dante, che noi immaginiamo scolpite nel marmo, immutabili ed immodificabili, sono adesso, in Internet, estremamente volatili: l’ipertesto, il testo sotto ed al di là, spalanca voragini sotto le parole, una parola rimanda ad un’altra, in un gioco potenzialmente infinito di collegamenti, di link. Il termine più usato è “navigare”: chi di noi l’ha fatto sa che, di collegamento in collegamento, di link in link, di ipertesto in ipertesto, è facile smarrirsi, giungere in luoghi imprevedibili, addirittura dimenticare la rotta, il motivo per cui ci siamo immessi nel web. E, si noti, web significa rete oppure ragnatela, e c’è un termine americano più illustrativo del nostro “navigare”: si parla di net-surfing, ossia fare il surf nella rete, cavalcare l’onda. A parte i poeti futuristi, chi di voi conosce un poeta per cui si possa ipotizzare una fruizione tramite il surf?
Ne viene un’impressione di irrequietezza, di fibrillazione, che inevitabilmente si trasformano in superficialità della lettura. Io credo che poche delle poesie presenti nel web, scritte da poeti dilettanti, siano davvero lette, degustate, apprezzate per come di solito la poesia è letta ed apprezzata: temo che siano poesie spot, nate per essere stampate in cartaceo, ma trovatesi immerse in un medium diversissimo, che le ha modificate geneticamente. E sempre più i poeti saranno spinti e costretti a scrivere poesie già pensate per la fruizione nel guazzabuglio di Internet: poesie come spot, da leggere, per così dire, solo con una parte dell’anima, con gli occhi pronti a correre ai banner laterali, ai colori ed alle immagini, con le orecchie distratte dalle musichette. L’univocità orientata della poesia, la sua referenzialità e diacronicità, si vanno trasformando, su Internet, in una ricezione frenetica, multisensoriale, superficiale. La poesia, sul web, si offre a tutti nel momento stesso in cui muore come forma d’arte tradizionale, per diventare altro: una scritta che corre alla base dello schermo in una sorta di spot.
Un’altra profezia di Benjamin: la massificazione dell’opera d’arte; ossia, ciascuno può divenire produttore d’arte. La tradizione in letteratura prevedeva un numero limitato di produttori; nell’800 ciò cambiò con l’espansione della stampa e delle occasioni di pubblicabilità; si andò perdendo la distinzione tra autore/lettore, il lettore era sempre più autore egli stesso. Questo fenomeno assume con Internet una dimensione parossistica: è vero che moltissimi lettori sono potenziali produttori, se non tutti quasi tutti nascondono nei cassetti dei manoscritti, ma quel che cambia e cambierà, con la disponibilità del web, è proprio il fatto che i cassetti vengono svuotati ed aperti. Internet cos’altro è, in fondo, che la pubblicizzazione, l’esposizione anche e spesso oscena, di una serie infinita di cassetti? Sul web, tutti si confessano spudoratamente, ci si mostra nudi (alla lettera) e crudi, proliferano i blog, i diari in pubblico, ecc.; come poteva mancare la poesia? Finora la poesia non era in grado di proporre l’oggetto alla ricezione collettiva simultanea, cosa che riusciva, dice Benjamin, all’architettura ed al cinema: oggi, Internet offre sfogo a questo che è un innato bisogno di espressività umana; la poesia, per solito vizio segreto ed assurdo, trova il modo di esprimersi nella rete: i poeti, creature per solito umbratili e timide, si sono lasciati prendere da questa ubriacatura collettiva, tanto più loro, in quanto il web offre uno spazio in certo senso riparato; si può insomma mantenere il proprio anonimato, una certa distanza, pur nella estrema visibilità. Quanti poeti, nei siti visionati, si firmano solo con pseudonimi! E’ uno strano fenomeno, una contraddizione tipica dei nostri tempi, la disinibizione più totale (aprire il cassetto delle proprie visioni) ed al tempo stesso mantenersi nel buio, nell’indistinto della rete.
Il rischio è connesso alla massificazione stessa: ossia, la moltiplicazione delle occasioni di esposizione dei prodotti d’arte genera fenomeni di saturazione e sovraesposizione. Troppi siti, troppe poesie in giro: gli alberi impediscono di vedere la foresta. O peggio, la massa di poesie illeggibili, di presunti poeti che meglio avrebbero fatto a tenere i loro cassetti chiusi, nasconde le pepite d’oro di veri poeti, che statisticamente devono pur esserci, nel mare magno del web. Troppi presunti ed autoproclamati poeti oscurano i pochi meritevoli e talentuosi.
Mancano insomma dei filtri: la facilità concessa a chiunque di “pubblicare” i propri prodotti artistici, nasce da e genera, in un perverso circolo vizioso, improvvisazione, faciloneria. Non tutto è pubblicabile, si sa: per ogni Marziale che resta nell’ammirazione dei secoli ci sono stati milioni di mediocri produttori di versicoli che, fortunatamente, il tempo e le ristrettezze del mercato hanno condannato al silenzio. Se il mercato editoriale offre poche opportunità, al contrario Internet ne offre troppe: una via di mezzo dovrebbe salvare la libertà espressiva ma anche la necessaria azione di filtro, volta a valorizzare gli autori e le opere veramente degne di essere pubblicate. Così invece, affidandosi all’onda selvaggia di Internet, tutto viene pubblicato e nulla viene davvero letto. Alcuni counter, inseriti nei siti, ci lasciano allibiti: uno dei siti visionati aveva ricevuto quasi due milioni di visite, di contatti. Ma, di questi visitatori, quanti hanno soggiornato, quanti hanno davvero letto le migliaia di poesie offerte, spampanate? Il pubblico dei lettori veri di poesie vere, si sa, è ristretto, acculturato, un po’ elitario. Invece il pubblico della poesia su Internet è vasto, e necessariamente meno acculturato, di bocca buona, fatto soprattutto di potenziali ed improvvisati autori che cercano collocazione. Un pubblico, in ogni caso, che, vista la facilità e la gratuità dell’accesso, ha meno pretese, meno spirito critico: chi compra un libro, per il fatto stesso di avere sborsato una cifra, sceglie il meglio, fa indagini preventive, riconosce ed apprezza certi valori consolidati indicati dai critici più affidabili. Invece, in Internet vige il far west, una babilonia dell’offerta: il pubblico, ripeto, è di bocca buona, ha meno attese, meno pretese, meno discernimento, fatto cui fa da pendant la sciatteria dei cosiddetti autori, l’indifferenza alle regole del mercato, che impongono di offrire un prodotto quantomeno dignitoso.
Benjamin credeva che la nuova matrice di innovazione artistica fosse divenuta la massa: la qualità si ribaltava in quantità, le masse imponevano un modo diverso di partecipazione al fatto artistico. La riproducibilità insomma veniva a modificare il rapporto tra masse ed arte. Dice Benjamin che quanto più il significato sociale di un’arte diminuisce, tanto più divergono critica e fruizione: il convenzionale (faceva l’esempio di Chaplin) è goduto senza critica, mentre il nuovo (l’esempio è Picasso) viene osteggiato. Forse la poesia, per come si presenta sul web, sta subendo un’involuzione similare: da arte a kitsch. Un’ulteriore annotazione del filosofo merita attenzione: l’arte, al momento della sua massificazione e riproduzione indiscriminata, va acquistando funzioni nuove, tra le quali quella artistica potrebbe diventare marginale. La poesia, risucchiata nel web, corre il rischio reale di restarne stravolta, di obbedire a funzionalità extraculturali, forse comunicative, espressive, politiche, sociologiche, psicologiche, o chissà che. Qualcuno potrebbe pensare, sull’onda dell’entusiasmo per la new economy, ad una new poetry. A me sembra che questi destini non siano affatto delle “meravigliose sorti e progressive”.

Letteratura & Società

2008-09-27T09:19:00.000-07:00

Sempre con la mia complice letteraria preferita, la prof.ssa Eugenia Mascherpa, sono/siamo intervenuto/i anche sull'autorevole rivista Letteratura&Società, diretta tra gli altri anche dal grande (dal primo) critico della letteratura Calabrese, il compianto Antonio Piromalli. L'intervento riguarda il poeta dialettale calabrese Michele De Marco, meglio noto come Ciardullo.

CIARDULLO: OVVERO L’EQUIVOCO DELLA SEMPLICITA’

Giuseppe Autiero – Eugenia Mascherpa[1]

1.Introduzione

Sembra proprio che la figura di Ciardullo, imprescindibile poeta dialettale pedacese e cosentino, continui ad aggirarsi implacata nella letteratura regionale, o meglio nella (in)coscienza dei calabresi, in modo coerente del resto con la natura tormentata dell’uomo, col suo spirito dissacratorio ed oppositivo. Se il critico Pasquino Crupi, nell’occasione del cinquantenario della morte, ha ragioni da vendere nello stigmatizzare il silenzio delle istituzioni politiche e culturali locali, non si può non desumerne un disagio, forse una sfocatura di visuale. La voce di Michele De Marco, così accorata, così significativa di un’epoca storica irripetibile come ciascuna (la fine dell’organicità, umana prima che socio-economica, della civiltà contadina), non ha trovato adeguate risonanze: destino (“sorta spatornata”, direbbe lui) amaro, per chi mai s’era taciuto, mai aveva cessato dall’impegno civile e democratico, sfruttando tutti i media a disposizione dell’epoca. Non sarà un caso che i suoi versi, amatissimi da lettori di più generazioni, vibratamente sostenuti da critici militanti (si ricordi la decisiva prefazione alle “Poesie” di Antonio Piromalli[2]), siano pressoché sconosciuti di là dall’ambito cosentino; un critico valente e meritorio quale Franco Brevini, nella nota raccolta di saggi sulla poesia dialettale[3], non cita il nostro poeta neppure in nota; e Carmine Chiodo[4], nella sua collazione di studi sui poeti calabresi significativamente lo confonde (in nota) col figlio Ciccio de Marco.
Questa non è la sede per indagare le ragioni del fatto, ma forse risulta adeguata ad avviare una riflessione su talune concause: la nostra impressione è che cooperi al misconoscimento una lettura non piena (non si vuol insinuare parziale) dell’opera poetica di Ciardullo, nonostante l’impegno dei critici eponimi della letteratura calabrese, i citati Piromalli e Crupi. La sfocatura di prospettiva esegetica è quella che insiste solo (o prevalentemente) su un’interpretazione ed un approccio (peraltro cogenti) tematici, non interrogandosi convenientemente sulle ragioni di un fascino espressivo indubbio, che così risulta subìto piuttosto che veramente compreso. L’analisi di alcuni fatti metrici e variamente stilistici potrebbe così concorrere a recuperare all’intelligenza piena l’arte, il magistero artigianale del poeta peritese, contribuendo a superare l’univocità di una lettura che negli spiriti meno provveduti potrebbe facilmente degenerare in pregiudizio –ossia giungere a ritenere che la genuinità e programmatica umiltà della visione, la bonaria malinconia delle tematiche (che resta tale, a ben vedere, anche nelle vibrate reprimende), significhino anche sprovvedutezza ed umiltà dell’artista.
Il rischio, connaturato ad ogni interpretazione della poesia dialettale[5], si inocula ab ovo nella critica su Ciardullo, se già il primo, meritorio prefatore alla prima edizione delle liriche, Luigi Nicoletti, poteva annotare (nostri i corsivi): “con quell’ingegnaccio di cui il Signore l’ha dotato, con quella vena poetica, spontanea e fresca, simile a una ricca polla montana, con quella padronanza del dialetto calabrese e con quella facilità tutta sua nel trovar le parole più elastiche, più espressive e armoniose, potrebbe regalarci non pochi capolavori”. Ecco già impiantato il topos fuorviante della facilità espressiva, della spontaneità, di quella semplicità che stingendo dagli umili protagonisti del mondo poetico di Ciardullo viene ad investire e pre-giudicare l’arte del verseggiatore.
Nicoletti in ogni caso si sente autorizzato ad accomunare Ciardullo alle proprie idiosincrasie: l’ostilità alla poesia del ‘900, il fastidio per ogni “ricercato ermetismo” “fa sentir meglio la freschezza, l’agilità e l’armonia dei versi di Michele De Marco, nei quali non si nota alcuno sforzo, ma tutto è spontaneità, calore e commozione vera.” Corollario di questo topos di natura ovviamente romantica (si sa, la genuinità dell’ispirazione che fa grazie di ogni corvée retorica, di ogni alessandrinismo e parnassianesimo) sarà ovviamente la fulmineità del dettato, l’insofferenza (l’innecessità) del labor limae: “cuore e mente operano insieme, sicché appena il sentimento o l’idea sia sbocciata, la parola e la frase son belle e pronte. Lo stesso dicasi della rima alla quale mai è sacrificata la precisione del concetto… Da questi versi si vede quali capacità artistiche abbia il nostro dialetto, quando sia maneggiato da un vero conoscitore e maestro.” Nelle ultime annotazioni c’è senz’altro del vero, ma qui si vuole indagare quanto quella spontaneità sia frutto di arte scaltrita e dissimulata (di “maestria” appunto), il che è precisamente (con buona pace degli attardati romantici) quanto avviene di tutti i grandi poeti: e basterebbe la provocazione famosa di Poe per suggerire cautele.
Il nostro studio ha sottoposto ad analisi il gruppo delle liriche pubblicate, quelle che componevano l’unica raccolta edita dall’autore (Statte tranquillu… nun ce pensare) ed oggetto di una sapiente riedizione da cui si cita[6]. Si è escluso il gruppo delle liriche musicate, ritenendo (non si sa quanto fondatamente) che le esigenze melodiche possano avere alterato la metrica normale all’autore, quella che è oggetto di un esame che non vuol essere più che una statistica rinsanguata da qualche suggestione esegetica. All’analisi metrica si è affiancato uno studio delle figure sintattiche e di suono più tradizionali; ad altra occasione è rinviato un compiuto studio delle figure semantiche e di altri artifici retorici.

2.Analisi metrica

Le poesie in oggetto sono 23, così suddivise: 13 presentano endecasillabi (56,5% del corpus totale), 3 sono composte di decasillabi (13%), 6 di ottonari (26%); un unico caso (4,5%) deborda dai tradizionali metri della lirica italiana (presentando alternanza di versi con 14 e 15 sillabe). Le strofe sono in maggioranza quartine (in 13 poesie, per un 56,5%; in una lirica si ha l’apposizione alternata di un distico); le sestine sono 8 (34,7%); una sola lirica presenta una tipologia non canonica (4,5%); compare anche un sonetto (4,5%), dallo schema per il vero inusuale (abab ccdd efe fef). Nel gioco delle rime, predominano le alternate (in pratica tutte le quartine), schema che investe anche le sestine (ababcc; tranne due, che intrecciano variamente le rime: abccba, abbacc); occorre solo un caso di rima baciata semplice (aa bb cc…).
Un primo dato sembra dunque essere il rispetto, da parte di Ciardullo, dei metri, strofe e schemi rimici della più consolidata tradizione italiana. La forma esteriore in cui Ciardullo versa la sua umanità e weltanschauung è dunque tutt’altro che sperimentale. Se Ciardullo fosse, come si diceva, poeta spontaneo ed ingenuo, ad imitazione dei tanti rapsodi dialettali ed improvvisatori che certo aveva degustato ed apprezzato, già questo aspetto, l’avere imbrigliato il fiotto dei suoi versi in uno stampo formale tradizionale, dovrebbe insinuare qualche dubbio salutare. Certo, avranno cooperato le ascendenze poetiche dialettali, sicuramente formalizzate prosodicamente (le più immediate, le liriche del padre e dello zio, e per il loro tramite il dettato dei poeti apriglianesi[7]), o i paradigmi poetici consolidati all’epoca della formazione (la biblioteca di Ciardullo allineava le opere di Pindemonte, Foscolo, Byron[8]): ma il punto è proprio questo, la possibilità stessa dell’equivoco, cui sembrano autorizzare la cantabilità e la freschezza dei versi ciardulliani, obnubilando quanto d’arte versificatoria, di padronanza dei mezzi retorici richiede una tale dissimulazione. Si sa, una tradizione metrica quasi millenaria crea forme che, nella loro apparente rigidità, consentono al genio poetico di librarsi: ma ci vuole appunto genio, per mascherarsi nel topos del poeta nativo, sorgivo, ingenuo.
a.Metrica e sintassi

Per parlare delle figure morfo-sintattiche usate dal poeta, citiamo uno dei non molti casi in cui le esigenze metriche hanno imposto un’alterazione (una sincope):
Ed amu cumpurtatu ogni turmentu,
ed avimu zumpatu ogni vallune![9]
Per solito, invece, il procedere sintattico si cala senza stridori o forzature nella forma della strofe, senza debordare; la quartina (strofe principe) presenta un andamento sintattico regolare (molto sporadici iperbati, anastrofi, ellissi, ecc., anche il chiasmo non raggiunge una rilevanza statistica) e soprattutto chiuso: essa volentieri ingloba un periodo o (nei casi di architettura più complessa, laddove il periodo copre più strofe) coincide con una scansione del periodo (ad es. una protasi, una subordinata circostanziale o relativa, ecc.). Tale regolarità viene del resto portata alle estreme conseguenze laddove Ciardullo propone il verso stesso come misura: si legga la seguente quartina:
Si tu ài na cosicella,
cchi te dicu, chi t’aggrara,
ch’è daveru bella bella
e perciò la tieni cara[10]
nella quale il primo verso è una protasi (che trova la sua apodosi nella quartina successiva), il secondo presenta una relativa preceduta da un’espressione incidentale, il terzo ripropone (per asindeto) una relativa, il quarto è il più interessante dal punto di vista sintattico: si tratta di una coordinata introdotta da un operatore di congiunzione avverbiale (perciò), conclusivo delle due premesse contenute nelle relative. La funzione della e non è naturalmente di coordinazione, ma ha valore di completamento sintattico e semantico del verso precedente[11]. Questa tendenza tuttavia non ha per fine precipuo la corrispondenza tra metrica ed andamento sintattico, quanto una sorta di ritorno alla funzionalità essenziale ed originaria del verso, ossia il suo enuclearsi quale unità definita dall’artificio metrico, ritmico e fonico; può esserne una riprova il fatto che la “misura” del verso venga spesso ottenuta tramite il procedere franto del periodo (tramite congiunzioni, interiezioni, incidentali, punteggiatura, ecc.):
Sì, vue restati sempre: e mo purtati,
povariellu, ssu nume ppe le vie;
ma, cchi nne sacciu… mo chi vi nne jati,
me para ca nun siti cchiù li mie![12]
Tale procedere (che, diciamolo subito, sembra avere per scopo la mimesi dell’andamento dialogico-discorsivo del dialetto) comporta tra l’altro la rarità di enjambement puri, ossia di vero stacco (del tipo chi surtantu vue / sapiti[13]); altri sono dissimulati o attenuati (verrebbe da dire prevenuti) dall’andamento dialogico, dal respiro (dalle pause e sincopi) del discorso.
Per quanto riguarda gli altri parametri, si nota una sintassi semplificata, la più adeguata allo spezzettamento dialogico ed elocutivo, ed a calarsi nel contenitore strofe (o in sottordine nel verso): si ha un dominio statistico della coordinazione, la subordinazione restando quasi sempre di primo livello (si tratta spesso di relative, completive e periodi ipotetici); è riscontrabile un uso marcato della congiunzione (polisindeto), spesso in funzione anaforica, o paraipotattica (Mina vientu, e tu te ngatti[14]) o anche come marcatore delle frequenti dislocazioni del dettato, che mimano un andamento dialogico o bonariamente discorsivo. Ciardullo infatti nello sforzo (ma la parola urta gli esegeti della “facilità”) di mimesi dell’eloquio popolare, incasella nella doppia misura del verso e della strofe tutta una serie di modalità espressive del parlato: false partenze (“Puru si… ma dicu,”[15]), onomatopee (“Tuppitù”[16]), allocuzioni (quatrà[17]), interiezioni (ah, povariellu[18]), inserzioni di espressioni gnomiche (fore gapu[19]), formule apotropaiche (“Fore fuocu!”[20]), domande a valenza fatica (‘Un sa’ nente?[21]), domande retoriche (Cce chiecchiarii?[22]), incidentali (nun sia ppe critica[23]), presa di parola (“Senta moni”[24]), dialoghi composti da olofrasi (“Daveru?” “Cchi?” “La grirata”[25]), vere e proprie drammatizzazioni (“Tu, dicia, tu, cupellune,”[26]), espressioni ellittiche (Cumpà, vurpignu![27]), versi di animali o di richiamo degli animali (“Nzè nzè”[28]), singolari sostantivazioni (ccu la faccia a mammamia[29]), deformazioni lessicali da altre lingue (“turra burna… Mari stella”, dal latino[30]; “Oraitu” “guddumennu” “anima bicia”, dall’inglese[31]).
Per cogliere la dinamica, decisiva per l’arte di Ciardullo, tra parlato e versificazione, ossia la mimesi del parlato inscritta senza apparente sforzo in modelli metrici formalizzati e tradizionali, richiamiamo le annotazioni di Angelo Marchese[32]: “La lingua poetica, grazie alla struttura metrica, è certamente connotata rispetto alla lingua standard: la deviazione, lo scarto (evidente a livello di accento e di scansione) o addirittura la «“violenza organizzata» (Di Girolamo) che il metro attualizza costituiscono senza dubbio dei fenomeni specifici della poesia, anche se non la esauriscono”; lo studioso quindi richiama le conclusioni di Di Girolamo, che “pone il verso in una situazione mediana tra due opposte sfere di attrazione: il discorso verbale piano, secondo le norme prosodiche della lingua standard ed il metrema o modello metrico astratto. Il verso nasce dalla tensione tra queste sfere: discorso verbale piano ß verso à metrema”. Se è così, Ciardullo è riuscito nel miracolo di equilibrare, nel suo verso, il “discorso verbale piano” (aggiungeremmo noi “dialogicamente strutturato”, o anche la discorsività di un bonario affabulatore paesano) con le rigidità di una metrica tradizionale.
Per cogliere la concentrazione narrativa perseguita e ottenuta da Ciardullo nel corpo delle misure metriche usuali, si legga questo un distico siffatto:
Proja na carta, cunta lu fattu,
spuna l’anticipu, se ntenne bene[33]
In quattro frasi principali coordinate per asindeto si anima una scena, come in un film, il cui centro è il movimento, la dinamicità, il divenire. Forse è questo il
fascino espressivo, l’apparente facilità elocutiva: infatti l’articolazione (dialogica, narrativa, mimetica del parlato popolare), che fa agio per di più su una punteggiatura di frequenza tutt’altro che minimalista, non si traduce in un andamento sincopato, ma disegna un arco temporale, parallelo e concatenato allo svolgimento armonico della musicalità del verso che, come si accennava, è la peculiarità della lirica di Ciardullo. Fattori sovrasegmentali caratterizzanti la sua euritmia sono: la dinamica tra le fusioni interne al verso e la sentenziosità della rima, il gioco preciso di rime alternate (aspetti per i quali si rimanda al paragrafo successivo) e le simmetrie binarie. Queste ultime si impiantano su vari elementi: divisione precisa degli emistichi e loro natura speculare (Nun c’era camera, nun c’era rasa / duve alla libera nun jìa a venia[34]), ripresa di elementi, regolarità degli accenti, sintassi dislocata per distici, anafore ecc. -caratteristiche che si ritrovano ad esempio in una quartina siffatta:
Quantu cose te sa dire,
nun l’aû scritte Salamune;
n’ aû de jire e de venire
dutturissi e dutturune[35]
Il primo distico presenta un andamento sintattico appunto binario (una esclamativa introdotta da quannu rafforzata da un’altra reggente che si chiude con un’iperbole la cui funzione è di evidenziare una comparazione a livello logico-semantico), mentre i due versi successivi sono precisamente distinti in emistichi che riprendono gli stessi elementi (nel primo due infiniti in funzione completiva, nel secondo i soggetti impiantano un poliptoto); diciamo, anticipando, che la bipartizione è esaltata dalla regolarità degli accenti primari di 3a e 7a, ossia nella penultima sede di ciascun emistichio. Cooperano alla binarietà le frequenti affabili iterazioni, anch’esse mimetiche dell’eloquio popolare: Cchi parola leggia leggia[36]; tu chi tieni lu cannizzu / chinu chinu[37]; e te dice pistu pistu[38]. Ciardullo raggiunge esiti di alta espressività quando l’iterazione è complicata da una variazione: Mancu ntra n’annu, / s’è fattu miegliu, miegliu de tannu…[39].
Il gioco delle anafore è statisticamente rilevato, e abilmente variato:
cà cc’è statu sempre a muollu
ntra la casa! “Povarella!” //
Povariellu a Furtunatu,
povariellu a Luviggiuzzu,
a Ciccuzzu ch’è nzuratu
povariellu, ed all’ammuzzu![40]
In questo caso si registrano tre ritorni anaforici, complicati (al passaggio delle quartine) da un’anadiplosi con poliptoto (e si noti altresì la variazione di collocazione dei tre nomi di persona in dativo). Talora l’anafora veicola l’incalzare della narrazione (e si noti il polisindeto):
e nun sacciu cchi te vene,
e te sienti ntra le stacce
e ogne tantu fa: “va bene”
e ‘un te guarde mancu facce…[41]
o scandisce il procedere binario dei distici (qui intrecciando quartina a quartina):
quannu scappa la tagliola
chi ppe tutti è preparata,
quannu dici: Addio viola
cà la fera è già sconcata!… //
quannu spara la bacchetta
ppe cchill’urtima partita[42]
L’effetto fonico dell’anafora è ovviamente flagrante nei versi pari, nel loro andamento scandito; in alcuni casi essa si duplica nella misura dell’emistichio:
nun à cchiù gambe, nun à cchiù jatu,
nun à cchiù cielu, nun à cchiù via![43]
o si itera nel recitativo manzoniano dell’esortazione campanilistica ai Calavrisi:
Quannu, quannu ve zumpa lu sangu?
Quannu, quannu ve frijû le manu?[44]
L’affabilità discorsivo-dialogica si apprezza al meglio nelle frequenti allocuzioni, di cui s’è detto; se spesso Ciardullo si rivolge o richiama un “tu” generico, tuttavia il livello di impersonalità, per così dire, è piuttosto basso: è come se dietro vi si scorgesse un uditorio partecipe (Ti nn’addunavi de certi amici … / chi te fermavanu, tutti nfelici[45]); altre sono propriamente interlocutive (sottoforma di domande più o meno retoriche, quali presa di parola, stimolo all’attenzione, ecc.): ‘Un sa nente?[46]; paria na toccara, vi’ (vedi)<>[47]; Però, dicitime sinceri e chiari[48]; Chine nun parta, vi lu dico io[49]; Ma daveru –tenìti le rise-[50]. Il massimo dell’affabilità lo si riscontra quando l’interlocutore è richiamato con tanto di nome: Don Achì, senza chi riri[51]; Caru Peppino mio, la cartellina[52] (rinverdendo qui ironicamente l’uso dell’epistola poetica); non di rado compare significativamente un “noi”, ovviamente occasione a dichiarazioni d’appartenenza: nne sentimu morire[53]; Li paisielli nuostri[54]; Nn’àû pigliatu ppe muorti lamati[55] (qui occasione ad espressioni di uno spirito meridionalistico, o meglio campanilistico e come tale datato, contro i “Giargianisi” del nord).
Le allocuzioni illuminano il target che Ciardullo prefissa alla sua poesia, dunque la funzione socio-culturale cui la destina (pur non chiudendosi in questa): il poeta convoca ripetutamente un uditorio consapevole e complice, facendo agio su un non detto di amplissime proporzioni, sulla condivisione delle comunità contadine organiche; nei passaggi più intensi e sentiti, Ciardullo sembra non tanto proporsi lo sforzo di convincere, quanto di pronunciare verità condivise, affabularle, enunciarle liturgicamente –per tale via alla poesia si restituiscono funzioni primigenie, verrebbe da dire sacrali e profetiche, laddove si intenda con profezia non tanto la previsione del futuro, quanto la riconsiderazione (e la comprensione nostalgica) del passato. Non sarà un caso che, coinvolgendo magari anche la citata chiamata alle armi di Calavrisi, jettati la sarma, o le frecciate socio-politiche (L’attentatu, Tempu de granchi), gli espliciti contraddittorî che Ciardullo verbalizza siano incentrati su taluni atteggiamenti che vengono stigmatizzati più che altro per definire un “noi” di fattiva, coscienziosa, moralmente risentita civiltà paesana: ed ecco la satira contro il fannullone, l’imboscato, il borghese profittatore, il burocrate spocchioso, o il cittadino snob che non apprezza le gioie del maiale (nella fattispecie, delle frittole: Cibo pacchiano?! Ih! malanova vostra…![56]). Brevini riscontrava (è vero, per lo scorcio del secolo scorso) “la riabilitazione della storia personale, delle radici, in una prospettiva conoscitiva, caricata di significati che vanno al di là del memorialismo autobiografico”; “il genius loci, in quanto rapporto tra struttura di un ambiente e esperienza, diviene uno strumento attraverso cui ridare senso alla propria vita” [57]; tale reazione alla spersonalizzazione indotta dalla modernità e dalla standardizzazione della lingua nazionale trova, secondo il critico, il veicolo espressivo essenziale nel dialetto, che “risulta davvero il «dolce idioma» di questa modalità di abitare il mondo” –chissà che Ciardullo, all’alba della modernità alienante e disumanizzante, non abbia avuto antenne tanto sensibili da avvertire il rischio, ed approntare contromisure adeguate?
Una serie non sporadica di ulteriori allocuzioni vengono a configurare una sorta di poetica ironica e minimale: talora sono sottoposti a personificazione i versi stessi (Oi viersicielli mie[58]), talaltra si accampa una sorridente metaletteratura (Ma, vota paggina![59]; Sacciu ssa storia si v’è piaciuta![60]; E ccu chissu àiu frunutu / viersi e libru[61]; Chi vuogliu dire ccu sta frambosa / ccu chissi viersi scunchiudientuni…[62]; E allura puntu e basta, si un sbagliu àiu finitu[63]); non mancano incipit da cantastorie (Si ve stati gnilla attientu / io ve cuntu na passata[64]), o explicit che mimano le rrine, le cantate natalizie certo frequentate dal poeta (Canta lu gallu e scuotula le pinne / la bonasira a tutti e jamuninne[65]).

b.Rime, accenti, figure di suono

Passiamo ad analizzare gli altri elementi che dicevamo costitutivi della peculiare musicalità dei versi ciardulliani, oltre le simmetrie binarie: ossia il ritmo ed il gioco delle rime alternate. Diciamo subito che, dal punto di vista ritmico, abbiamo individuato la possibilità di una tripartizione nel corpus delle liriche esaminate. Precise e ricorrenti caratteristiche ci sembrano connotare le poesie con versi pari (decasillabi ed ottonari), mentre quelle con endecasillabi, introducendo delle alterazioni nel gioco degli accenti, si possono dividere in due sottogruppi: talune presentano tematiche affini a quelle dei versi pari, altre liriche accolgono momenti di meditazione più intima.
Si è già accennato alla regolarità ritmica degli ottonari: Povariellu, Primavera, A pignata, Allu ruonzu de Muscelle, L’attentatu, Lu compari mericanu… presentano una regolarità di accenti primari in 3a e 7a sede (più specificatamente, l’ottonario è di ritmo trocaico, con accenti di 1a - 3a - 5a - 7a); ciò agevola ed in certo senso sollecita l’andamento binario, contribuendo decisivamente alla musicalità ben ritmata, quasi da filastrocca, che tradizionalmente connota tale misura (non a caso è il verso della canzonetta e delle canzonette a ballo quattrocentesche); la popolarità del ritmo si incontra con quella dei temi trattati, e significativamente il gruppo elenca alcune tra le più vulgate (e citate, e declamate) liriche di Ciardullo. Un’identica regolarità ritmica (accenti sulla penultima sillaba dell’emistichio) si impianta nei decasillabi di Statti tranquillu… e Marinari, dalla cesura fissa tra due quinari a ritmo variamente giambico e dattilico; la musicalità di Calavrisi, jettati la sarma è stata sopra definita non casualmente manzoniana, infatti la lirica presenta il decasillabo detto appunto “manzoniano” (è il verso del Marzo 1821, per intenderci): il ritmo è anapestico, con ictus sulla 3a - 6a - 9a. Cumpari può essere rubricata come una lirica di passaggio al gruppo più numeroso dei versi dispari, presentando un’inedita alternanza di decasillabi ed endecasillabi, che tuttavia ben si fondono, senza mostrare, almeno dal punto di vista ritmico e fonico, tracce per così dire di sutura: effetto delle simmetrie binarie, che qui celebrano i loro massimi fasti (Cumpari chissu?… Cumpari chillu?… / Cumpari supra cumpari sutta[66]) e trascinano nella loro cantabilità sia il verso pari (precisamente diviso dalla cesura e segnato da accenti nella penultima sede dell’emistichio), sia a ben sentire l’endecasillabo, che la cesura scioglie regolarmente in un senario seguito da un quinario (entrambi con accenti primari in 4a sede).
Veniamo alle liriche in endecasillabi, nelle quali compaiono degli schemi accentuativi non canonici; considerandoli sotto la classica ripartizione dei ritmi greci (giambo, trocheo, dattilo, anapesto), è difficile ricondurre molti endecasillabi di Ciardullo nei dodici tipi individuati da Sesini[67]. Si legga il verso iniziale della lirica che inaugura la raccolta, Oi viersicielli mie, stritti, ligati[68], che coi suoi ictus primari di 1a 4a 6a 7a 10a crea un ritmo molto peculiare; restando sulla più abbordabile categorializzazione (quella che riconosce regolarità di ritmo agli endecasillabi con accenti primari di 4a 6a 10a, 4a 7a 10a, oppure di 4a 8a 10a), si nota come Ciardullo alterni endecasillabi canonici con altri irregolari[69]. Ne risulta un andamento non certo riposato, musicale e scandito (quale si è constatato nei versi pari, per intenderci), bensì un procedere sinuoso, che, nel secondo gruppo di endecasillabi individuato, si fa pensoso e verrebbe da dire intimistico, a segnalare i momenti di più intensa (meno estroversa) riflessione poetica: in Dispensata, Jennaru, o nell’elegiaco testamento spirituale della Castagna, si ha una sorta di divorzio tra il ritmo da una parte ed il metro e l’andamento sintattico dall’altra: è il veicolo espressivo cui Ciardullo affida annotazioni esistenzialistiche, metaletterarie, certi momenti di ripiegamento interiore. Non che si voglia insinuare un rinnegamento della cantabilità, che essa anzi continua ad essere perseguita, ma con altri, forse più alti e più poetici strumenti, che non siano al solito le rime alternate, o la regolarità della strofe. Nessuno può negare la musicalità, l’empito bucolico, di una strofe siffatta:
Ma… potire tornare nu mumientu
luntanu, sulu, mienzu a sta campagna;
e trovare cussì n’ura d’abbientu,
e m’assettare sutta nna castagna…[70]
si tratta appunto di individuarne le alchimie, di là dalle rime.
Rime che, essendo come dicevamo quasi sempre alternate, alternano anche la loro natura categoriale e non categoriale: ciò per solito sortisce effetti di soluzione della fusione melodica, ma ci sentiamo di dire che non è il caso delle rime di Ciardullo; l’alternanza molto probabilmente non è stata coscientemente perseguita, dominando ancora una volta la mimesi del linguaggio popolare (e, va da sé, dell’intimità della voce del poeta): la saporosità di corrispondenze foniche sono tanto in re (nel dialetto), quanto nella retorica del verseggiatore che le ha allineate con una spontaneità e facilità, che, apparenti quali sono, continuano a sorprenderci ed ingannarci -come spiegare altrimenti l’equilibrio accorato di una quartina siffatta, pur composta da rime non categoriali?
illu chi lu ncuraggia e biellu biellu
ridiennu l’accumpagna nsina a fore,
quannu va guarde chillu letticiellu,
cumu se senta stringere lu core!…[71]
Un discorso simile va fatto per le allitterazioni, che, laddove emergono, non si lasciano cogliere ed incasellare quale effetto d’arte: ad esempio, a proposito della catena allitterante vena, vi’, vistu e nun vistu[72], non è possibile decidere della intenzionalità o preterintenzionalità dell’effetto fonico, perché la figura di suono è perfettamente idiomatica, esiste per così dire nel corpus del dialetto parlato. Ciardullo come si vede continua a nascondersi nell’apparente semplicità del dettato, nella mimesi del parlato che, come per ogni delitto perfetto, non lascia quasi traccia di intenzionalità (ossia d’artigianato versificatorio).
Tornando alle rime, esse risultano tutte regolari, dunque piane; talune tracimazioni (la rima ricca capisci : pisci si trova in Marinari ai vv.46-8; o in Cumpari ai vv.95-6, scunchjutu : jutu) sono solo sporadiche, come anche alterazioni quali le rime derivative o spezzate ecc.; compaiono qua e là rimalmezzo, che tuttavia, come anche le sparse assonanze e consonanze, sembrano anch’esse preterintenzionali, pure rispondenze idiomatiche: a quanto pare Ciardullo non persegue una fitta tessitura di richiami fonici, limitandosi ad arruolare gli spontanei echi interni del dialetto peritese. Egli d’altro canto riporta la rima alla sua essenza primigenia, al ruolo di iterazione fonica, di isotopia a livello di suono, funzione esaltata dalle frequenti dieresi in sede di accento finale del verso: spesso infatti la parola-rima presenta iato (…para ca ridìa[73]), laddove al contrario nel corpo del verso si registra un’abbondanza di fusioni (sineresi, sinalefe: suli venìati, suli e sempre a fulla[74]). Messe in coda a versi solitamente fusi ed andanti, le rime di Ciardullo offrono una pausa minima ma ben scandita, protendono risonanze nel silenzio della fine verso, per poi intrecciarsi, con precisione musicale, alla rima sorella, e far procedere insomma l’irrefrenabile e gustosissimo cantabile ciardulliano, che riesce nell’impresa di riscattare l’asprezza tradizionale del dialetto calabrese e pedacese nella fattispecie. L’effetto è fonicamente evidente, e viene a redimere (insieme al gioco degli accenti ed all’andamento binario) la prosasticità, che è rischio ricorrente per chi tenda alla mimesi del linguaggio popolare e dialettale: è quella dinamica tra le fusioni interne al verso e la sentenziosità della rima cui si accennava per illustrare l’effetto di fusione, di cantabilità popolare del verso ciardulliano.

3.Conclusioni

Proviamo a riassumere le risultanze più significative della nostra analisi. Ciardullo ha usato i metri e gli schemi rimici tradizionali della lirica italiana, versando la sua ricca vena poetica essenzialmente nella quartina, di cui tenta di rispettare il respiro anche dal punto di vista sintattico; per quanto possibile ha ridato al verso singolo funzionalità ed autonomia, sintattica meno che prosodica; il procedere del dettato è tuttavia franto, anche in virtù di un’abbondante punteggiatura: il palese intento sembra quello di riprodurre la colloquialità e l’andamento discorsivo del parlato dialettale; il risultato fonico, lungi dall’essere spezzettato e cacofonico, si palesa come un cantabile notevolmente mimetico dell’eloquio paesano. La musicalità si accampa grazie ad una serie di artifici metrici e morfosintattici: le simmetrie binarie, il gioco preciso delle rime alternate, la dinamica tra sentenziosità della rima e la fusione del verso, ecc.
Sia Antonio Piromalli che Pasquino Crupi hanno rimarcato l’aspetto popolare della lingua poetica di Ciardullo, il primo parlando di un dialetto “radicato nella cultura popolare e fuso con la personalità dei parlanti, foneticamente e morfologicamente funzionale alla realtà vissuta”[75], connettendolo d’altra parte con le espressioni di una cultura agonista a quella delle classi dominanti: “in dialetto nascevano i versi dei contadini, degli artigiani, il risveglio della cui cultura costituiva una difesa nei confronti della cultura ufficiale, ammassata per secoli negli stampi aulici dei letterati e delle accademie”[76]. Forse la nostra analisi potrebbe sollecitare a chiedersi se l’operazione culturale di Ciardullo non sia stata ancora più profondamente e radicalmente anti-accademica, anti-borghese. Se Crupi bene nota come il popolo sia “il prodotto di una storia deformata, che non ha deformato solo la sua schiena, ma anche la sua visione della vita, e lo ha costretto, suo malgrado, a regolare la sua vita sui parametri imbiancati della cultura egemone”[77], il poeta Ciardullo contrattacca con una sovversione sottile, espropriando la cultura egemone ed ufficiale dei suoi strumenti espressivi ed artistici, riempiendoli delle voci di una cultura subalterna, voci che per miracoloso equilibrio non ne risentono, non subiscono una degenerazione in senso patinato, folklorico, kitsch, ma riproducendo anzi la vita vera della parlata locale.
Crupi rileva come “protagonista sia la vita accerchiata, dominata, organizzata dalla filosofia della parola, e vera filosofia di questo mondo ingordo, non enfatizzabile, è la retorica”[78]: certo, siamo nell’ambito di una reazione intellettuale, nel “dominio del discorso sulla realtà”; se è così, occorre dunque indagare, come abbiamo tentato, quanto sia fondato (e fuorviante) il topos del poeta spontaneo. La nostra impressione è che troppa arte sia stata dispiegata nelle liriche di Ciardullo, un magistero versificatorio scaltro e raffinato che probabilmente raggiunge il suo vertice appunto nella capacità di celare il proprio artificio. Ovviamente, il dibattito è aperto.
[1] La Pr.ssa Mascherpa ha curato il par.2 (L’analisi metrico-ritmica) ed il par.3 (Conclusioni); il Prof. Autiero ha curato il par.1 (Introduzione)
[2] Ciardullo - Michele De Marco, Le poesie, a cura di Antonio Piromalli, Mide Edizioni, Lorica (CS) 1984; altri due volumi raccolgono Il teatro e Le satire.
[3] Franco Brevini, Le parole perdute, Torino, Einaudi 1990.
[4] Carmine Chiodo, Poeti calabresi tra Otto e Novecento, Roma, Bulzoni 1992, p.393.
[5] Il critico Brevini parla di un’immagine vulgata del dialetto quale “lingua dell’immediatezza, del corpo e dell’istinto”; Franco Brevini (a cura di), Poeti dialettali del Novecento, Torino, Einaudi 1987, XI.
[6] Ciardullo - Michele De Marco, Le poesie cit.
[7] Si legga la prefazione di Antonio Piromalli a Le poesie, cit., p.14.
[8] Ivi, p.17.
[9] Dispensata, vv.41-42
[10] Povariellu, vv.41-44; d’ora innanzi si citeranno i titoli delle poesie seguiti dal verso.
[11] M. Scorretti, Le strutture coordinate, in L. Renzi (a c. di), Grande grammatica italiana di consultazione, Il Mulino, Bologna, 19913, vol. I, pp. 227-270.
[12] Dispensata, vv.9-12.
[13] Dispensata, vv.5-6
[14] Jennaru, v.13
[15] L’attentatu, v.13
[16] Cumpari, v.277
[17] Jennaru, v.29
[18] Povariellu, v.48
[19] Povariellu, v.61
[20] ’A pignata, v.171
[21] Povariellu, v.73
[22] Jennaru, v.35
[23] Cumpari, v.112
[24] L’attentatu, v.97
[25] Cumpari, v.169
[26] Allu ruonzu de Muscelle, v.25
[27] Cumpari, v.249
[28] Cumpari, v.295
[29] Povariellu, v.51
[30] ‘A pignata, v.147
[31] Patrune e sutta, v.70
[32] Angelo Marchese, Dizionario di retorica e di stilistica, Mondatori, Milano 1978, p.194-7)
[33] Statti tranquillu…, vv.59-60
[34] Cumpari, vv.7-8
[35] Povariellu, vv.9-12
[36] Povariellu, v.21
[37] Povariellu, vv.29-30
[38] Povariellu, v.47
[39] Cumpari, vv.239-240
[40] Povariellu, vv.103-108
[41] Povariellu, vv.65-68
[42] Povariellu, vv.137-142
[43] Statti tranquillu…, vv.35-36
[44] Calavrisi, jettati la sarma, vv.19-20
[45] Cumpari, vv.91.93
[46] Povariellu, v.73
[47] Cumpari, v.231
[48] Cumpari, v.317
[49] ‘A castagna, v.81
[50] Calavrisi, jettati la sarma, v.29
[51] Primavera, v.61
[52] L’oru… mio!, v.1
[53] ‘A castagna, v.38
[54] ‘A castagna, v.121
[55] Calavrisi, jettati la sarma, v.9
[56] Jennaru, v.54
[57] Franco Brevini, Poeti cit., pagg. IX-X.
[58] Dispensata, vv.1-2
[59] Cumpari, v.79
[60] Cumpari, v.314
[61] Primavera, v.109-110
[62] Marinari, vv.17-18
[63] Natale, v.98
[64] A pignata, vv.1-2
[65] Patrune e sutta, vv.93-94
[66] Cumpari, vv.13-14
[67] Sesini, L’endecasillabo, struttura e peculiarità, in “Convivium”, 1939, p.549 sgg.
[68] Dispensata, v.1
[69] A mo’ d’esempio: le prime due quartine di Dispensata allineano il seguente schema accentuativo: 4a 7a 10a / 4a 8a 10a / 1a 6a 10a / 1a 5a 10a / 4a 8a 10a / 2a 7a 10a / 3a 6a 10a / 3a 6a 10a
[70] ‘A castagna, vv.277-280
[71] Dispensata, vv.25-28)
[72] Povariellu, v.45
[73] Dispensata, v.34
[74] Dispensata, v.37
[75] Antonio Piromalli, prefazione a Le poesie, cit., p.13.
[76] ibidem.
[77] Pasquino Crupi, Storia della letteratura calabrese. Autori e testi, Periferia, Cosenza 1997, p.263.
[78] ibidem.

Recensioni a I Nomi della Notte

2008-09-27T08:45:00.001-07:00

Il romanzo “I Nomi della notte”, pubblicato da Rubbettino Editore grazie al decisivo ed autorevole parere del prof. Nicola Merola, ha vinto Il Premio Nazionale Crati per la sezione di narrativa; l’altro vincitore, per la sezione di poesia, è risultato il famoso poeta Silvio Ramat.
Il Premio, arrivato alla V edizione, è stato ideato dal medico insigne e poeta, il dr. Gianfranco D'Angelo, ed organizzato dall’associazione socio-sanitaria e culturale “Il Viaggio Onlus”, di cui D'angelo è Presidente; la cerimonia conclusiva si è svolta nel gremito cinema teatro Italia, a Cosenza, nella primavera del 2006.

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I "Nomi della Notte" ha meritato un altro premio, l'anno successivo: nel maggio del 2007 il romanzo si è classificato al 2° posto nel Premio Letterario “Il ramoscello d’ulivo”, con sede a Petilia Policastro; questa la motivazione, che porta la firma prestigiosa del presidente della Giuria, il prof. John Trumper.

Andrea Rizzitano, il commissario descritto dalla penna di Giuseppe Autiero, è un uomo che avverte la sua calabresità come motivo di orgoglio, tanto più sentito perché proveniente da una famiglia che ha fatto dell'emigrazione quasi una regola. Legame ultimo ma indissolubile con la sua terra è la lingua, quella fatta di parole, dense di significato e di storia, di ricordo di persone lontane e di radici ancora più lontane, soprattutto vivendo in una realtà linguistica fatta di toscano. È proprio la lingua, la sua ricca modulazione, l'incontrarsi e talvolta lo scontrarsi con quella degli altri, che stende innanzi agli occhi del lettore la ricca e differente varietà di personaggi e paesaggi che popolano I nomi della notte. Non senza tacere una certa ricerca verso la denuncia di vecchie ingiustizie sociali rivolte ai nuovi deboli di una civiltà presuntuosamente organizzata secondo le regole della più bieca globalizzazione, il romanzo si muove strizzando un occhio al più famoso commissario Moltalbano dell'altrettanto più noto Camilleri. Lungi tuttavia dalla volontà di Autiero è il desiderio di adeguarsi passivamente ad una letteratura "di genere" e ancor più allo scrivere "secondo il modo di". Il valore del presente romanzo sta proprio nella capacità di comunicare al lettore la ricchezza insita nella differenza linguistica, sociale, culturale, umana che caratterizza lo 'Ndria Rizzitano del nostro autore da tutti coloro che lo circondano e con i quali entra in contatto. Che poi basti questo contatto, sia esso rappresentato da una battuta piuttosto che da un dialogo più lungo ed articolato, perché si palesi la generosità con cui Autiero ha tratteggiato con passione e un tocco di ironia il nostro commissario e la sua calabresità, basterebbe da sola a motivare il consenso espresso dalla giuria alla sua seconda impresa letteraria.

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Di seguito, altre recensioni, apparse qua e là nella stampa...

Francesco Graziano, su Il Filorosso del 2006

Questo nuovo romanzo di Giuseppe Autiero, "I nomi della notte" (il primo si intitolava “Il Mare dei padri” Jonia ed.,Cosenza 2000), procede per segmenti. Gli inizi dei singoli capitoli sono quasi spinte di un tracciato che si dispone dentro una quotidianità che assedia con i suoi molteplici casi, con le sue esplosioni linguistiche.
E’ questa la storia di una partenza, ma anche di un ritorno,in Toscana,luogo di origine della moglie del commissario ‘Ndria Rizzitano, calabrese. Al centro, dunque, un viaggio con incontri diversi, con occhi impressionati dalla realtà e con una lingua che si apre ai luoghi di appartenenza, con mescolanza di accenti e di toni, per cui i suoni dei giorni sembrano quasi incidersi dentro. ‘Ndria è protagonista di una ricerca di tracce, di presenze e di passaggi, a conferma di ipotesi, di idee, nella cui coscienza sembrano assorbirsi i suoni dei giorni ricchi di incontri diversi con presenza talora scarsa degli italiani. Ossessionato da una lingua che esplode e che diventa occasione di riflessioni e di pensieri, il protagonista si apre così ad un parlato che si carica,dunque, di dubbi ,di malinconie, di risentimenti, di un passato e di un presente che urgono e assediano mentre i suoni della società tecnologica si scontrano con quelli della natura. Ndria si muove, dunque, dentro un mondo che sta cambiando; e con esso la coscienza stessa. E ‘Ndria avverte il mutamento veramente radicale. Lo stesso modo di pensare sequenziale e referenziale sta per essere sostituito da una percezione nuova, primitiva, pre-logica”(p.80). E questo perché il posto dei libri, almeno di certi libri, è preso dal computer e da internet.
Nuovi e diversi,inoltre, i problemi che mettono sotto assedio: La mafia, i pirati informatici,la polverizzazione delle ideologie,la pulizia etnica ecc. Il motore del futuro? La comunicazione e i grandi comunicatori.
Dentro ad un mondo che si apre e si chiude ad intervalli sempre più irregolari procede ‘Ndria con le sue passioni e le sue ossessioni, ma sempre in attitudine di cogliere il nesso tra le cose, tra gli eventi, tra i personaggi, per capire il mondo sempre più labirintico; che poi è un capire se stesso nel mondo. Per cui suoni ed espressioni qui riprodotti sembrano esplodere da dentro, per agganciarsi al mondo e per entrare con esso in un circuito straordinario di comunicazione.
Seguire il percorso di ricerca di Rizzitano-Autiero è andare per tracce, per indizi, con la passione per le cose che aspettano di venire alla luce. Anche se non sempre è possibile squadernare le cose che accadono. E questo l’autore lo sa bene. E per questo la sfida si fa avvincente. Un giallo, dunque, per andare dentro le cose e dentro la coscienza degli uomini. Ma anche per conoscersi un po’ meglio. E la tensione linguistica è in questo caso molto importante. Tra Gadda e Camilleri, il calabrese Rizzitano-Autiero gioca bene le sue carte, senza soggezione. E la sua voce ha una indiscutibile singolarità.

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Massimo Valentini, su CalabriaOra del 6 giugno 2006

"I nomi della notte” tra realismo e intrecci polizieschi

Il libro di Giuseppe Autiero prende le distanze dai soliti romanzi gialli e mette in luce le ipocrisie della società

"I nomi della notte” è il secondo lavoro di Giuseppe Autiero, così come seconda è l’avventura che vive il protagonista del libro, il calabresissimo commissario di polizia ‘Ndrea Rizzitano. Il family feeling con il primo romanzo (“Il mare dei padri”, ed.Jonia, 2000) è sottolineato proprio dal protagonista, il tenace ma umano Rizzitano, e nell’ambientazione poliziesca e realista tratteggiata nel libro. Ma le analogie si fermano qui. “I nomi della notte” prosegue il lavoro del primo romanzo e lo affina con tutta la perizia e l’arricchimento psicologico che Autiero ha saputo infondere in queste pagine. Anche qui è di scena la vita, quella che parla nelle miserie e debolezze umane, che poco o nulla hanno in comune con lo splendore di certi romanzi gialli, ambientati in splendidi edifici e con trame cervellotiche. Autiero ha tratteggiato un quadro assolutamente realista che prende a piccoli sorsi l’intreccio poliziesco amalgamandolo con i problemi dell’immigrazione, con le sette sataniche, la politica senza scrupoli e la criminalità organizzata, rude, spietata e tratteggiata con estremo vigore. Una ricetta vincente quella di Autiero, condita con uno stile sobrio, tagliente, mai banale, privo di inutili virtuosismi sintattici ma non minimalista, capace di suscitare emozioni in chi legge. La trama stessa serve all’autore come pretesto per indagare su una realtà anni luce lontana da quella patinata delle riviste: l’integerrimo commissario Rizzitano si trova a vagare in terra toscana, percorrendo le stradine del borgo natìo di Laura, la sua compagna. Qui entra in contatto con i nuovi migranti, figli di terre e culture diverse, come il benzinaio Mamoud o la collaboratrice familiare Lara. Quasi per una legge del contrappasso alla rovescia, si contrappone la società della gente bene, o apparentemente tale, chiusa in ville sontuose, intenta a riti satanici ed ipocrisie d’alta borghesia. Quando una piccola voce agghiacciante urla la sua tragedia al mondo, Rizzitano dovrà dare fondo alla sua abilità ed umanità per dare un senso alla tragedia di un innocente che continua a dipanare il proprio orrore fino all’ultima pagina del romanzo.

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Natalia Porto, su La Provincia del 22 settembre 2006

"I Nomi Della Notte", questo il titolo del nuovo libro di Giuseppe Autiero presentato ieri nella sala consiliare del comune di Pedace. 'L'evento non è nuovo per il piccolo centro presilano che alla valorizzazione e alla promozione della cultura ha da sempre dedicato ampi spazi, facendone uno dei principi ispiratori dell'interagire amministrativo. Ad introdurre il volume ed il suo autore c'erano il vice sindaco, nonché assessore alla cultura,Marco Oliverio,il prof. C. Curcio, il prof. G.B. Giudiceandrea. La presentazione del libro, ha tenuto a sottolineare l'assessore Oliverio, si inserisce nel più ampio progetto di esporre, e far conoscere le professionalità e i talenti locali, nel tentativo di bandire gli atteggiamenti vittimistici ed al contrario centrando l'attenzione sulle risorse e le potenzialità di cui siamo dotati. Per,Giuseppe Autiero, da qualche anno cittadino pedacese, non si tratta di un debutto nel mondo letterario; egli infatti è già autore de "Il mare dei padri", romanzo giallo pubblicato nel 2000 con il quale si è classificato secondo al Premio Nazionale "Le Agavi". Dunque un talento non privo di riconoscimenti il suo che, come sottolinea in prefazione il professor Nicola Merola, può vantarsi di saper ridurre "…virtuosisticamente la molteplicità di un'apparenza invadente come mai prima con i colori vistosi e i problemi enormi dell'attualità, tra immigrati e satanismo, politica affaristica e disagio globalizzato, criminalità organizzata e guerre in tempo di pace…” In entrambi i romanzi protagonista è 'Ndrea Rizzitano, un commissario calabrese alle prese con la risoluzione di un caso. Da qui l'inevitabile paragone con Camilleri ed il suo commissario Montalbano, di cui copia la professionalità ma da cui si distacca per originalità e per il suo personalissimo modo di incrociare giustizia, affetti e “umane miserie”.

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Fiorenzo Pantusa su CalabriaOra del 21 agosto 2006

I viaggi della notte di Giuseppe Autiero

Ogni libro è un viaggio. Ci sono viaggi, e quindi libri, che ti conducono dove il razionale e la passione si fondono ed altri che ti fanno compiere solo un giro di te stesso senza portarti in nessun posto. Il nuovo, bellissimo romanzo giallo di Giuseppe Autiero "I nomi della notte", rientra a pieno titolo nella prima categoria perché il viaggio che il lettore compie è totale, di andata e ritorno e soprattutto fruttuoso in quanto, al di là della vicenda specifica, offre mille spunti su cui riflettere, mille argomenti su cui discutere, mille sfumature rafforzando le quali il mondo potrebbe sembrare o addirittura diventare migliore. E' un giallo, naturale sequel del fortunatissimo "Mare dei padri" opera prima di Autiero. Il volume è stato presentato a Spezzano Piccolo, paese natio dell'autore, nell'ambito della rassegna estiva organizzata dall'amministrazione comunale e dalla locale Pro Loco presieduta da Ugo Lamacchia. Oltre all'autore, erano presenti il sindaco di Spezzano Piccolo Eugenio Nudo, l'autore motivazionale Florindo Polillo, lo scrittore e poeta Fiorenzo Pantusa. Il contenuto del libro è stato sviscerato in ogni suo aspetto anche perché, pur restando sempre e comunque un giallo con tutte le peculiarità che un giallo deve avere, l'evolversi narrativo si sviluppa su alcune tematiche che ne fanno quasi un trattato di sociologia. L'emigrazione, l'integrazione, il razzismo strisciante, il sentirsi quasi esiliato nella propria terra e poi l'artificio usato da Autiero per descrivere la Calabria ambientando tutte le vicende in una Toscana così falsa da lasciar chiaramente intravedere tutte le caratteristiche della nostra regione. Il libro è attraversato da una umanità incostante, veloce e lentissima, orgogliosa e votata al compromesso, ricca e misera, da amare e da odiare. Del resto in cosa abbiamo trasformato il nostro mondo se non in un paesino globalizzato fatto di immobili tradizioni e nel quale girano e decidono più assessori del potere che attivisti delle idee?

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Alberico Guarnieri, sul Quotidiano del 30 novembre 2006

Autiero e il buio abisso dentro “I nomi della notte”

La seconda prova narrativa di Giuseppe Autiero ci propone il personaggio del commissario ‘Ndrea Rizzitano in un nuova veste, ovvero quella padre di famiglia che decide di regalare a sé e al suo piccolo nucleo familiare composto dalla volitiva consorte Laura e dal piccolo Alfredino (in virtù del quale il mastodontico poliziotto dai “cento e passa chili”e dalle braccia “neri di peli” che terminano in “due manazze - pale da forno” si trasforma in tenerissimo compagno di giochi) una vacanza in una Toscana decisamente antitetica a quella raffigurata nel celeberrimo carne foscoliano. Così il posto delle “convalli / popolate di case e d’oliveti” le quali “mille di fiori al ciel mandano incensi” è usurpato da sentieri aridi e tortuosi percorsi da inquietanti furgoni pilotati da equivoci trafficanti albanesi di prostitute che, come Lara obbligata a vivere un’avventura più grande di lei, e torturata dal dolore procuratole dalla morte della figlia Fadila, aspirerebbero a sparire dalla scena crudele di quell’illusorio “paradiso occidentale” capace solo di ghermire le loro individualità producendo ferite insanabili.
Qualcosa del genere capita pure a Rizzitano che, a contatto con questa Toscana disumana lacerata dai “problemi enormi dell’attualità, tra immigrati e satanismo, politica affaristica e disagio globalizzato, criminalità organizzata e guerre in tempo di pace”, come scrive Nicola Merola nella sua introduzione, è costretto a smettere i panni dell’amorevole pater familias per indossare quelli dell’ufficiale di polizia, non prima di avere pirandellianamente assunto l’identità fittizia di Clìmeno Bellonzoni, ex fidanzato di Laura e fabbricante di scarpe pubblicizzate da uno slogan alquanto idiota, quasi il leitmotiv della prima parte del romanzo, intitolata “I Nomi”. Dopodiché, come nella migliore tradizione del genere poliziesco, al quale si può ascrivere il libro di Autiero (seppure con le debite riserve in quanto, come rileva Merola, l’autore mette in scena “la tragica presunzione della Giustizia che fuoriesce dalle convenzioni del giallo”), la vicenda scivola, nella seconda parte intitolata “La Notte”, appunto, verso la tragedia che si consuma nell’arco “canonico” di poco più di ventiquattro ore. Precisamente dall’una del mattino di sabato alla fine della notte di domenica, sullo sfondo di un buio atto a rappresentare una sorta di maledizione lanciata contro lo sguardo impotente del protagonista.
Una storia in grado di coinvolgere il lettore anche attraverso l’invenzione divertita di neologismi, una sfida giocata tutta sul terreno dell’immediatezza comunicativa ma, soprattutto, conducendolo sull’orlo di abissi imperscrutabili laddove, però, l’occhio dello scrittore continua a guardare per cercare di decifrare i tanti simboli della notte.

I Libri di padre Pino Stancari SJ

2008-09-27T04:39:00.000-07:00

Le lezioni che da più di un ventennio il padre Gesuita Pino Stancari sta donando alla Calabria ed ai suoi molti lettori ed ascoltatori sono una decisiva esperienza spirituale, intellettuale ed umana -altamente consigliata a chiunque. In genere tiene le sue lectiones regolarmente al venerdì, presso la loro piccola oasi del Gelso, nei pressi della stazione ferroviaria di Castiglione Cosentino.

L'Indice dei Libri

2008-09-27T01:52:00.001-07:00

Ho pubblicato anche sul prestigioso Indice dei Libri! La recensione uscì nel numero 6 del 2003...

Alessandro Carrera, LA VITA MERAVIGLIOSA DEI LAUREATI IN LETTERE, Palermo, Sellerio 2002

Se ammettiamo che la narrativa sulla scuola costituisca un vero sottogenere, illustrato da autori prestigiosi, è ormai evidente un’involuzione non casualmente parallela a quella dell’istituzione in oggetto. Smarrita l’ingenua fiducia di De Amicis, allorché si trattava di offrire fisicamente alla neonata nazione un luogo (anche letterario) per la coesistenza delle tante anime regionali, è ormai altresì infrequente la prospettiva di Sciascia, che nelle “Parrocchie di Regalpetra” traguardava dalla sua aula scolastica un’evoluzione storico-antropologica. “Un anno di scuola” di Giani Stuparich ed i tanti romanzi di formazione descrivono una realtà scolastica tutto sommato coerente con l’ambiente sociale, economico e culturale –un luogo di vita e formazione, per generazioni proiettate verso l’azione (sia essa la guerra, il lavoro, semplicemente il futuro). Le inquietudini compaiono col “Maestro di Vigevano” di Mastronardi, ma se ne procrastina il deflagare concentrandosi sul protagonista e sul malessere della provincia italiana. Lo smottamento dell’immagine scolastica viene registrato (e forse anche in parte innescato) dalle cronache tragicomiche di Domenico Starnone (“Ex cathedra” soprattutto), che si pone ad un livello ben più amaramente raffinato delle crasse (e nel retrogusto irritanti) risate scatenate dai temi di Marcello Dall’Orta (il famigerato “Io speriamo che me la cavo”).
Nulla meglio della parodia rivela lo smarrimento di un ruolo, quello docente, e l’indecisione sul futuro stesso dell’istituzione scolastica. Il punto di non ritorno è segnato forse proprio da questa agile e scanzonata novella di Alessandro Carrera, giocata sul rapporto tra un docente di ruolo, Renato, “tendente all’inquietudine ed alla depressione” oltre che ad una fuga dalla scuola verso l’immaginato paradiso economico della libera impresa; e Rino, “persona lieve innocente e poco complicata”, il supplente che aspira ad entrare nella cittadella dorata del ruolo. Come due persone che spingono sulla stessa porta, una ad entrare e l’altra ad uscire: l’impasse che ne viene è ben più che allusivo all’involuzione del sistema scolastico, schiacciato com’è tra propositi di “riforma” e “controriforma”, tra un’utenza (sic) sempre meno interessata ed una civiltà sempre più mediatica, schizofrenica, iconica, indifferente ed impermeabile alle obsolete strategie scolastiche. Il tentato scambio di ruoli fallisce, Renato scopre che “la scuola non si lascia, è il primo comandamento di tutti quelli che non la sopportano”, Rino rientra nel suo eterno, vano precariato esistenziale (“Niente al mondo è più inutile di un laureato in lettere disoccupato”).
Prima che un evento apocalittico minacci di radere al suolo la Scuola, descritta con gusto rabelaisiano per l’abnorme (“la palestra era così alta che vi si formavano nubi e trombe d’aria”), Carrera si ritaglia lo spazio per un gustoso divertissiment, che denota un’allegria affabulatoria non comune, memore delle sprezzature dei Cannibali ma senza sgradevolezze splatter. Ne è venuta una struttura narrativa ariosa e sbrigativa, che non dettaglia né appesantisce di lamentazioni sui destini scolastici, ma recupera il tono surreale del migliore Stefano Benni, producendo una parodia sfrenata, corsa da bidelli boss e presidi donna dediti al mobbing sessuale, eserciti di ristoratori cinesi e supplenti spogliarelliste. Un’astrazione, certo, ma al di qua del sospetto di diserzione e disimpegno, in virtù di ben calibrate frecciate socio-politiche (“Negli ultimi tempi la salute degli insegnanti era migliorata, c’era stato un generale aumento dell’età media, una nutrizione più sana a livello nazionale, perfino un accenno di riforma sanitaria.”). Che non si possa più descrivere la scuola se non adibendo questi strumenti espressivi? L’umanità e lo sguardo sociologicamente partecipe di Sandro Onofri (“Registro di classe”) sembrano appartenere al passato della “Lettera ad una professoressa” di don Lorenzo Milani, forse ad un’illusione. La scuola odierna annaspa nel paradosso di un universo autoreferenziale, luogo di trasmissione culturale e dunque naturalmente dinamico, eppure sclerotizzato nella mera ripetizione di un sapere di problematica utilizzazione nella società multimediale. Se così è, poco resta da tentare e nulla da illudersi: se ne può fare, questo sì, letteratura –senza ormai più pretese psico-pedagogiche né statuti da sottogenere.

Capoverso

2008-09-27T01:23:00.000-07:00

Capoverso è una bella rivista di poesia, letteratura varia e saggistica, su cui ho pubblicato qualche intervento.

LA POESIA ESISTE (ANCORA?)

E’ da decenni ormai che la poesia non solo si pone quale problema esegetico, ma autorizza addirittura previsioni allarmate sulla possibilità della sua sopravvivenza stessa, soprattutto nell’epoca odierna, dominata da media pervasivi, frenetici, banalizzati, lontanissimi dalla fruizione culturalmente mediata ed umbratile della poesia. Il mercato librario italiano, si sa, fonda ogni allarmismo, riservando alla poesia quote minimali rispetto alla narrativa, sia in termini di pubblicazione che di consumo. Su questa ed altre tematiche si sono confrontate, all’Università della Calabria, alcune delle più penetranti intelligenze critiche del mondo accademico nazionale, quali Luigi Blasucci, Dante Isella, Romano Luperini, Marziano Guglieminetti, Renato Aymone, solo per citarne alcuni, ovviamente convocati da Nicola Merola, direttore del Dipartimento di Filologia. Il titolo del Convegno, “La poesia italiana del secondo Novecento”, offriva l’occasione, inevitabile ad inizio di secolo e millennio, per un generale ripensamento, se non proprio di un bilancio definitivo e definitorio, data la natura quanto meno variegata se non proprio dissipata delle esperienze poetiche che si sono succedute dalla fine della II guerra mondiale. Sandro Maxia, nella sua prolusione, ha parlato di “materia incandescente”, sulla quale era fisiologico registrare dissensi.
Coerentemente, la tre giorni di discussione ha licenziato molti più interrogativi che certezze: c’è chi (come Aymone) mette in discussione le gerarchie (chiedendosi se Zanzotto è quell’autore monumentale di cui si va dicendo), altri (come Niva Lorenzini) dubitano dello statuto conoscitivo della poesia, della sua presa sul reale: “Dire parole in poesia è ancora o è sempre dire cose?” Forse non era lecito attendersi, per ora, una diversa proporzione di ipotesi e certezze, se è vero, come ha notato Merola nella sua relazione conclusiva (e citando il grande assente, Giovanni Raboni), che il ‘900 non è ancora davvero finito, se l’opera di Montale o Palazzeschi, ad esempio, continua a scandalizzare, mentre altre forme ed istituzioni (socio-culturali, economiche, politiche, ecc.) del secolo trascorso hanno da tempo esaurito la loro fertile provocazione ed il loro ruolo, musealizzandosi. Per chi dunque ha il gusto delle cesure cronologiche, o meglio per chi trova (se non altro didatticamente) riposanti le date precise, a segnare l’avvio o la fine di fenomeni in realtà magmatici, il 2000 non ha significato granché per la poesia, né, d’altro canto (su questo i relatori hanno grosso modo concordato), la fine della guerra o il 1950: un punto di ripartenza credibile per la poesia italiana è stato fissato nel 1956 (più cautamente, il quinquennio 1957/61), una volta che una generazione di poeti ha chiuso i conti con l’eredità dell’ermetismo e si è posta il problema della ridefinizione del proprio ruolo intellettuale e, va da sé, di quello della poesia.
Se non si poteva che muovere dalle scritture penultime ed ultime di Eugenio Montale, vero punto di snodo del secolo, era altresì inevitabile confrontarsi con le sue provocatorie professioni di dubbio sulla funzione della poesia: com’è noto, nel ricevere il premio Nobel (e con ironia politicamente poco corretta), il poeta genovese riconosceva alla poesia un unico pregio, quello della sua innocuità. Un disagio corre, dunque, palpabile, tra gli addetti ai lavori, allorché si parla di “poesia del secondo Novecento”, e Merola ha bonariamente ricordato le perplessità (se non proprio la levata di scudi) allorché si è trattato di proporre alla MOD (Società italiana per lo studio della modernità letteraria) il tema centrale del convegno: qualche segnale (indiretto) di speranza (su cui rimandiamo alla fine dell’articolo) è venuto dalla sua iniziale, provocatoria proposta di titolazione: “E’ passata la bufera”.
Al di là delle allusioni montaliane, ed in accezione positiva o meglio di curiosa disponibilità, Dante Isella riconosce nella poesia odierna un “fermentante laboratorio”, senza più una voce unica ed autorevole ad intonare il coro; se il “brusio” merita attenzione, tuttavia si riconosce l’assenza di una “grammatica”: col che si può intendere sia la latitanza di scuole poetiche e programmi esplicitati, sia forse la necessità per la critica di ridefinire i propri strumenti esegetici. D’altro canto Merola denuncia il rischio dell’estremo dettaglio, di una “precoce volontà storiografica”: se numerose antologie captano le voci anche minime, può scattare il rischio della mappatura in scala 1:1 (l’allusione è al racconto borgesiano “La mappa dell’impero”), e quindi una sostanziale incomprensione. Con ciò emerge un antico sospetto dello scrivente: che la critica debba, fisiologicamente, per un servizio di chiarezza ai lettori, procedere anche in stroncature (Contini, si sa, nella sua “Letteratura dell’Italia unita” si permise la sprezzatura di non citare neppure in nota il Premio Nobel Grazia Deledda).
Ma il problema poesia, la possibilità affascinante della poesia continuano ad accamparsi intatti: Maxia è stato particolarmente perentorio (e coraggioso) nel ribadire l’idea antica, che “la poesia, nella sua superba inutilità, abbia il compito di illustrare e trovare un senso alla nostra vita”. Una siffatta ambizione giustifica anche la drammatica forbice tra lo stato attuale della poesia e ciò che essa è nel mito e nelle attese, e forse anche le connesse reazioni estremizzanti, di indifferenza (la tentazione ricorrente del rifugio nei classici) o di insofferenza (la mappa 1:1).
Il secondo ‘900, dunque, tagliato a metà (forse alla giugulare) dalla reazione pasoliniana contro la cultura ufficiale, l’anti-novecentismo che fa agio su un quadro socio-culturale diverso (la scolarizzazione di massa, le nuove forme di fruizione del sapere, ecc.): il percorso di Pasolini viene descritto da Merola come “il ‘900 che si ribella contro se stesso”; il drammatico “addio alla poesia” dell’artista friulano diventa atteggiamento paradigmatico, per quanto ovviamente strutturato in più irrequietezze: la vocazione tragica, drammatica, di Luzi; il Bertolucci che bordeggia la dimensione romanzesca; la giravolta di Giudici che restituisce la poesia a sé stessa sostituendo l’atteggiamento classico con quello comico; la surrogazione degli imput (psicanalitici, linguistici, ecc.) di Zanzotto; la tecnica del collage (il poeta che riesce a “dire” solo usando il già detto) introdotta dalla neoavanguardia, ecc.
Se tutte queste esperienze sono incluse in un ambito semantico che va dall’“abiura” alla “negazione”, tuttavia il minimo comun denominatore (individuato da più relatori) sembrerebbe essere quello di una vocazione prosastica: uno degli interventi più apprezzati, quello di Marco A. Bazzocchi, procurava di illustrare come la tensione affabulatoria fosse un filo rosso (forse, uno dei pochi), che (muovendo dall’Eliot della “Waste land”, dal Mallarmé dell’“Aprés-midi”, ovviamente dalla “Recherche” per l’insistita riflessione sul tempo) consente di trascorrere da Sereni a Pasolini appunto, a Bertolucci, Roversi, Pagliarani, Cesarano; eppure, il germe disgregatore sembra insinuarsi anche qui, a troncare fili rossi ed illusioni di sistemazione esegetica: con “La ragazza Carla” l’unità del poemetto, ossia il portato di ogni ambizione “narrativa”, va presto decostruendosi in una serie di quadri-sequenza, cinematograficamente atteggiati ma probabilmente incoerenti; finché l’“Autodromo” di Cesarano è ridotto al casuale centro di gravità di una serie di sguardi disparati, umani e sub-umani, venendo insomma meno il soggetto unificante: il protagonista, l’eroe, ma ancor prima il poeta.
E con questo siamo forse giunti al centro dolente della questione, l’identità del poeta, la coscienza di una funzione latamente sociale e culturale (la nostalgia dei classici si inocula per numerosi pertugi). In uno dei dibattiti, Renato Nisticò, mutuando dalla dantistica il concetto di “memorabilità”, si è chiesto se la poesia sia ancora lo strumento (forse lo “sguardo”) attraverso cui far propri avvenimenti ed idee, visioni altre ma sempre intimamente umane. Lasciamo la parola finale al relatore ultimo, Nicola Merola, che, dopo aver registrato le molte palinodie e ripensamenti ed abiure che tengono a battesimo gli anni ’60, ha notato come la critica, per una sorta di riflesso condizionato, o positivamente di adeguamento al livello del problema (il relatore ha lasciato cadere il termine “revisionismo”), abbia introdotto tutta una serie di categorie (letterarie e non) dalla prefissazione illuminante: nei vari movimenti neo-, o post- ecc. c’è il senso preciso (questo sì) di un carattere succedaneo; i poeti stessi, per ciascuno dei quali forse è individuabile una “seconda volta”, una qualche ripartenza, licenziano l’immagine di qualcosa che sopraggiunge –a partire appunto dal quinquennio 1957/61.
A chiarire la qual cosa, la critica prossima ventura avrà modo di esercitare le proprie potenzialità; restando sull’altro lato (quello che forse a noi lettori più preme), ossia quello della creazione poetica, Merola ha voluto concludere con un tono aurorale (che la “bufera” sia davvero “passata”?): rilevando come certe modalità ultimissime di fruizione culturale (ipertesti, pagine web, link e quant’altro), siano in certo modo “coerenti” con un’attuale modalità di degustazione della poesia: letture verticali ed orizzontali, associazioni binarie ed oltre, connessioni e navigazioni tra segni segmentali e sovrasegmentali, ecc. Dunque la poesia, che minaccia sempre di uscire dalla porta della nostra vita culturale, sa rientrare da qualsiasi finestra (oggi, quella della multimedialità). Nel momento della sua evanescenza, essa si palesa presente come non mai. L’ultimo invito investe appunto la “trasmissione” culturale: se possiamo pensare di fare qualcosa per la poesia contemporanea, quella di questo secondo protratto Novecento, è proprio nella dimensione didattica, non rinunciando al momento dell’insegnamento partecipato, della ricerca comune (con gli allievi) di piste di lettura della magmatica poesia dei viventi.

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Questo è un saggio breve scritto a 4 mani con la Prof.ssa Eugenia Mascherpa, docente Unical. E' uscito su Capoverso nel numero del Gennaio-giugno 2005.

Lei, la Poesia.

Giuseppe Autiero – Eugenia Mascherpa[1]

Introduzione

La poesia è un gran fatto comunicativo, ovviamente: alle sue origini (quelle romanze), forse lo era prevalentemente –una leggenda apocrifa, che si basa su sparsi accenni in testi coevi, sostiene che la poesia volgare sia nata nell’Europa alto-medievale perché si potesse essere intesi dalle dame di cui all’oggetto, ignare di latino (si sa, il femminismo e le pari opportunità erano di là da venire). E’ certo comunque che la primogenita lirica provenzale fosse un fatto di alta rilevanza socio-linguistica, attivando i meccanismi di base della comunicazione orale: ci si rivolgeva direttamente alla madonna (per quanto dissimulata dietro senhal ovvero pseudonimi), ed il momento dell’elocuzione (anche multimediale, essendo tutte poesie per musica) imponeva immediatamente l’aspetto dell’allocuzione.
L’intellettualismo, si sa, tende ad inquinare tutto: alcuni (Jaufré Rudel) cominciarono a rivolgersi a midons sempre più fuor di portata d’orecchio (farneticando di “amori da lontano”), altri persino a fanciulle defunte (ah, Beatrice! oh, Nerina!) o addirittura (il massimo del “political scorrect”) inesistenti (come insinuarono autorevoli amici a Petrarca, chiedendogli, scettici, dettagli anagrafici di Laure). Stendiamo la pietà della preterizione su chi si rivolgeva pomposamente ad altre istituzioni: alla Patria, alla Mamma, al Tempo, ecc. (sull’allocuzione alla divinità glissiamo, incalzati dal sospetto di una primogenitura vera).
Ma, prima dei cerebralismi, ci fu pure un’epoca in cui (per usare la classica analisi di Emile Benveniste) un soggetto, in uno spazio e tempo determinati, parlava, dicendo io, a un altro soggetto, cui dava confidenzialmente del tu o, se del caso (frequente: lo squilibrio anche socio-economico, tra il drudo e la madonna, era assiomatico), alcune forme di cortesia: il voi ovviamente, o appunto il lei. Certo, la cosiddetta comunicazione è sui generis, meglio potendosi dire “soliloquio”, dato che al tu-lei-voi cui l’io lirico si rivolge non è data la possibilità di rispondere, almeno non in versi affidati a codici. In ogni caso, un primo scrutinio delle occorrenze del lei nella poesia delle origini potrebbe darci qualche utile indicazione, a spiegare il recente irrefrenabile successo del pronome e la sua vittoria sempre più chiara sul voi. Prima, però, un romanzo.

Il romanzo del Lei[2]

La vita delle parole è leggibile anche in termini romanzeschi: l’avventura toccata al lei merita di essere ricordata, avendo avuto (come ogni romanzo di formazione che si rispetti) umili origini, quindi, attraverso vicissitudini varie, la persecuzione di un potente, una sorella perduta, il contrasto con uno spocchioso ed attempato rivale, per giungere infine al trionfo ed all’amore di una nuova generazione.
Se la rude fratellanza d’armi della repubblicana romana arrivava a dare il tu anche al dux, la piaggeria d’epoca imperiale escogitò il plurale: l’imperator, cui si cominciò a dare il vos, s’abituò presto, compiacendosi di descriversi come moltitudine, e si espresse col nos. Il basso medioevo non cessò dalle lusinghe verso i potenti, consegnando all’epoca delle Signorie lo strumento principe del servilismo allocutorio (“Vostra signoria”), dopo un breve e cervellotico tentativo umanista di ritorno al classico tu.
Ma ormai andava ritagliandosi spazi il nostro lei, sbarazzino ed elegante, anche se non certo giovane, essendo infatti la nascita umilmente tardo antica, e da cercarsi in uno smottamento analogico: come per la costola famosa di Adamo, il volgare “(il)lui” (degenerazione del latino ille), sentito troppo mascolino, produsse un ingentilito “(il)lāei”. Dopo secoli oscuramente non indagabili (Migliorini ci dice che nell’VIII sec. lei e lui erano già una bella coppia), il gusto popolare verosimilmente impose il lei all’attenzione dei media e della letteratura del ‘200: e così eccolo alla ribalta con i primi poeti nostri, far bella mostra di sé nel ripulito (cioè toscanizzato) Notaro Jacopo da Lentini, ma anche nel genuino (ancorché illustre) siciliano di Stefano Protonotaro.
Tutto congiurava favorevolmente al debutto nell’alta società: passaggio che, come bildungsroman impone, comportò ahinoi un’alterazione in senso spocchioso. Così nel ‘400 ritroviamo il nostro lei, dimentico della propria anima popolare, in un’accozzaglia di pronomi (quella, questa, essa, anche la forma sorella ella), a far da codazzo (da introduzione o sostituzione) ad allocuzioni quali appunto “Vostra Signoria, Vostra Magnificenza”: il lei, duole dirlo, è un presenzialista nelle riunioni mondane e cortigiane, entrando in urto con il voi, tenacemente difeso dagli intellettuali (i soliti Frankenstein della lingua), ma ormai proiettandosi nel trionfo che coglierà nell’uso del secolo successivo.
Venne infatti il ‘500, e vennero purtroppo anche i gran cerimonialisti degli Spagnoli, che, dalle loro cancellerie, imposero (insieme alle tasse) un fiorire per la verità democratico di etichette[3]: si cominciò a dare del “signore” a nobili ed artisti, oltre che (più prudentemente) a sconosciuti, anche a chi non esercitava “signorie”. Nella simbiosi con un “signoria” ormai generalizzato, nel trionfo mediatico ed allocutivo della terza persona, la coppia di sorelle lei-ella ebbe modo di brillare, infischiandosi dell’ostracismo dei grammatici, che proprio non le sopportavano come soggetti e le tolleravano malamente come allocuzioni. Ma l’uso, si sa, vince su ogni grammatica, e la coppia si impone quasi in monopolio: tuttavia la maggiore “visibilità” ed agevolezza del lei già inoculava il germe del dissidio. Il voi, in calo di popolarità (addirittura c’era chi temeva di “disonorare” con esso l’interlocutore), rimuginava vendette e revanchismi di là da venire.
Il ‘600 vede l’estendersi del dominio del lei, che, non pago del monopolio nel mercato dell’allocuzione, invade decisamente la cittadella della sintassi, invano difesa dai soliti grammatici: forse infilandosi nella breccia aperta dai formidabili lui e loro, il nostro pronome si accampa decisamente nel ruolo di soggetto. Il trionfo suggerisce velleità di indipendenza: ormai il lei allocutorio si stacca dal “Signoria Vostra”, che residua quale cavallo di Troia, e forse comincia a scrollarsi di dosso la coabitazione con ella. Nel ‘700, sintomaticamente, i grammatici cominciano a chiedersi se insomma il lei potesse essere ammesso come soggetto (cosa che del resto avveniva tranquillamente da secoli): le prime defezioni (il Gigli lo trova senz’altro “proprio” e “grazioso”) finiscono per far smottare il fronte del no. Quando mai capiranno i grammatici che il loro ruolo è succedaneo, una spiegazione a posteriori di fatti linguistici (la formidabile “deriva della lingua”) che, volenti o nolenti loro, avverranno in ogni caso?
L’Ottocento è forse l’epoca del divorzio tra le sorelle, che convocano in campo partigiani e campioni formidabili: se Carducci si adirava contro chi scrive “manzonianamente, Lei”, il Martini, scrivendo al Fanfani, postillava così, tra parentesi, l’uso del lei allocutivo “(dovrei dire Ella? non mi ci va)”.
Vinto per eleganza e spigliatezza il derby con ella, e forse comprensibilmente rilassato se non tronfio, il lei si presenta al ‘900 con una pericolosa sicumera: inopinato, viene il colpo da un territorio che si immaginava neutrale –consegnate le armi i grammatici, sono i politici a sferrare l’attacco. Un madornale articolo di Bruno Cicognani (Corriere della Sera, 25-1-1938) tenta di spacciare come autenticamente romano, fascista, imperiale ed italiano, l’attempato voi allocutorio. Le persecuzioni si scatenano: ma ormai il fascismo è in ritardo sulla storia, ed il concorrente soffre la connotazione geografica (accampandosi nel Sud); il lei si consegna alla storia della repubblica con un’aura di martire antifascista che presto, saggiamente, si scrolla di dosso per consegnarsi al trionfo definitivo. Il voi masticando amaro si rifugiava nei tradizionali (ma non più sicurissimi) territori meridionali ed in certo uso untuoso duro a morire, ma subendo una progressiva ed inarrestabile erosione: sono le nuove generazioni che ne stanno segnando forse la sconfitta definitiva.

Lei nella poesia delle origini

Sottoponiamo a scrutinio l’uso dei tre principali pronomi di allocuzione, tu, voi e lei, quali compaiono nella nostra lirica d’amore, dalle origini fino all’Umanesimo[4].
Nel Duecento il lei è ben rappresentato, ma solo nel discorso indiretto: per l’allocuzione diretta i poeti cortesi preferiscono il voi del rispetto, della distanza –versi come “Voi che per gli occhi mi passaste ‘l core”, nel loro incanto melodico non avrebbero tollerato altro pronome. Le 153 attestazioni nei Siciliani, le 178 negli Stilnovisti, le 82 nel Dante “minore” descrivono un uso invalso (ed autorevole: il voi spesso si accampa quale soggetto), cui cooperano ragioni socio-culturali quanto poetiche –ne è prova il fatto che lo si utilizzi anche rivolgendosi a personaggi (maschili) da onorare e ad amici. La Commedia lo registra 116 volte, quale allocuzione per personaggi famosi (dannati o beati che siano); notevole che il poeta, comprensibilmente intimidito, lo rivolga dapprima (in cima al Purgatorio) a Beatrice, preferendo poi, nei cieli paradisiaci, il classico “donna” (che ovviamente suonava nella sua mente quale domina-midons), salvo poi sorprenderci, a salvezza acquisita, con un tu di irrefrenabile passione e commozione: “Tu m’hai di servo tratto a libertate” –e Santa Beatrice, in gloria, risponde col più famoso sorriso della nostra storia letteraria; ma ormai l’ambito è di decisiva sublimazione erotica, se lo stesso San Bernardo, subito dopo, con lo stesso tu si rivolge alla Madonna.
A rompere il fronte del voi fu, genialmente, Cavalcanti, con un “Tu m’hai sì piena di dolor la mente” per cui Contini doveva annotare “inconsueto l’aggressivo tu rivolto all’amata”; forse lo stilnovista si sentiva autorizzato dalla spietatezza della dama, a restituirle il pronome allocutorio che per solito le gentilissime usavano nelle rare risposte verbalizzate dai loro cantori -e ciò dai Siciliani (“Tu m’hai ‘namorata”, cantava la donna al Notaio) fino alle domande rivolte dalle donne amiche di Beatrice al giovane Dante. Il tu rivolto all’amata, dopo l’effrazione di Guido, non ebbe che una timida ripresa nello stilnovista Gianni Alfani (ma non in allocuzione virgolettata: “E quan’ tu mi di’: -Taci-”), accampandosi invece nel colloquio con sodali (“Guido, i’ vorrei che tu e Lapo ed io”), con entità astratte (Amore, figure allegoriche varie, ecc.) o divine (Gesù, ecc.), o laddove il poeta si rivolge (nei “congedi”) alla poesia stessa. Il timido Cino da Pistoia lo osa rivolgendosi alla donna, ma solo quando essa è ben morta; d’altro lato, Guinizzelli lo adibisce, sintomaticamente, solo in ambito comico, ad una donna d’altro rango che le “madonne”, dato confermato dall’uso disteso che Cielo d’Alcamo ne fa nel famoso “contrasto” con una donna da taverna.
Statisticamente, nel corpus costituito dai tre pronomi, il lei registra solo un 22% di occorrenze, di contro al 35,4% del voi ed al 42,2% del tu. Esso non compare nelle allocuzioni, solo sporadicamente come soggetto di proposizioni e come complemento diretto (oggetto): la predominanza del lei quale complemento indiretto (con lei, a lei, di lei, in lei, ovviamente “sanza lei”, ecc.) la dice lunga sul livello di comunicazione effettiva, di dialogo, esperito per via poetica –o anche sulla presenza della donna quale effettivo protagonista. Se il pronome femminile usuale nella sintassi per così dire narrativa, descrittiva, risulta minoritario, ne discende certa riduzione dell’amata a semplice termine di riferimento –quel che conta sono la gamma di emozioni del poeta, come costui guarda ed interpreta la presenza della donna, per cui essa è obliquamente dislocata, e mai (sembra) di fronte, occhi negli occhi. Il grido dell’anima “son di lei sì innamorato e priso” chiarisce come sia la relatività al sé poetante che domina, non la donna quale persona interagente col poeta. Altre emergenze dello scrutinio: il lei sembra prediligere una posizione centrale nel verso, forse per difficoltà di rima -registrandosene infatti rare (la più gettonata, quella poco originale con miei). La concretezza implacabile della lingua della Commedia riferisce il lei spesso a sostantivi concreti, alle ombre, ad astrazioni come la Chiesa, di rado a Beatrice e ad altre donne; le 13 occorrenze riferite a Beatrice nel Paradiso risultano segnali funzionali, complementi obliqui e mai soggetto.
Della lirica del Trecento citiamo solo gli eponimi, Petrarca e Boccaccio: il lei raggiunge un terzo delle attestazioni, mentre il tu raggiunge quasi il 50%, regredendo il voi al 18,2%. Ciò è spia di una ristrutturazione dei rapporti, forse di una maggiore confidenza spirituale o di una ridotta distanza socio-economica (siamo in fase comunale) tra amante e madonna; se non ché, analizzando il dato, notiamo come Petrarca continui ad usare il voi rivolgendosi a Laura (che, nell’unica verbalizzazione delle sue parole, si rivolge tradizionalmente all’amante col tu) come ad altre entità (astratte o naturali, ad imperatori e personaggi vari), mentre Boccaccio, nella sua lirica narrativa, e con poca enfasi poetica, usa i pronomi in modo funzionale all’azione (ed il fitto dialogato dei poemi spiega l’alta rilevanza statistica del “tu”). Invece la musicalità petrarchesca enfatizza il lei, su cui non di rado poggiano gli ictus primari del verso, mentre ha scarsa frequenza il suo uso quale soggetto e persino oggetto –la conferma del dato, ribadito in Boccaccio, prova il permanere del carattere come si diceva obliquo del riferimento all’amata.
[1] Il Prof. Autiero ha curato i paragrafi Introduzione e Il romanzo del Lei; la Dr.ssa Mascherpa ha curato il paragrafo Lei nella poesia delle origini.
[2] Le notazioni di storia della lingua qui allineate sono tratte da: Bruno Migliorini, Storia della lingua italiana, Sansoni, Firenze 1978, pagg. 69, 226, 288, 390, 469, 539, 705; Dizionario etimologico della lingua italiana (DELI), Zanichelli, Bologna 1999; Grande dizionario della lingua italiana, UTET, Torino 1964, vol.VIII, pag.935.
[3] E.Lllarach Alarcos nota come “l’intenzione reverenziale del parlante tende a dirigersi indirettamente all’interlocutore, designandolo mediante formule con sostantivi femminili che si riferiscono a qualità particolari”; ne è venuta la formula “vuestra merced”, da cui viene il pronome usted (Gramática de la lengua española, Espansa, Madrid 1996, pp. 76-77).
[4] Per la ricerca abbiamo sfruttato gli strumenti di interrogazione informatica della LIZ, Letteratura italiana Zanichelli, nella sua versione 2.0; abbiamo incluso nel corpus anche la Commedia di Dante, per la sua imprescindibilità.

Il mio Book delle Opere e delle Pubblicazioni

2008-09-27T01:05:00.000-07:00

Questo il mio Book, con il dettaglio delle mie pubblicazioni e di tanto altro...

Pubblicazioni

a.Studi storici

EMIGRAZIONE E DEMOGRAFIA NEL COMUNE DI SPEZZANO PICCOLO. 1861/1914 - Edito a cura dell’Amm. Comunale di Spezzano P., Spezzano P., 1993

b.Narrativa

IL MARE DEI PADRI (romanzo), Jonia Editrice, Cosenza, 2000

DI SEGNI, D’ALTRO (racconto), Energheia, Matera, 2002

QUEL CHE VEDIAMO DELLE COSE (racconto), Energheia, Matera, 2003

L’AMORE E’ UNA VITA (racconto), La versiliana, Tirrenia, 2002

IL RACCONTO PIU’ BELLO DEL MONDO (racconto), La stanza del Poeta, Cosenza, 2004

…INVADENZA, INVADERE, INVAGHIRE… (racconto), La stanza del Poeta, Cosenza, 2004 pagine: 6

L’ERVA MERICA (commedia dialettale)
Rappresentata per la prima volta a Spezzano P. (CS), nell’Anfiteatro Enotrion, il 30 luglio 2004

I TRENI SONO LIBRI (racconto), La stanza del Poeta, Cosenza, 2005

CONFESSIONE AL VENERABILE JORGE DA BURGOS (racconto), La stanza del Poeta, Cosenza, 2005

I NOMI DELLA NOTTE (romanzo), Rubbettino Editore, Soveria Mannelli, 2006

Premi conseguiti ed altre notizie

Il romanzo “Il mare dei padri” si è classificato al 2° posto al Premio Le Agavi 2001

Il racconto “Quel che vediamo delle cose” è stato vincitore della sezione “Racconto da sceneggiare” al Premio Energheia 2003 (Matera); da esso è stato tratto un cortometraggio

Il romanzo "I nomi della notte" ha vinto il Premio Nazionale "Crati" 2006 e si è classificato al 2° posto al Premio "Il Ramuscello d'Ulivo" - Petilia Policastro

Saggistica letteraria

1. “L’alta febbre del poetare”, PresilaOttanta, n°160/1995
2. “Nostalgia e altro. La poesia di T.Martire”, PresilaOttanta, n° 219/2001
3. “Disciplina scolastica. Un mini-dizionario”, 2002, XIV Annuario scolastico (Liceo Scientifico “Scorza”)
4. “Il romanzo delle acque”, 2002, XIV Annuario scolastico (Liceo Scientifico “Scorza”)
5. “M.Fasanella. L’ombra lunga dei moroni”, Dicembre 2002, Calabria letteraria, n°10-11-12/2002
6. “Gemma Donati e la Sposa del Libano. Immagini e metafore matrimoniali nella Commedia di Dante”, Filologia Antica e Moderna, XII, n° 23/2002
7. “J.S.Foer. Ogni cosa è illuminata”, 2003, Il Filorosso, n°34/2003
8. “D.Cara. I flautini dell’occhio”, 2003, Il Filorosso, n°34/2003
9. “L.Ugolini. Imperdonate”, 2003, Il Filorosso, n°34/2003
10. “N.Del Monte. Ombrenis”, 2003, Il Filorosso, n°34/2003
11. “L.Franchi. Un uomo una vita”, 2003, Il Filorosso, n°34/2003
12. “E.De Luca. Il contrario di uno”, 2003, Il Filorosso, n°35/2003
13. “F.Bianchini. Acontecimiento”, 2003, Il Filorosso, n°35/2003
14. “L.Asprea. Il previtocciolo”, 2003, Il Filorosso, n°35/2003
15. “Franco Gordano. Silica glass”, Il Filorosso, n° 36/2004
16. “Adelio Fusé. Il bomerang non torna”, Il Filorosso, n° 36/2004
17. “Una partecipe resistenza”, Il Filorosso, n° 37/2004
18. “Liliana Ugolini. Spettacolo e palcoscenico”, Il Filorosso, n° 37/2004
19. “Alda Cicognani. Posti di ristoro”, Il Filorosso, n° 37/2004
20. “Antonio De Rose. L’acquolina di Picasso”, Il Filorosso, n° 37/2004
21. “Beppe Fenoglio. Una questione privata”, 2003, XV Annuario scolastico (Liceo Scientifico “Scorza”)
22. “Enzo Siciliano. Non entrare nel campo degli orfani”, 2003, XV Annuario scolastico (Liceo Scientifico “Scorza”)
23. “A.Carrera. La vita meravigliosa dei laureati in lettere”, Giugno 2003, L’Indice dei libri del mese, n°6/2003
24. “A.Avignore. Ciak”, Mezzoeuro, 07/06/2003
25. “Calabresità andiamo cercando” (Luglio/agosto 2003) - La questione meridionale, n°4/2003
26. “La calabresità: un caso di inquinamento ideologico”, 2003, Bucinator, n°4/2003
27. “I classici della letteratura calabrese”, La Provincia cosentina, 11/11/2003
28. “Ma Cristo non si era fermato a Eboli” (Gennaio/febbraio 2004) - La questione meridionale, n°2/2004
29. “Carmine Abate e la letteratura delle cose” (Maggio/giugno 2004) - La questione meridionale, n°3/2004
30. “Le Ali di Psiche allo Scorza”, Edizione della sera, 14-15/05/2004
31. “La poesia. Sopravvivere tra i versi”, La Provincia cosentina, 30/05/2004
32. “La Mandragola. Un mondo dominato dall’inganno”, La Provincia, 8/8/2004
33. “La SSIS, una risorsa per la scuola”, 2004, XVI Annuario scolastico (Liceo Scientifico “Scorza”)
34. “La dignità dell’uomo negli scritti di F.Polillo”, La Provincia, 14/05/2005
35. “La Poesia esiste (ancora?)”, Capoverso, n°8, Lug-Dic 2004
36. “La Metamorfosi di Guarnieri”, La Gazzetta del Sud, 9/1/2005
37. “Lei…”, Capoverso, n°9, Gen-Giu 2005
38. “Nonsoloamore: desiderio e talento nella lirica delle origini”, Filologia Antica e Moderna, XV, n° 28/2005
39. Francesco De Napoli. “Rocco Scotellaro oltre il sud”, Il Filorosso, n°38/2005
40. Dante Cerilli. “Ischitane”, Il Filorosso, n°38/2005
41. Antonello Catani. “Temi con variazioni”, Il Filorosso, n°38/2005
42. Michele Campione. “Ode per un brigante”, Il Filorosso, n°38/2005
43. “La poesia nella rete”, in Atti del Convegno “Incontri di-versi”, Amantea-Aiello Cal.-Cosenza, 26/28 novembre 2004, Quaderni del Filorosso, Cosenza 2005
44. Domenico Cara, “Il dilagare dell’ascolto”, Il Filorosso, n°39/2005
45. Innocenza Scerrotta Samà, “Il peso del silenzio”, Il Filorosso, n°39/2005
46. Leonia de Amicis, “Canto d’ambra”, Il Filorosso, n°39/2005
47. Domenico Cara, “Fisica di sensi”, Il Filorosso, n°40/2006
48. Gandolfo Cascio, “Admeto”, Il Filorosso, n°40/2006
49. Mirko Servetti, “Quotidiane seduzioni”, Il Filorosso, n°40/2006
50. Graziella Poluzzi, “Poesie fiabesche”, Il Filorosso, n°40/2006
51. Adelio Fusé, “Orizzonti della clessidra distesa”, Capoverso, n°11, Gen-Giu 2006
52. “Ciardullo: ovvero l’equivoco della semplicità”, Letteratura & Società, VII, n°3, Set-Dic 2005
53. Pasquale Scarpitta, “Versi facili”, Il Filorosso, n°41/2006
54. Domenico Cara, “La materia del mondo”, Il Filorosso, n°41/2006
55. Luciano Nanni, “Il colore dei morti”, Il Filorosso, n°41/2006
56. Antonio Nesci, “In zone lontane”, Il Filorosso, n°41/2006
57. “Gli striscioni dei 100 giorni: avvio di un’esegesi”, 2006, XVIII Annuario scolastico (Liceo Scientifico “Scorza”)
58. “La letteratura (militante) a scuola?”, 2006, XVIII Annuario scolastico (Liceo Scientifico “Scorza”)
59. Pasquale Scarpitta, “Versi facili”, Il Filorosso, n°42/2007
60. Domenico Cara, “La materia del mondo”, Il Filorosso, n°42/2007
61. Alfredo Tamisari, “Note nello specchio del ricordo”, Il Filorosso, n°43/2007
62. Angelo Lippo, “Fragile artificio”, Il Filorosso, n°42/2007
63. Alberto Mori, “Bar”, Il Filorosso, n°42/2007

Il Salmo 2

2008-09-27T00:55:00.001-07:00

Salmo 2

Insieme col Salmo 1, concorre a formare la grande introduzione al Salterio. Sono Salmi senza intestazione, laddove tutto il libretto, fino al Salmo 41 (con la non causale eccezione del Salmo 33) contiene le intestazioni. I due primi Salmi sono Prologo a tutto l'itinerario della preghiera, della fede, della vita che si realizza nell'ascolto della Parola di Dio e nell'obbedienza feconda alla ricchezza di doni con cui Dio si rivela. E' la strada della giustizia, il “cammino dei giusti” (Salmo 1, 6): itinerario lungo in quanto si sviluppa la vita di chi si dedica all'ascolto della Parola di Dio -è di questa persona che il Salmo 1 tratteggia il ritratto: colui che medita e si compiace della Parola di Dio, ed essa diviene struttura portante della sua vita, energia vivificante nel suo modo di rapportarsi agli altri e al mondo. Costui, maturato nell'ascolto della Parola di Dio, è divenuto una comunità, un'assemblea di giusti (1,5) -è la sorte di chi ascolta la Parola. Così cresce, nella fede, la vita di un uomo, e si realizza; non per nulla il primo Salmo si apre con una beatitudine: questo Salmo è il primo elemento di un dittico che forma l'introduzione al Salterio. Il Salmo 2 presenta una persona che svolge un ruolo decisivo nella storia della salvezza: è detto il Masha, “Messia” (2c), è il consacrato, l'Unto. Il personaggio del Salmo 1, protagonista di un'impresa lungo la strada della giustizia, personaggio che ascoltando la Parola diviene fecondo nelle opere, questo giusto, ora, nel Salmo 2, viene identificato col Messia. Capovolgiamo la prospettiva: il Messia del Salmo 2 è definito dall'ascolto della Parola; è il Messia, ossia l'ascoltatore che accoglie in sé tutta la Parola. Non ha alternativa per la realizzazione della propria vita che coincida con l'ascolto della Parola: essa, in lui, si realizza, diviene carne umana (Giovanni, 1, 1). L'ascoltatore della Parola, anonimo nel Salmo 1, nel secondo Salmo è identificato col Messia: protagonista del Salterio e della storia della salvezza, in quanto è colui che si realizza nell'ascolto della Parola di Dio, Parola di Dio divenuta esistenza vissuta nella carne umana. Potrebbe essere definito Salmo di intronizzazione: l'intronizzazione del nuovo rampollo che sorgerà sul trono di Davide dipende dalla fedeltà di Dio, che ha promesso a Davide che un suo discendente siederà sul trono. L'attesa si è andata via via concentrando, intensificando, e nel Messia tutta la storia della salvezza troverà il suo sbocco definitivo. Per ogni discepolo di Davide che sale sul trono è prevista dunque una partecipazione orante: ci sono dunque Salmi che accompagnano appositamente il rito. Ma è più probabile che il Salmo 2 sia frutto di un'elaborazione letteraria e sapienziale recente: forse è stato composto in una fase avanzata della storia della salvezza, quando non c'è più un trono di Davide, non ci sono più cerimonie di intronizzazione; dopo l'esilio non c'è più un discendente di Davide sul trono di Gerusalemme. Situazione anomala, ma proprio ora la tensione messianica diventa sempre più appassionata: verso il Messia che non c'è, che è atteso. E il Salmo 2 ci fa contemplare la figura del Messia nel contesto di una meditazione sapienziale che ricostruisce i grandi temi e il senso degli eventi della storia della salvezza, di ieri e di oggi, che si ricapitolano nell'avvento del Messia. Il Salmo 1 ce ne dà una prima identificazione: è il "giusto", persona coerente nell'ascolto della Parola di Dio; la Parola ascoltata costituisce la sua identità. Ora il Salmo 2 specificherà la sua figura, riguardando noi, invitati a trasformarci nell'attesa del Messia; a noi è indicato il Messia, in quanto è colui nel quale noi troviamo lo spazio e il modo per rispondere alla chiamata che ci riguarda in prima persona, in quel popolo, nel momento attuale della nostra storia. Il Salmo 2 ci aiuta a contemplare il Messia, il giusto, ma è proprio in rapporto a lui che anche per noi si apre la strada della giustizia. Per i Padri, la fase di attesa è finita, il Messia è stato riconosciuto, la Parola si è fatta carne, la missione che muta la storia è stata compiuta; e d'altra parte, noi, pur avendo conosciuto la sua missione, siamo ancora bisognosi di crescere nell'esperienza faticosa e gloriosa di quel rapporto con lui, il Messia, che è la possibilità attuale di essere giustificati, di camminare nella giustizia –possibilità di ascolto nell'oggi della Parola di Dio che ci chiama. Si noti come il Salmo si chiuda con una beatitudine -come il Salmo 1 si apriva con una simile beatitudine. L'unico giusto è il Messia, e in lui è ribadita la beatitudine, e in rapporto a lui diviene percorribile anche per noi la strada della giustizia. E' beatitudine che riguarda noi in lui: in lui ci è dato modo di sperimentare l'attualità della Parola di Dio che si compie nella storia degli uomini.

Si hanno quattro strofe: nella prima (1-3) c'è la descrizione ampia e coerente di ciò che sta avvenendo nella storia degli uomini; è una scena tempestosa. Nella seconda (4-6) viene contemplata la posizione del Signore che è Re nella sua altezza irraggiungibile, di là dal tumulto della storia umana. Nella terza (7-9) parla il Messia, inteso come quel personaggio che è unto ed intronizzato, che ha regnato per secoli a Gerusalemme, e poi non regna più, ma è atteso in una prospettiva orientata verso l'avvenire. Regna, ma si parla di lui al futuro: e tale relazione ci aiuta a interpretare il presente. Nella quarta (10-12) c'è l'invito finale a tutti, a noi, interpellati in riferimento alla sapienza, che è qualità regale -invitati a realizzare la sapienza, cioè a regnare in questo mondo.

Prima strofe. Come le onde del mare in tempesta, l'accavallarsi di congiure, progetti, iniziative -popoli che si alleano, che poi lottano; i re che tentano di gestire tutto secondo i loto intenti; l'abilità nel congiurare, poi lo sfascio dei progetti, che sbriciolano la costruzione così curata. Il senso di tutto questo tumulto è in una protesta che le potenze del mondo rivolgono al Signore e al suo Messia: una protesta che esprime il rifiuto di quanto il Signore vuole realizzare di suo, a modo suo, nel mondo. Un'insofferenza bestiale, viscerale -come si ribella chi è tenuto in prigione, come animali in catene: sono i cosiddetti re della terra, è l'infernale ostilità verso l'iniziativa di Dio che sgorga dal fondo del cuore degli uomini. Poteri distruttivi ed infernali, che si esprimono con quel linguaggio consueto, il linguaggio della vittima: siamo impediti, bloccati ed afflitti da una volontà contraria alla nostra, che ci opprime -siamo noi i veri offesi, dobbiamo liberarci da questa gabbia, da questa violenza che ci è inflitta. La colpa è di Dio e del suo Messia: tutta la sua intenzione, e la storia della salvezza, ricapitolata così -il disegno della salvezza che si ricapitola nella missione del Messia, è rifiutato come un'aggressione. Dobbiamo, con le nostre energie ed abilità, impegnarci per liberarci, sottrarci a quelle catene, a quella volontà che è per noi la più minacciosa ostilità. E' la storia della salvezza guardata nella sua apparenza più visibile, contemplata nella sua profondità invisibile, laddove nel cuore degli uomini si stringono i nodi, le scelte sono prese attraverso l'esperienza di uno strozzamento, laddove si intravvede la radicalità del conflitto, che sta alle radici, e che ci espone fino a pencolare sul vuoto dell'abisso infernale: esso non è un luogo, ma una condizione del cuore umano. Prigionieri di se stessi e del proprio vittimismo, tanto da suggerire di marciare con tutti i mezzi possibili contro l'avvenire, contro Dio, in quanto vuole la salvezza -contro il Messia.

Seconda strofe. Il tumulto è sparito come per incanto, la scena pacata: irraggiungibile, inattaccabile, il Signore nella sua altezza. C'è una nota di severità, una maestà che non può essere contraddetta. La sovranità di Dio, che siede nella sua altezza irraggiungibile, si illumina in quanto è internamente abitata e rivolta verso di noi al modo di un sorriso -una severità sorridente (al v.4 la traduzione non è adeguata). Chi siede sul trono è rivolto verso la creazione con la dolcezza di un sorriso purissimo, divino, santo: il sorriso di Dio si posa sulla creazione, e illumina, per il suo splendore, tutte le oscurità di questa nostra vicenda umana. E' energico, vittorioso, il sorriso di Dio che avvolge ed attraversa l'universo, domina la situazione -e gli uomini, spaventati, arretrano di fronte ad un volto che a loro pare arcigno e repressivo -ma è lui che sorride, e che continua a volgere lo sguardo verso il Messia, costituito Re sul monte di Sion: per l'Altissimo, c'è un referente terrestre. Il monte è simbolo notevole: è la santità che diviene fecondità; da lui viene un flusso di benedizioni, elargite in misura traboccante. Ed il referente sacramentale è Gerusalemme, laddove siede sul trono l'Unto, il Messia; e su di lui si ferma l'attenzione.

Terza strofe. E' il Messia che si presenta. C'è una sorta di discorso della corona, programmatico: è questo l'incarico conferito dal Signore –“annunzierò il decreto del Signore” -è quello che mi ha detto. Ora, si ha quel che Dio ha detto e dice in lui, e attraverso lui (7b-9). Si noti, è il Messia che si presenta, e assume i connotati del Figlio, nel suo giorno, che è “oggi”: oggi c'è un Figlio di cui il Signore si compiace; nella nostra condizione umana, sulla terra, in contatto con tutte le vicende tumultuose che sono la sostanza del nostro dramma di creature ribelli. “Tu sei mio Figlio”, tu sei un Figlio -una filiazione nella fase adulta della vita: oggi tu sei un Figlio, una comunione tra il Signore ed il Messia incondizionata, come è quella tra Padre e Figlio, ma una comunione nella libertà, libertà di un adulto che liberamente risponde alla chiamata, con quella stessa incondizionatezza che c'è tra genitore e generato, che è un fatto per se stesso incontestabile. Ebbene, oggi, il Figlio, perché oggi il Figlio è in ascolto, proprio in forza di quella libertà con cui ascolta la Parola, la missione: è per quella libertà che oggi è Figlio, è l'oggi del suo ascolto, l'oggi proclamato come sintesi di tutta la storia della salvezza -c'è per essa un oggi in cui essa si ricompone per intero. C'è un oggi per la storia degli uomini in quanto c'è un Figlio che risponde alla missione. Essa consiste nella figliolanza: essere Figlio nella storia degli uomini, tra gli uomini, nel tumulto della storia umana. Il Figlio che risponde con l'amen della sua obbedienza alla Parola che ha ascoltato: ed è il Figlio su cui è riversato il "sì" di approvazione paterna, grazie al quale gli viene garantito il soddisfacimento di tutte le sue richieste -è il dominio universale. Il Padre è glorificato dal Figlio, il Figlio, il Messia realizza la missione, in quanto è Parola di Dio realizzata nella carne umana. Si noti al v.9: il dominio universale assume una qualità pastorale; in greco il verbo “spezzerai” è piuttosto "pascolerai" (e come tale viene citato nel Nuovo Testamento e nell'Apocalisse). E' il pastore, colui che raccoglie le pecore e le chiama per nome; il dominio si esprime coi modi e la sapienza del pastore. L'allusione ai vasi di argilla frantumati (riferimento a Geremia) richiama l'impresa che sboccherà nella nuova creazione, la nuova plasmazione, nella quale la creta verrà rifusa e riplasmata. Tutto ciò è affidato al Messia, è il suo compito, e già compito realizzato per il fatto che il Messia è ascoltatore della Parola di Dio; quel suo ascolto obbediente fa di lui il Figlio, fa coincidere con il suo giorno tutta la storia umana. Nell'oggi del Figlio è già realizzato in modo efficace l'opera della creazione: tutte le creature sono ricapitolate e riconciliate, trasformate internamente in rapporto all'oggi del Figlio. Per ogni creatura la Parola del Figlio diviene Parola che si impone per essere ascoltata e obbedita. Forse questo discorso troverà orecchie sorde; la scena della prima strofe resta riconoscibile sullo sfondo e d'altra parte questo discorso è pronunciato in rapporto a chi si agita sulla scena. E' un discorso dentro di lui, è autentico in lui, è riscontro di ciò che lui è: il Figlio, che ascolta la Parola. Ma può essere che noi ci troviamo sordi a tale discorso: ma resta che in lui la Parola ascoltata è efficace, in rapporto a noi, Parola che riguarda noi. C'è un punto di luce, un evento ormai confermato nella storia degli uomini, un dato oggettivo: il Figlio che ha ascoltato la Parola. Nell'oggi del Figlio siamo risucchiati tutti, fino a che coincideremo, in modo esplicito e consapevole, anche noi con quel suo giorno, saremo maturi per rispondere alla Parola di Dio, in quanto ha risposto lui, come ha risposto lui. E' la sua realtà di Messia, Figlio generato oggi, ascoltatore della Parola che si è fatta carne -è in rapporto a noi che si apre la prospettiva che ci condurrà nell'oggi ad essere Figli in casa del Padre, creature nuove nell'obbedienza al Padre.

Quarta strofe. E' l'invito ai sovrani, invito a prestare un servizio, in timore ed esultanza; noi, uomini di questa terra, con le nostre contraddizioni, con la nostra pretesa di gestire tutto a nostro modo -proprio a noi è rivolto l'invito. C'è uno spazio di luce che si Š reso accessibile, nella comunione tra Padre e Figlio, nel dialogo che noi stiamo imparando ad apprezzare: tra Dio e Messia, tra Padre e Figlio, un'incondizionatezza di amore che ha preso dimore in mezzo a noi, divenuta riferimento incancellabile perché finalmente entriamo anche noi nell'oggi del Figlio. Al v.11 si ha “esultate”, che rende l'espressione ebraica "baciate i suoi piedi" -è l'invito a prostrarci, in segno di obbedienza, ma anche di confidenza, di una comunione che ormai è accessibile anche per noi. Oggi è possibile anche a noi ascoltare la Parola, in lui: “beato chi in lui si rifugia”.

Alcuni versetti del Vangelo di Marco, I

2008-09-26T14:37:00.000-07:00

I,1-8

Non a caso, il Profeta, l'ultimo dei Profeti, colui che ricapitola la storia della profezia: Giovanni il Battista. L'uomo della memoria, dell'attesa.
1-«Inizio», l'arché, il principio, non solo semplicemente del Vangelo, ma il principio è l'Evangelo, il principio per eccellenza: gli antichi segreti di Dio, l'intenzione originaria, da cui viene tutta la storia della salvezza, e il suo compimento, annunciato dal Vangelo. Come è scritto nei Profeti, si presentò Giovanni: è tutta la tradizione profetica, da Melchisedech a Isaia, che si ricapitola (2-3), in modo scarno e efficacissimo. La citazione del v.2 è da Es 23,20: «Ecco, io mando un angelo davanti a te per custodirti sul cammino e per farti entrare nel luogo che ho preparato», dice Dio a Mosé, a colui che è il padre della tradizione profetica. Poi c'è un richiamo a Elia, uno dei profeti non scrittori: l'abito di Giovanni (6), come quello di Elia, è fatto di pelli. L'uomo della memoria, il Profeta che ritorna a quegli inizi -Giovanni esplicita la necessità di un ritorno, di un «battesimo di conversione» (di "metanoia", che in greco sta per "ritorno", ovvero "il compiere un viaggio di ritorno"). Giovanni ha a che fare con la gente, con tutta la storia umana, con tutta la noia di essa: proprio l'esercizio della memoria lo costringe a passare in rassegna, di evento in evento, di nodo in nodo, la pesantissima congerie di depositi che hanno incrostato il mondo, avvilito le coscienze, le creature -la noia del peccato. Giovanni non a caso è nel deserto -anche se si dice che è presso un fiume: ma la geografia non conta, non è un deserto dal punto di vista dell'ambiente, ma è un deserto che raccoglie tutta la piattezza della nostra storia stanca, che si è spenta, deteriorata, avvilita. Per Giovanni, uomo di memoria, ritornare significa passare attraverso questi strati di umanità, questo accumulo di vicende, questa massa del vissuto umano nella sua negatività desertificante.
4-E' l'inizio del Vangelo. Giovanni torna al principio, a ciò che rimane, incancellabile. Non c'è vocazione profetica senza questo disagio, di cui Giovanni è esempio sintomatico; così la tradizione lo ha dipinto. "Angelos" è "messaggero": Giovanni è un "angelo del deserto" -affronta il deserto perché obbedisce al richiamo degli antichi segreti di Dio. Ciò significa passare attraverso il sedimento della storia: è profeta che penetra in tutti gli scandagli della storia, non fugge, non è un entusiasta.
6-Tale abito richiama quello di Elia, come dicevamo. In Gen 3,21, tale abito di pelle è assegnato da Dio ad Adamo ed Eva dopo che sono stati allontanati dal giardino; i due, rivestiti di foglie, sono ridicoli, un travestimento che è volontà di sopraffazione, che vuole imporre le sue prerogative dopo il peccato, per garantirsi autorità e prestigio prepotente contro gli altri. Dio qui interviene, già pietoso e benevolo, in forma redentiva: si rendono conto che non possono più fare a meno di un vestito, e Dio gliene dà uno di pelle. E Giovanni è condotto fino alle soglie del giardino, dove era stato collocato l'uomo dall'inizio, da cui si era allontanato. E ora, presso il deserto, Giovanni il profeta è colui che torna alla soglia del giardino, vestito come Adamo quando ne uscì: più indietro di così nella storia non si può andare. Giovanni ha in sé tutta l'umanità peccatrice, e torna al giardino, si affaccia: un'umanità peccatrice che non si nasconde più, come Adamo ed Eva. Nel segreto antico è l'inizio custodito in Dio, e rimane indistruttibile la sua fedeltà, coerente la volontà di realizzare un dialogo di intimità e comunione con la sua creatura -per l'appunto nel giardino. Giovanni è il profeta che compie il movimento di ritorno, fino al segreto di Dio, ed esso è la novità che brucia tutto e apre strade ancora non percorse. E' la posizione del profeta: ci risiamo, chi compie il viaggio a ritroso scopre la coerenza di Dio, l'attesa di Dio che non è venuta meno -c'è in Dio la volontà e il desiderio e la forza inflessibile, che non sono venuti meno.
Giovanni porta in sé l'attesa di Dio: come Dio, attende, è fedele, non rinuncia alla sua iniziativa, puntuale malgrado tutto nel compiere le sue promesse. Per i profeti annunciare tale atteggiamento non è un salto acrobatico, l'uomo che porta in sé le attese di Dio è bruciato: ed è quello che a Giovanni avviene. L'uomo della memoria non si accontenta della storia di ieri, deve tornare all'inizio, all'attesa stessa di Dio. In questo suo viaggio di ritorno, che vale per sé e per tutti coloro a cui si rivolge, egli viene bruciato: non è una disgrazia, ma esprime la qualità autentica dell'attesa di cui egli è portatore. L'attesa di Dio si appoggia in lui per essere comunicata: e il profeta è stato da essa preso tanto da essere stato bruciato.
Giovanni sta battezzando, al Giordano: il fiume che Giosué attraversa cogli Ebrei, dopo Mosé. Questo è un viaggio che rinnova, nell'immersione nell'acqua (purificazione ma anche affogamento e risalita) il ritorno, una nuova sapienza, una coerenza nuova: il passaggio del Giordano -ci si immerge, fino ad affogare, per poi riemergere.
La tensione è proiettata verso il personaggio che viene, in rapporto al quale anche l'attraversamento del Giordano è significativo: viene il Forte, l'Atteso, colui a cui Giovanni non è degno di sciogliere i sandali. Troviamo questa immagine in Dt 25,9: si scioglie il sandalo all'uomo che rinuncia alla prerogativa di sposo nei confronti della vedova del proprio fratello. Dunque viene lo Sposo: il Forte, il Pastore -è lo Sposo. Si presenta con totale apertura di cuore, si consegna. E' la novità per eccellenza ed è anche quel che era nel principio: una strada che si apre anche per noi, una storia da affrontare e vivere anche nel seguito della nostra vicenda. Ed è una situazione in cui tutto, del profeta, è stretto, compromesso, bruciato: il profeta che testimonia con nobiltà singolare la sua dignità di uomo che ha imparato a uscire dal deserto, che ha imparato a guardare i giardini del deserto, che ha imparato a guardare avanti, andare incontro, precederci, orientarci, noi che arranchiamo sulle strade della redenzione -per andare incontro a chi viene, per guardare il giardino dal nostro deserto, per attraversare quella soglia che ci brucia nel momento in cui ci libera, in cui le scorie sono bruciate e noi possiamo accogliere in pienezza i doni della vita.
I segreti antichi di Dio sono davanti a noi, l'inizio è il nostro avvenire, la nostra memoria, se non ci sottrarremo all'impegno fastidioso e incandescente. E' il Maestro dell'Attesa: ci insegna cosa attendere. E man mano che impareremo a ricordare gli antichi segreti di Dio, l'inizio del Vangelo, impareremo a attendere colui che viene -e non saremo smentiti.

1,14-20

Gesù, dopo essere stato battezzato, fu sospinto dallo Spirito nel deserto. Ora viene: «si recò» (14). Già Giovanni il Battista aveva predicato che Egli «viene» (7); quindi leggiamo che (9) «venne da Nazareth». Avanza, prende posizione, viene incontro: e la venuta coincide con la predicazione dell'Evangelo di Dio, la "buona notizia" che è Dio, la novità che è Dio. E' Dio che viene. Si ha una concentrazione teologica del messaggio: la santità di Dio viene, la regalità di Dio, la sua trascendenza, lui che ha il primato e che non si confonde con le creature: lui viene, prende contatto, avanza: il Santo raggiunge la nostra Galilea.
C'è stridore epifanico, esplosivo, che Marco esprime in poche parole : e la Galilea è realtà periferica per eccellenza: il nostro mondo, con le sue contraddizioni e stranezze. Viene in modo tale da prendere contatto col fondo inquinato della nostra condizione umana. Strano: eppure tutta la storia della salvezza è predisposta in tale prospettiva. Così percepiamo l'eccezionalità, la novità di tale venuta. Ce lo saremmo aspettato in un altro modo, in un'altra prospettiva: ed invece viene in Galilea. Così regna Dio, perché Dio è Dio. E così regna perché venendo in Galilea è la sua santità che viene. E se Dio viene, qualcosa di nuovo è nel mondo, perché Dio è Dio, perché è Santo. Una novità, per noi, la regalità di Dio, dell'onnipotente.
Si noti l'accenno all'arresto di Giovanni: «dopo che Giovanni fu arrestato», cioè «consegnato»: pregnanza teologica del verbo che ricapitola la storia umana, che è la storia di un rifiuto, di un'insofferenza, di un amore buttato via, consegnato. Poi, le prime parole di Gesù: «il tempo è compiuto e il regno di Dio viene»: è giunto, questo è il momento: adesso. Adesso Dio regna. E' «vicino»: è qui. La sua venuta coincide con questa tesi, così semplice e perentoria: Dio regna. E tutto ciò che nella storia dimostra il nostro rifiuto di un amore eterno e gratuito, è un antefatto superato dall'attualità di questa venuta. E' la sua santità che si è insediata nella nostra storia, nel mondo, nella creazione: tutto l'universo, con noi, subisce le conseguenze di quel nostro antico e moderno rifiuto. Colui che ci ha raggiunti, senza compromettere la sua santità, anzi, svelandocela; senza compromessi con la nostra malvagità: «convertitevi e credete nel Vangelo». Qui, adesso si apre per noi la strada di una possibile conversione.
E' la grande concentrazione teologica del primo annuncio evangelico: Dio regna, al modo di Dio: in modo da invadere il mondo con la sua benedizione, a partire dal fondo oscuro del mondo, senza confondersi e compromettere la sua santità. E' il suo regno. E' finito il tempo: siamo dopo il tempo in cui ancora potevamo giocare con ambiguità e equivoci, in cui si potevano strumentalizzare le cose per confermarci nella nostra empietà, nella nostra presunzione teologale.
Dio si manifesta senza ombre o finzioni. Senza cedere alla nostra ricerca di complicità presso di lui. Dio regna, e in questa sua regalità, adesso e qui, per noi e per tutti, ora e per sempre, c'è la possibilità di convertirci. La vita pubblica di Gesù comincia così: come la Chiesa, la nostra storia della salvezza che si attua, che si attua così, grazie ad un impatto, anche se brusco, con la regalità di Dio, che nella sua santità ci converte. Non vi tirate indietro, -ci dice Gesù-, credete all'Evangelo: non fuggite laddove l'urto sembra insopportabile, non corrispondente alle nostre aspettative. Pretendevate un incontro con Dio secondo altre modalità: ma è lui che viene incontro, così, nella sua santità, per convertirci. Noi saremo disposti a incontrare qualcuno che chiameremo e osanneremo come Dio purché non sia in questione l'ipotesi della nostra conversione: purché non sia santo, sia nostro, sia quel Dio che è immagine nella quale proiettiamo i nostri desideri, proposte, pretese. La novità di Dio è ormai evangelizzata.
L'inizio del Vangelo di Marco è proprio questo: «Inizio del Vangelo di Gesù Cristo, Figlio di Dio». L'Evangelo è Gesù. Dio regna, e c'è coincidenza tra la regalità di Dio rivelataci con l'Evangelo e il mistero della sua persona in quanto Cristo e Messia. L'Evangelo coincide con la presenza di Gesù fra noi, con la sua vita fino alla morte: è l'Evangelo di Dio, così è entrato, attraverso la soglia della Galilea, per mezzo della missione compiuta dal Figlio: la storia di chi si è consumato nella purezza dell'amore. La nostra storia occupata, espugnata dalla santità, laddove la purezza dell'amore ha conquistato anche lo spazio della morte. Gesù viene: è la sua strada che si illumina, ma è proprio esso che diviene strada per noi: è il tempo, ora e qui, della nostra conversione.
Dal versetto 16 in poi si ha il primo incontro coi discepoli, scena sempre commovente -è la novità di Dio che si manifesta nella storia degli uomini, la santità di Dio che fa nuovo il cuore degli uomini. Una nuova creatura è generata, l'umanità popola la terra in rapporto a questa santità che ha preso dimora nella Galilea.
Ricompare il mare, laddove le acque sono il nostro ostacolo, il segno della nostra sconfitta. Sulle sponde del mare Gesù passeggia, fremente, instancabile: non si disperde, non devia, sua sola preoccupazione è aprire una strada attraverso il mare. E' proprio mentre circola sulla sponda del mare che vede Simone e Andrea: li «vede», la scena è dominata dallo sguardo di Gesù; più avanti (19) «vide sulla barca anche Giacomo di Zebedeo e Giovanni suo fratello». Siamo guardati, noi come loro, la sua presenza è su di noi. Lo stesso termine è anche al v. 10: «vide aprirsi i cieli e lo Spirito Santo discendere su di lui come una colomba»: c'è continuità nell'uso di questo verbo, lo sguardo di Gesù verso i cieli che si aprono è continuato dallo sguardo con cui guarda i pescatori sulla sponda del mare; emerge l'apertura dei cieli, come uno spettacolo che solo Gesù vede: il cielo spalancato si china sulla terra, la bacia. Tale apertura e piegamento e bacio sono sotto lo sguardo di Gesù: Marco ci invita a contemplare l'avvenimento celeste come avvenimento interiore: è Gesù che vede, lo spettacolo è dentro Gesù, evento che si compie in lui. L'apertura dei cieli è apertura del cuore di Gesù: Gesù li vede aperti in quanto è lui che apre il suo cuore. E vede ciò solo lui perché è il suo cuore aperto che accoglie la visione per tutti gli altri invisibile. E' la presenza di Gesù che viene incontro a noi e ci guarda: la novità di Dio che si manifesta a noi, laddove siamo guardati da chi ha il cuore aperto, nel quale è la santità invisibile di Dio che ha trovato dimora. Siamo guardati da lui come guarda il cielo aperto: siamo contenuti dal suo cuore, laddove la santità dell'onnipotente è di casa.
Gesù passa e vede. Simone e Andrea sono pescatori, ma gettano le reti stando a terra: pescano dalla riva, dalla terra, come impauriti di affrontare il mare, la storia, l'orizzonte, dove il cielo e la terra si baciano, e il cielo è chiuso per chi non ha occhi per vedere, e il cuore umano è bloccato dalla durezza, non ha accolto la novità. C'è una nota di delusione: un'esistenza stanca, l'esperienza di un fallimento che si ripete, gente ributtata dalle onde, cento, mille volte, siamo sempre qui. C'è anche l'angoscia di far brutta figura, che è già di per sé un fallimento. E Gesù passa e li guarda. Cita Geremia (16, 16): «ecco, io invierò numerosi pescatori -dice il Signore- che li pescheranno»; rende quei pescatori collaboratori di un disegno in cui Dio è protagonista. Una strada si apre attraverso il mare: Gesù vuol portarli con sé, con ogni altro pescatore di terra, ciascun uomo che si è arenato nella sponda di qualche mare, ogni creatura umana come un detrito sbattuto da una corrente che si muove sù e giù nella noia della risacca marina. Gesù vuol portarli attraverso il mare, di là del mare: affronteranno il mare, c'è una strada per loro, perché Gesù affronta e percorre lui la sua strada. Nel cuore aperto di Gesù si apre la strada per chi era fermo, prigioniero, schiacciato dall'esperienza del disastro già vissuto, o dalla minaccia che toglie il fiato. «Seguitemi», dice: il messaggio è cristallino: qualcosa in noi vibra, al di là delle delusioni patite e della stanchezza. «Vi porto al di là del mare».
Dal v. 18 in poi si nota come non ci siano risultati entusiasmanti, gloriosi. Il verbo «seguire» è ancora in 14,54, per l'ultima volta: «Pietro lo aveva seguito da lontano», poi si era seduto nel cortile del Sinedrio, al fuoco. Il verbo che indica la relazione nuova coi suoi discepoli dunque non presenta nulla di entusiasmante, non c'è una facile euforia: sarebbe ancora un inganno. Il fatto è però che Gesù li e ci ha guardati, e ci guarda: Gesù passa e chiama. C'è una storia, la sua: e ormai quella storia che è sua è una storia che diventa itinerario di conversione per noi. E se la strada è quella che lo porta alla croce, essa sarà percorribile come itinerario di conversione per noi. Seguitemi, perché questa è la strada di Dio che si rivela a noi, nella gloria di colui che siede sul trono ed è crocefisso: come potenza di benedizione che ci genera per una vita nuova. Una potenza d'amore che vince la morte, la sua, la nostra: che piega dal di dentro la miseria, l'orrore delle nostre pretese e miserie e ingiustizie umane. La strada di Dio ci converte, ci convertirà. Il suo regno, il suo modo di regnare diventa la nostra strada percorribile per tornare. Egli ha scelto la croce come trono, la morte come strumento per testimoniare la fedeltà di un amore puro. Così regna Dio, nell'incontro con la sua santità ci convertiremo.
Ci sono anche (19-20) Giacomo e Giovanni, ci sono reti, una barca per il mare aperto: costoro non sono pescatori di terra. Ma anche qui c'è la fatica di un impegno routinario, reti che si spezzano, tempi di delusione e di trepidazione. E Gesù li chiama. C'è anche il padre, Zebedeo, un intreccio di affetti, vincoli, beni e sentimenti. Gesù li ha guardati, riconosciuti, li chiama: sono nel cuore aperto di Gesù, già accolti, custoditi, amati. Ed essi lo seguirono. Siamo all'inizio del Vangelo -Gesù viene: è il momento opportuno per andare, anche noi. E' il regno di Dio che viene: è il momento opportuno per scoprire che c'è una strada aperta anche per noi, laddove scopriamo che morire con lui significa amare e vivere con lui.

I,29-39

Il Signore vuole riposare: e non è la durezza del nostro cuore, la fine di questa generazione, la fine di questo giorno che passa e non sarà l'ultimo, che potrà impedirglielo. Vuol riposare, e il luogo di riposo sarà questa nostra storia, con tutte le creature, quando il cuore sarà liberato.
Il primo capitolo in Marco è introduttivo alla vita pubblica di Gesù, una sorta di sommario. Questo primo giorno è un sabato: Gesù di sabato nella sinagoga di Cafarnao -è il giorno del Messia, del riposo, il riposo di Dio (il settimo giorno della creazione, il giorno colmo di attività del Creatore che si compiace della sua creazione). E' il giorno che di settimana in settimana anticipa la scadenza definitiva di questa storia che è bisognosa di redenzione: viene il giorno, il riposo di Dio non è più invisibile, egli vuol cercare dimora nelle sue creature: il cuore degli uomini è liberato.
Gesù prende sul serio il sabato, c'è una nota di urgenza nella sua attività («subito», 29). Gesù è energico, irruente, intraprendente, mosso dalla spinta ad entrare nel riposo sabbatico di Dio. Prende sul serio il disegno della storia umana, che indica fin da qui e da ora la venuta del giorno che non tramonterà. E tutta la storia è la storia di un esodo, di un viaggio verso il riposo di Dio, il sabato in cui Dio si compiace delle sue creature, in riposo. Anche se sperimentiamo, dei padri alle prese con la durezza del loro cuore, quelle tensioni esplose nel deserto, è vero che i vari sabati ci impegnano nel riposo, sono giorni circoscritti, finiti nel tempo. Il sabato finisce, dunque non è ancora il sabato, il giorno. E' vero, ma Gesù è incalzante, dice «subito», è in viaggio, brucia le tappe, non ammette deviazioni. E' il suo esodo. Il viaggio di Gesù è caratterizzato da Marco come una progressiva «uscita»: il viaggio in cui è assorbita e interpretata tutta la storia umana, nei modi di una progressiva uscita per tornare là dove lo chiama la voce che lo ha interpellato (1,11). E' il Figlio che attraversa il deserto del mondo, le durezze della storia, del mare, del cuore: apre un varco, là dove la voce lo ha chiamato; e avanza, contattando tutto ciò che avviene nel tempo della nostra vita, con le realtà umane, il mondo visibile e invisibile, l'alto e il basso, il mare e l'asciutto.
29- Il verbo «usciti» è participio aoristo: si avrà anche in 35 e 38: «sono venuto» (in realtà è «sono uscito»); si aveva anche in 1,28: «la sua fama si diffuse», cioè «uscì»: l'esodo produce movimenti corrispondenti, come onde dal punto in cui è caduta la pietra; è il viaggio di Gesù, che provoca attorno a sé un coinvolgimento sempre più ampio e capillare. Nel primo giorno di attività pubblica, Gesù attraversa una serie di ambienti emblematici: entrato in sinagoga, ne è uscito, ora è in una casa, LA casa di Simone e Andrea, ovvero LA casa degli uomini, gli uomini nel loro cuore. E succede che essa è ammalata, c'è una persona inferma: la notizia è data in modo tale che non solo quella persona è ricordata, ma anche è evidenziato il fatto che quella presenza comporta dissesto, disagio per tutta la vita della casa. Casa, ovvero una famiglia, ossia tutto un grumo di rapporti, un organismo vivente. E qui c'è una persona ammalata: tutto è condizionato dalla presenza della malattia; la casa degli uomini è malata, tutti i rapporti sono bloccati. Finché si può la malattia è nascosta, ora non è più possibile, perché l'ospite è entrato in casa: «subito gli parlarono di lei», lo informano, come se volessero dirgli: non possiamo accoglierti come meriti per questo problema, per la malattia. C'è l'intento di giustificarsi: perché è sabato, Gesù è ospite di riguardo, di solito il sabato è giorno di festa, di comunione, l'ospite è accolto alla mensa in modo eccezionale. Ma ora questo non è possibile, perché c'è una persona malata. L'ospitalità è impedita: la nostra casa non funziona perché in essa c'è una patologia, attribuita alla suocera, ma in realtà è tutta la convivenza che dimostra di essere patologicamente infettata. Qui interviene Gesù, senza dire parola: mentre nella sinagoga aveva insegnato, imposto il silenzio con la sua voce forte; Gesù compie un gesto, tocca l'ammalata, la prende per mano e la solleva. «Servire» è in greco «diakonein», il «servizio» è la «diakonia»: la suocera svolge la diaconia da cui dipende la mensa, perché la convivialità, ospitalità, comunione, possa aversi, nella varietà dei doni e nella molteplicità dei contributi. Gesù compie il gesto che apre la via al servizio: e si rivolge a quella creatura che era ritenuta l'ostacolo, il disagio. Colei che nell'opinione comune era l'elemento di disturbo, proprio lei diventa, toccata da Gesù, protagonista della diaconia. Si ha il capovolgimento della prospettiva dei discepoli: là dove riconoscete nella vostra casa un motivo per denunciare un fallimento, una sconfitta, e cercavate giustificazioni, là si manifesta quella presenza che diviene il sostegno diaconale, costruttivo, che dà vita a tutta la casa. Non è solo un fatto prodigioso, ma il capovolgimento di quella prospettiva: Gesù sta aprendo una strada attraverso il deserto, quel deserto che è la casa degli uomini: e se essi sono convinti che la loro casa sia un lazzaretto, una prigione, luogo in cui non si costruisce, bloccato, laddove gli uomini riscontrano il loro fallimento, Gesù si apre col suo gesto una strada. C'è possibilità che la casa funzioni quando scopre di reggersi su quella creatura malata: è la casa che ruota attorno a lei, si anima, realizza la propria vocazione dipendendo dal «servizio» di quella creatura: Gesù l'ha toccata. La casa degli uomini diventa luogo di accoglienza, in grado di offrire un servizio, man mano che si scopre che gli elementi che sembravano inutili, disastrosi, proprio quelli sono segno di una presenza che apre spazi nuovi, uno spazio nel cuore degli uomini, che libera quel luogo ristretto dall'aria inquinata che lo dominava. Non è vero che la casa degli uomini non può essere se stessa per quella presenza: ma sarà al contrario se stessa quando scoprirà che è su di essa che si fonda.
32-«Venuta la sera»: finisce il sabato, un altro sabato è finito, abbiamo fatto festa, ma poi anche questo sabato è finito. Portano a Gesù gli indemoniati, tutta la città si raccoglie sulla porta di quella casa, in cui Gesù è passato: una casa in cui tutta la città ora chiede ospitalità, una casa che ha scoperto in sé una capienza enorme, tale da ospitare tutta la città: tutti i malati e gli indemoniati, più esattamente. Sulla soglia, Gesù vuole uscire dalla casa ma non può: perché là davanti c'è tutta la città: Gesù deve varcare quella parete che ostruisce la soglia, costituita da tutte le malattie e immondezze che affliggono la città degli uomini. C'è corrispondenza tra la soglia spaziale e la separazione temporale tra il sabato e gli altri giorni, una barriera circoscrive il sabato, come la porta ostruita. E Gesù vuole aprire quella porta, attraverso la massa che la città ha scaricato sulla soglia. Apre così un percorso nello spazio ma anche nel tempo: il sabato si prolunga. Passare attraverso quella soglia è uguale alla prosecuzione del sabato: il sabato non finisce. Gesù cerca il riposo sabbatico affrontando la città degli uomini, e lo cerca là dove la porta è chiusa. Anche in 2,2 si ha una porta ostruita: «si seppe che era in casa e si radunarono tante persone, da non esserci più posto neanche davanti alla porta»; altra porta chiusa, stavolta quella del sepolcro, è in 15,46: «poi fece rotolare un masso contro l'entrata del sepolcro»; in 16,3, le tre donne si chiedono: «chi ci rotolerà via il masso dall'ingresso del sepolcro?» Dunque la porta di Simone è collegata con quella che sarà chiusa sul corpo di Gesù: e Gesù vuole attraversare questa soglia nella casa di Simone, Gesù dunque spalanca la porta del sepolcro. Dinanzi a lui la città, che scarica ciò che nasconde in sé di empietà, malattie, violenze. E' la città degli uomini, che mostra una faccia di giorno ed una faccia di notte, che sa nascondere ed imbrogliare: essa mantiene un decoro esteriore quanto più opprime e conculca nelle zone invisibili la debolezza: ma ciò solo per i peccatori penitenti, ammalati malvisti nella città degli uomini, i peccatori che si convertono, dei quali la città non sa che farsene, che le creano disagio. La città degli uomini non ce la fa a inghiottire tutto e tutti, scoppia, il mostro riversa il suo vomito: confusione, avvilimento, degrado. E' tutto ciò che nella città degli uomini è disprezzato, realtà degradata (tale è detta dagli uomini per far valere le proprie grandezze): la città strumentalizza e disprezza il degrado, lo colpevolizza. La malattia è colpevole, come l'improduttività, il non essere integrati in un sistema di potere che la città degli uomini ritiene vitale per il proprio successo. E Gesù passa proprio di là: quella è la porta, il suo esodo si compie attraverso quella porta. La città, sorpresa nel momento in cui non ce la fa a chiudere in sé questa moltitudine di miserie e avvilenti contraddizioni. Gesù guarisce i malati e gli indemoniati per tutta la notte: perché per Gesù il sabato non finisce, la soglia dev'essere transitabile: dal sabato al primo giorno della settimana, è l'alba della domenica, la prima domenica di Gesù. E' anticipo di tutto il racconto evangelico.
Ora è l'alba, e Gesù esce, può uscire perché la porta è stata spalancata, la città degli uomini attraversata, la casa del Signore divenuta zona accogliente in cui la città degli uomini può riconoscersi in rapporto a quella identità che per Gesù è unico fondamento per la vita comune: la compassione per il degrado proprio e altrui. Su tale fondamento si edifica la città degli uomini.
Al v. 35 Gesù «esce», prosegue nel suo viaggio, nel suo esodo attraverso il deserto: deve andare altrove, ha aperto un varco in questa nostra generazione così noiosa: un varco per noi, oggi, in questa generazione. Egli apre un passaggio oggi, proprio perché vuol riposare prosegue nel suo viaggio. Al v. 30 si ha «gli parlarono», al v. 37 «gli dissero»: gli parlano con lo stesso atteggiamento, non sono cambiati, c'è la stessa durezza. In 16, 6, l'angelo, nel sepolcro, dice alle donne: «Voi cercate Gesù... non è qui»; e Simone, con gli altri, dice a Gesù, quasi in tono di rimprovero: «tutti ti cercano», e invece Gesù va altrove (38), prosegue nel suo esodo che si compie: è lui che apre un varco, non tornando indietro come Simone suggerisce, perché non troverà riposo finché non avrà tolto la durezza, finché non avrà evangelizzato questa generazione. E' il tempo della sua Pasqua, e non ce ne siamo accorti: viene il giorno che non tramonta, e noi siamo misurati da cadenze senza respiro. E lui si apre un varco in questa generazione, che si convertirà. Siamo invitati a sostare, ad adorare, a farci avanti senza nascondere le nostre lacrime, e senza fantasie superflue: vuole riposarsi, cioè vuol davvero imperare nel deserto di questa generazione, il deserto, nell'alto e nel basso, nel visibile e nell'invisibile: vuole riposarsi, per questo ha giurato che viene il suo giorno, che non tramonterà mai più. E anche questa nostra generazione è convocata, per essere sua dimora, suo riposo.

Il Libro della Sapienza - part1

2008-09-26T14:35:00.001-07:00

PREMESSA

Tra i libri dell'Antico Testamento il Libro della Sapienza è il più recente, il più vicino al Nuovo Testamento: è un magnifico esempio delle connessioni tra Antico e Nuovo Testamento, sbilanciato com'è in avanti, verso il Nuovo Testamento, verso la svolta decisiva della storia della salvezza.
La composizione è databile alla seconda metà del primo secolo avanti Cristo, dunque pochi decenni prima dell'incarnazione; in più la Sapienza è scritta in greco, la lingua del Nuovo Testamento, dei greci, dei pagani -la lingua del mondo. Il Libro della Sapienza, che è radicato nel Giudaismo, inserito negli scritti dell'Antico Testamento, ci porta tuttavia ad affrontare in modo insolito l'esperienza del popolo di Dio che prende contatto cogli ambienti comuni ai pagani, agli uomini di questo mondo.
Il Libro della Sapienza proviene dall'ambiente dei Giudei della diaspora, probabilmente dalla comunità di Alessandria d'Egitto, grande centro civile, commerciale, culturale. Forse la data di composizione è da porre tra 30-20 avanti Cristo, in un ambiente che porta in sé l'esperienza dell'impatto culturale coi pagani, con una società di alta qualificazione civile. Alessandria è uno dei grandi luoghi di elaborazione culturale del mondo ellenistico, in una fase di maturità, quasi di ecumenica pienezza nella maturazione di strumenti culturali di uso quasi universale, nel mondo che gravita attorno al Mediterraneo, dominato ormai dall'impero romano, che parla greco anch'esso, essendo un impero ellenistico.
Nell'impero romano vi sono grandi centri di cultura, nei quali è ricapitolata l'esperienza di tutta la grecità classica, filtrata attraverso l'ellenismo, che è caratterizzato da una grande capacità di assorbimento verso tutti i popoli; c'è capacità di comunicare, un'apertura mai prima sperimentata.
È tempo di passaggio tra Antico e Nuovo Testamento, ricapitolazione dell'antico ed apertura di prospettive rivolte al nuovo. Il Libro della Sapienza si inserisce nella tradizione sapienzale: è anche detto "Sapienza di Salomone" -c'è una tradizione alle spalle, che qui si condensa in un'espressione che raggiunge ormai la sua testimonianza più matura. Il Libro della Sapienza ha secoli di ricerca sapienziale alle spalle, come prova l'appello a Salomone, che non è certo l'autore del Libro, ma è patrono di tutta la tradizione sapienziale: di questa il nostro libro fa tesoro, e, nel farlo, in un centro di cultura ellenistica come Alessandria, non a caso si richiama a Salomone, il sapiente per eccellenza. Questa testimonianza sapienziale è in linea con l'antica ricerca dei sapienti di cui Salomone è esponente emblematico: e sapienti non solo ebraici -esiste infatti una comunicazione tra culture diverse, aspetti convergenti o interscambiabili tra le culture dell'oriente.
C'è dunque una tradizione sapienziale alle spalle: essa nasce nel corso di molti secoli. Ma cosa si intende per "sapienza"? Ci sono due tappe: dapprima, la sapienza è una qualità propria della vita umana, in quanto da essa dipende la capacità di vivere bene, destreggiandosi tra le cose di questo mondo; con una definizione approssimativa possiamo dire che la sapienza è la qualità della vita umana -questa diventa positiva in quanto è dotata di una capacità di esprimersi, districarsi, realizzarsi nel contesto della storia, della società, del mondo.
È una tecnica esistenziale, un modo per inserirsi negli avvenimenti positivamente. Precisiamo: la sapienza così intesa è una capacità di dialogare con tutto quello che la realtà di questo mondo porta in sé di misterioso. Ciò è dato per scontato nella prospettiva di tutti i sapienti, cioè nella prospettiva di ogni uomo: il sapiente è ciascuno, in quanto impara a vivere bene.
La sapienza è vivere bene nel dialogo col mistero: perché tutto è misterioso al mondo, le persone e le cose, i grandi eventi come quelli minuscoli -tutto è mistero. La sapienza è una competenza nel modo di vivere, per cui si vive da sapienti, realizzati, in quanto si impara a dialogare col mistero, soprattutto col mistero che si esprime nella persona umana, sempre indecifrabile -ed attorno alla persona, il mondo, le cose, i fatti, le istituzioni.
La sapienza è capacità di prendere contatto in modo efficace e costruttivo col mistero: strumento decisivo per il sapiente è la parola, che è essa stessa misteriosa, in quanto viene da ed è rivolta a quel mistero che è la persona umana. La sapienza tende a coincidere con la capacità di usare la parola: la parola che da' un nome alle cose, che elabora strumenti di intervento.
È altresì un modo di intendere la sapienza come non riservata agli specialisti: la sapienza è di tutti, si impara negli ambiti normali per tutti. Il primo di tali ambiti è la famiglia: il sapiente per antonomasia è l'anziano, e poi i figli, eccetera. Nel fluire delle generazioni, la ricerca non è mai conclusa: il rispetto per il patrimonio ricevuto si sposa con le nuove acquisizioni da trasmettere ai figli, e così via. Altri ambiti in cui si apprende la sapienza sono i luoghi deputati: scuole predisposte presso le corti, per formare i funzionari.
Il re è infatti altra figura tipica di sapiente, modello di chi sa stare al mondo, di chi sa rapportarsi con le cose. Vero è che molti re dimostrano insipienza, ma in teoria c'e coincidenza tra le figure del re e del sapiente, in duplice senso: il re dev'essere sapiente, e chi è sapiente ha connotati regali -il sapiente regna, perché sa stare al mondo, nelle cose, valorizzando qualitativamente il rapporto con le misteriose realtà che ci circondano, soprattutto quella realtà insondabile che è il cuore dell'uomo.
Il sapiente così si trova alle prese con un discernimento di ordine etico e religioso, tra bene e male: il sapiente, che riflette e matura nuovi approcci alla realtà, è chiamato ad un discernimento tra bene e male. Egli non è colui che ne sa più di altri: è chi sa gustare dall'interno le situazioni e sa gestirle, in modo tale da aderire ad esse positivamente, inserendosi nelle immense e travolgenti realtà del mondo in modo sano, fecondo, per confermarsi nel bene.
C'è un verso che, strutturato in diverse versioni, torna di frequente nella letteratura sapienziale: "Il timore del Signore è principio della Sapienza". Cosa sta a fondamento di un'attività sapienziale? Il timore del Signore: ovvero l'aprirsi del cuore dell'uomo nel rapporto con il grande mistero, presente in ogni creatura che appartiene a Dio, creatura che è portatrice di un dono che è rivelazione di Dio.
È questo contesto di ricerca, riconoscimento ed apprezzamento del mistero, del dono di Dio (operante ovunque, in ogni situazione, in ogni creatura, in ogni persona) che è principio della sapienza.
La letteratura sapienziale dell'Antico Testamento viene compilandosi nel corso dei secoli: il testo più antico è quello dei Proverbi; poi, attraverso anche momenti di crisi (Giobbe, Qoelet), si giunge al Libro della Sapienza, il più recente. C'è una progressione, un arricchimento, si hanno varie scuole, eccetera: resta l'impronta primaria -la capacità di dialogare col mistero, di rapportarsi al mondo sapendo apprezzare quello che nel nostro mistero è rivelazione del mistero di Dio. Se non si dialoga così, si vive male, la vita umana perde di qualità.
Ma c'è una seconda tappa. In questa evoluzione, il riferimento alla sapienza tradizionale conserva il suo prestigio, sino al momento in cui si manifesta la percezione un ribaltamento di prospettiva: ad un certo momento la sapienza è intesa come qualità divina, non più umana.
Più esattamente, la Sapienza è il rivelarsi di Dio: non è più Sapienza come dialogo che gli uomini sono in grado di intrattenere col mistero di Dio nel mondo; ora è il mistero di Dio che ci interpella nella nostra condizione umana, ci viene incontro, si rileva. Parlare di Sapienza è cogliere la rivelazione di Dio nell'attualità, nel vissuto, nell'urgenza degli eventi.
Dunque, si ha un vero ribaltamento: sembra paradossale, illogico, date quelle premesse -e invece c'è una continuità fra le due tappe; lo svolgimento tra le due posizioni in realtà è stato progressivo, sfumato, verificatosi nel corso di secoli.
La Sapienza dunque è capacità di contattare il mistero, ma diventa sempre più intensa, sempre più impregnata di quella pienezza che contempla, riconosce nelle realtà di questo mondo (finché è Dio stesso che si rivela) la Sapienza di Dio. Il nostro stare al mondo si realizza bene dal momento che abbiamo scoperto che proprio l'infinita santità di Dio vuole rivelarsi a noi, comunicare con noi.
Sapienza è impegnarsi per stare bene al mondo? Sapienza è ricevere la visita di Dio nel mondo. Il mistero contemplato è mistero attivo, operoso, eloquente: c'è qualcuno che ci cerca, che vuole parlarci, che ci insegue e ci ama.
La Sapienza è rivelazione di Dio: essa ha un valore teologico, è il rivelarsi di Dio Onnipotente, mediato attraverso tutte le realtà di questo mondo. Così il Libro della Sapienza ricapitola tutto: siamo al punto della maturità più sofisticata per quanto riguarda la sapienza teologica; per altro verso è recuperata anche la sapienza tradizionale, più antica, la prima tappa.
Oltretutto il Libro della Sapienza parla greco, è elaborato in un contesto culturale aperto al contatto con le realtà di questo mondo, dei pagani. Una testimonianza ulteriore, che raggiunge un'altissima competenza, della capacità di dialogare cogli altri, coi diversi, usando la loro lingua: e lingua non è solo uno strumento tecnico, ma è tutto un fascio di criteri interpretativi della realtà.
Per di più, quello usato dal nostro autore è un greco forbito, di scuola, il linguaggio dei retori: ad Alessandria si formano i retori, i tecnici della comunicazione; una delle grandi scuole retoriche dell'antichità è proprio quella alessandrina.
Insieme a questa capacità di apertura dialogica, culturale e spirituale, d'altra parte il Libro della Sapienza si pone in una prospettiva prettamente teologica: la Sapienza, usando il linguaggio dell'arte retorica, è tuttavia Sapienza in senso teologico -Dio che si è rivelato attraverso la creazione, la storia della salvezza, la storia del popolo di Dio, fino ad oggi, a noi qui ora.
Il Libro della Sapienza non cede nulla, non rinnega nulla: è aperto al dialogo col mondo per un verso, e per altro verso è intensamente radicato nell'esperienza di ascolto di chi ha ricevuto la rivelazione di Dio, ed è impegnato a rendere testimonianza a Dio che si rileva.
Il Libro della Sapienza è costruito al modo di quei discorsi che costituiscono lo strumento tipico di lavoro dei retori che si formano alle grandi scuole, come quella Alessandria: c'è la capacità di elaborare un discorso secondo varie argomentazioni e proposte -ma c'è un intervento tipico, che è quello encomiastico: il retore è esperto nei panegirici. Il panegirico è in genere rivolto ad una persona, ed il Libro della Sapienza è da intendere come un encomio, perché il personaggio elogiato è proprio la Sapienza: l'encomio si realizza usando gli schemi, le trovate, le immagini tipiche dei retori. Il personaggio elogiato è la Sapienza, cioè Dio che si rivela.

Si hanno tre sezioni: dopo un'introduzione (1,1-15), si ha una prima sezione (1,16-5), quindi una seconda (capp.6-9) ed una terza (capp.10-19). Il vero elogio della Sapienza è nella sezione centrale, quella compresa tra i capitoli 6-9. La prima sezione imposta il problema: tende a problematizzare l'ambiente, sottolinea il valore drammatico del tema, l'esperienza di un conflitto che esige un chiarimento. La seconda sezione riporta l'encomio. La terza sezione infine contiene l'illustrazione: esempi, applicazioni, ciò per cui la Sapienza merita l'elogio -sono le opere di Dio nella storia degli uomini.

INTRODUZIONE

Nei primi 11 versi si ha l'invito: invito ad accostarsi alla Sapienza; al verso 12 c'è un intermezzo; i versi 13-15 esplicitano il rifiuto che è alternativo all'invito. Ci si rivolge dapprima al pubblico per attirare attenzione e dimostrare fin dall'inizio che vale la pena aderire all'invito; nell'ultima sezione (vv.13-15) la prospettiva si ribalta: rispondere all'invito significa rifiutare la morte.

PRIMA SEZIONE (1,1-11)

Prima strofe (1,1-5)

1Amate la giustizia, voi che governate sulla terra,

I destinatari sono coloro che governano sulla terra, ma è aperta anche la seconda ipotesi di cui parlavamo: si tratta di chi ha responsabilità di governo, ma è proprio la Sapienza che da' regalità alla nostra condizione umana.
Rispondere a quell'invito è esplicitare la qualità regale della nostra condizione umana: per ogni uomo c'è una dignità regale -rispondendo alla Sapienza, ciascuno regnerà. La prerogativa sapienziale per noi è insita nel battesimo, che fa di noi dei profeti, dei sacerdoti e dei re.
Tutta l'attività sapienziale serve a conferire alla nostra attività umana un titolo per stare al mondo in modo valido. Ma non si parla ancora di Sapienza, che compare solo al verso 4: l'invito per ora è rivolto ai governanti, chiamati ad amare la giustizia -termine biblico di grande valenza teologica.

rettamente pensate del Signore,

Dall'inizio tutto è ricondotto alla relazione con Dio. La giustizia di Dio è la provvidenziale disposizione degli interventi di Dio nella storia degli uomini: la misericordia di Dio è operante nella storia in modo giusto, provvidenziale -una provvidenza d'amore di cui Dio da' prova per come si presenta nella storia degli uomini. Ebbene, la giustizia vuole essere amata; bisogna inserirsi in quell'iniziativa d'amore attuata da Dio: alla sua giustizia si risponderà con l'amore.
cercatelo con cuore semplice.

L'attenzione è volta agli atteggiamenti interiori di coloro che sono invitati ad aderire con una risposta d'amore: ciò inquadra l'intera nostra vita -si vive per un motivo d'amore, e qui è la dignità della nostra esistenza umana.
L'amore per la giustizia (che ci renderà sapienti ed in grado di regnare sulla terra) viene subito individuato attraverso un esplicito richiamo al "cuore semplice", agli atteggiamenti interiori. È in questione il nostro progetto interiore: viene dichiarato in modo esplicito, dall'inizio, che il progetto interiore che struttura la nostra esistenza farà di noi degli amanti, si attuerà in una vita impostata nell'amore, se ed in quanto ci troverà dotati di una semplicità cuore, di una trasparenza e coerenza interiori. Queste disposizioni interiori sono decisive per impostare la vita in modo tale da maturare nell'amore.
Questo maturare come amanti, come soggetti implicati in una comunione d'amore, fa tutt'uno con la nostra risposta alla Sapienza: essa si rivolge a noi in modo tale da coinvolgerci in una relazione d'amore -rispondendo alla giustizia di Dio impareremo a vivere ed a governare la terra.
Tutto dipende da una "semplificazione del cuore": è comunque in questione il nostro progetto interiore. Siamo al primo verso, ma è già sintomatico: non siamo invitati ad una scuola di tecnica di governo, non siamo sollecitati ad un processo didattico in sé -ma convocati per imparare come si imposta la vita in una prospettiva d'amore, in modo da semplificare il cuore, da investire l'intero progetto della nostra esistenza.

2Egli infatti si lascia trovare da quanti non lo tentano,
si mostra a coloro che non ricusano di credere in lui.
3I ragionamenti tortuosi allontanano da Dio;
l'onnipotenza, messa alla prova, caccia gli stolti.

Tra 3a-3b va inserito un "ma". Siamo alle prese con un'alternativa: ci sono gli stolti, oltre ai sapienti; uomini dai ragionamenti tortuosi e uomini dotati di un cuore semplice. E' in una situazione polemica, che è stato proclamato l'encomio. Ci sono persone distratte, bloccate, compromesse: il mondo pagano ha devastato le coscienze e deviato le intenzioni. Siamo invitati a rimettere in questione il nostro progetto interiore, la radice del cuore, il sentimento dominante della nostra vita, in un contesto in cui esso sembra già inquinato se non compromesso: è un dato drammatico, rivelato con molti esempi -dati oggettivi che illustrano come sia vero che in molti casi siamo coinvolti in un compromesso con la menzogna.
Siamo invitati a porre in questione il nostro progetto interiore: la Sapienza ci interpella in modo tale da raggiungere la zona più profonda e decisiva del nostro cuore, che riguarda il nostro essere al mondo. Dio prende l'iniziativa: ma c'è chi non l'accetta, c'è chi vuole prendere una propria iniziativa autonoma, e così pretende di cercare e trovare Dio -ma cerca e trova solo sé stesso.
Mettere alla prova il Signore è l'impresa di quel cuore umano che si contorce su sé, ruota su sé stesso, e mentre intraprende quell'impresa propagandata come affascinante, essa in realtà chiude e soffoca.
L'alternativa è aderire all'iniziativa del Signore, credere è volgersi a Lui in modo da affidarsi a Lui -è la sua iniziativa, la sua Parola, il suo gesto e la sua presenza, che ci liberano da quel groviglio interiore di cui restiamo prigionieri nel momento in cui la nostra soggettività si vuole imporre come autrice della nostra vita, come protagonista.
Il nostro cosiddetto progetto interiore diventa il nostro groviglio interiore, la nostra schiavitù interiore: i pensieri non sono retti, sono pensieri che ci avvolgono, chiudendoci la strada.Una strada si apre per noi laddove ci apriamo in modo fiducioso nella gratuità di quella relazione d'amore aperta da Dio.

4La sapienza non entra in un'anima che opera il male,
né abita in un corpo schiavo del peccato.

Il progetto interiore implica l'organizzazione di tutta la vita: non è solo un fragile sentimento, un'intuizione occasionale -il progetto interiore in un cuore semplice struttura tutta la nostra esistenza; il corpo si libera dal groviglio del cuore, che era diventato la schiavitù di tutta una vita.

5Il santo spirito che ammaestra rifugge dalla finzione,
se ne sta lontano dai discorsi insensati,
è cacciato al sopraggiungere dell'ingiustizia.

C'è un "santo spirito" che ammaestra. C'è da crescere approfittando di tutti gli strumenti pedagogici che ci consentiranno di assumerci responsabilità sempre più ampie: ma è il "Santo Spirito" che ammaestra, è la Sapienza di Dio, ancora una volta.
Noi stiamo rispondendo a quell'invito che ci incoraggia ad aprire il cuore laddove Dio si presenta ed entra in comunicazione con l'originalità del suo "spirito", del suo "soffio", della sua volontà d'amore. Non è più possibile la doppiezza, le mascherature: finisce il tempo delle insulsaggini.
Il Santo Spirito rifugge dall'ingiustizia -laddove il discorso si era avviato con il riferimento alla giustizia. L'ingiustizia è l'aggrovigliarsi del nostro cuore su noi stessi, il nostro progetto di vita che diventa strumentalizzazione di tutto ciò che ci è affidato, con cui entriamo in contatto. L'ingiustizia è il nostro cuore chiuso, non visitabile dall'amore di Dio, non coinvolto dalla relazione d'amore, dalla giustizia che Dio ha instaurato. È la pretesa di imporre la nostra soggettività e la nostra iniziativa: così è tradito l'amore, rifiutato.
Così la Sapienza si presenta a noi ponendo in risalto la nostra disponibilità a percorrere un itinerario pedagogico: al contrario si pone in risalto la nostra solitudine, pesantezza, pretesa di essere maestri noi stessi e presunti dominatori del mondo in nome della nostra iniziativa umana. Se il nostro cuore non è aperto (ciò non è automatico: anzi, chi apre il discorso sospetta che nei suoi ascoltatori il cuore non sia ancora sufficientemente aperto), tutto è predisposto per aprirlo. La Sapienza è qui per liberarci dalla nostra solitudine, dalla pretesa di realizzarci autonomamente.

Seconda strofe (1,6-11)

Abbiamo intravisto quasi un progetto intimistico, ma ora la seconda strofe amplia l'orizzonte: la Sapienza di Dio ci coinvolge in un progetto che ha una capienza universale, ci coinvolge in un rapporto con tutto ciò che è nel mondo -un'apertura ecumenica totale.

6La sapienza è uno spirito amico degli uomini;
ma non lascerà impunito chi insulta con le labbra,
perché Dio è testimone dei suoi sentimenti
e osservatore verace del suo cuore
e ascolta le parole della sua bocca.

Ancora, il contesto conflittuale, tra la Sapienza (rivelazione di Dio che ci apre a tutto ciò che è umano, spirito che è amico degli uomini) ed il rifiuto di essa, che diventa amaro, avvelenato coccolamento della nostra miserabile parzialità: la mia miseria, considerata un valore assoluto, mi chiude alla ricchezza di tutto ciò che esiste.

7Difatti lo spirito del Signore riempie l'universo
e, abbracciando ogni cosa, conosce ogni voce.

È un progetto cosmico, che passa attraverso la storia degli uomini, scandagliandola in tutto il suo spessore. Il Signore è attento all'umano, nulla gli sfugge: "lo spirito del Signore riempie l'ecumene". La sua Sapienza, il suo Spirito è quell'abbraccio volto ad ogni creatura, un ascolto di ogni voce, di ogni sussurro, verso, bisbiglio.
8Per questo non gli sfuggirà chi proferisce cose ingiuste,
la giustizia vendicatrice non lo risparmierà.

Tutto è osservato, raggiunto dalla Sapienza di Dio.

9Si indagherà infatti sui propositi dell'empio,
il suono delle sue parole giungerà fino al Signore
a condanna delle sue iniquità;

Il Signore è in ascolto: Lui che si rivela (ecco la sua Sapienza) passando attraverso tutto di questo mondo, vuole stabilire una relazione d'amore, di intesa e dialogo. Nella creazione è la posizione speciale dell'uomo, quella che si realizza attraverso l'accoglimento della sua rivelazione, e la risposta a Lui con l'offerta della propria obbedienza d'amore.

10poiché un orecchio geloso ascolta ogni cosa,
perfino il sussurro delle mormorazioni non gli resta segreto.

Dio è attentissimo: il Creatore è rivolto alle sue creature, il Signore Onnipotente è presente sempre e ovunque, tutto della storia degli uomini è sotto il suo sguardo, oggetto della sua premura -un impegno d'amore irriducibile, il suo. È la sua Sapienza, costante, inflessibile, continua, paziente nel suo impegno di visitarci, avvicinarci: cerca il dialogo, la risposta alla sua iniziativa d'amore -cerca la risposta, la cerca negli uomini. Siamo coinvolti in un immenso disegno che coinvolge tutte le creature: siamo convocati in esso per corrispondere con la nostra adesione d'amore.

11Guardatevi pertanto da un vano mormorare,
preservate la lingua dalla maldicenza,
perché neppure una parola segreta sarà senza effetto,

Ciò che è proprio della nostra umanità si esplicita nella parola: non solo voce, ma esplicitazione dell'intimo, modo di relazione con l'esterno, la nostra storia come continuo impegno operativo proprio dell'uomo -gli uomini parlano, gli uomini fanno, sono in grado di ricevere la Sapienza di Dio e di corrispondere ad essa, nella gratuità dell'amore.
Ma "guardatevi ... da un vano mormorare" -altrimenti tutto è vano, la nostra vita è smarrita, perdiamo il contatto con le cose, non siamo più inseriti nella bellezza di quel disegno di comunione con il tutto.
una bocca menzognera uccide l'anima.

L'alternativa all'invito che ci convoca per accogliere la Sapienza di Dio è la morte: che sin dall'inizio (Genesi 1-3) è l'alternativa totale -è la punizione per aver mangiato dell'albero della conoscenza del bene e del male; l'alternativa è tra vita e morte, laddove il giardino è luogo di relazione con Dio e con tutte le creature. L'uomo mangia dell'albero quando vuole affermare la sua autonomia totale: la sua volontà di autorealizzazione produce la morte -è il cuore oscurato, la disarmonia cosmica, la frattura con tutto. Lo smarrimento diventa inevitabile, tutto diventa premonizione di morte.

INTERMEZZO (1,12)

12Non provocate la morte con gli errori della vostra vita,
non attiratevi la rovina con le opere delle vostre mani,

Già qui è indicata la morte, minaccia incombente; è l'ammonimento rivolto da Dio: non mangiate di quell'albero, altrimenti morirete.

SECONDA SEZIONE (1,13-15)

13perché Dio non ha creato la morte
e non gode per la rovina dei viventi.

Si mette a fuoco il rifiuto. Quando la Sapienza è rifiutata, a cosa siamo ridotti, quali sono le conseguenze inevitabili: tutto si ricapitola nella pena della morte, la pena si esplicita in tutto ciò che nella nostra vita diventa disagio, rimorso, malattia, conflitto -e tutto diventa premonizione di morte.
Alternativa alla Sapienza è la morte, com'è vero che la Sapienza è vita: rifiutare la Sapienza significa morire. Il rifiuto però non è solo ipotesi, ma esperienza acquisita ormai: l'uomo ha rifiutato. Ma qui il discorso ribadisce che Dio la morte non l'ha voluta e non la vuole: tutto si riconduce alla sua iniziativa.
Tutto non si chiude con la condanna alla morte perché gli uomini hanno rifiutato: costoro sono ancora visitati e chiamati da Dio, invitati da Dio ad accogliere la sua Sapienza, perché Dio si rivela, oggi come ieri, con fedeltà inflessibile. Neanche la morte ferma il Signore, gli impedisce di confermare che la morte non l'ha voluta.
14Egli infatti ha creato tutto per l'esistenza;
le creature del mondo sono sane,
in esse non c'è veleno di morte,
né gli inferi regnano sulla terra,
15perché la giustizia di Dio è immortale.

Le creature sono dotate di una bellezza originaria, sono sane. L'iniziativa di Dio che ha creato il mondo per amore rimane: la giustizia di Dio rimane per sempre. Dio si rivela a noi protagonista di una volontà d'amore che non ci abbandona a noi stessi, nella nostra miseria, bruttezza, nella nostra schiavitù di uomini prigionieri della morte.
La Sapienza di Dio è rivelazione per noi della sua volontà di vivere e farci vivere, della sua fedeltà nell'attribuire a tutte le creature del mondo quella dote di bellezza e bontà che fin dall'inizio da Lui è stata a noi assegnata.

La Lettera di S.Paolo ai Filippesi - parte 1

2008-09-26T14:27:00.000-07:00

Per sei anni, dal 1993, ho vissuto un'esaltante esperienza religiosa ed intellettuale: l'ascolto delle lectiones divinae del padre gesuita Pino Stancari, che da due decenni vive e svolge la sua missione spirituale a Cosenza. Per due volte alla settimana ascoltavo (ed appuntavo) le sue lezioni sui Salmi, sulle Lettere di San Paolo, sui libri minori della Bibbia, ed ovviamente sul Vangelo. Ne ho ricavato delle trascrizioni che ho offerto a tutti gli altri cercatori del senso della vita... Questa è la prima parte della Lettera ai Filippesi. Chiunque desiderasse il resto, o conoscere quali siano, su quali argomenti, le lectiones da me appuntate e trascritte, può scrivermi: sarà mio piacere spedire il resto via mail...

PRIMA LEZIONE

PREMESSA

Questa Lettera spesso è inserita nella serie delle "Lettere della prigionia", che abbraccia un certo gruppo di Lettere all'interno dell'Epistolario di Paolo (Colossesi, Efesini, Filemone). Paolo è certo in prigione, ma è in una situazione diversa rispetto a quella delle altre Lettere della prigionia. E' un periodo di carcerazione, cui è stato costretto ad Efeso; nel corso del suo terzo viaggio missionario si ferma qui per un lungo periodo (quasi tre anni), durante il quale molto probabilmente (non se ne parla negli Atti di Luca) è stato incarcerato, con imputazioni anche gravi e con pericolo di morte. Lo si deduce da alcuni accenni in Atti 16, e da questa stessa Lettera; l'anno probabilmente è il 55 d.C.
Paolo è ad Efeso, in un soggiorno fecondo di risultati: ma qui è costretto ad affrontare una contraddizione dura e spietata, tanto da provocare il suo arresto e addirittura prospettare una possibile condanna a morte. Tanti particolari di questo episodio ci sono oscuri: sappiamo che fu prosciolto; prosegue il suo viaggio per Filippi, poi scenderà a Corinto, quindi ad Atene.
Dunque Paolo è in carcere: ed in carcere è stato aiutato. I Filippesi gli hanno mandato, attraverso un certo Epafrodito, aiuti economici consistenti, che Paolo ha accettato. E' questo un particolare non trascurabile: altrove Paolo ha sempre dichiarato che non accettava regali o aiuti da nessuno -in 2Ts sosteneva di avere sempre lavorato con le sue mani, giorno e notte. Ora, in uno stato di bisogno grave, accetta gli aiuti: ma non solo per il bisogno, ma proprio per come i Filippesi sanno aiutarlo e per come è già maturata la relazione di comunione e intesa con loro, fin dall'anno 49.
Nel corso di quel viaggio Paolo fu protagonista dell'evangelizzazione di Tessalonica: prima aveva sostato brevemente a Filippi, e da quella sosta era nata una delle grandi Chiese neotestamentarie. Il racconto è in Atti 16: è il secondo viaggio missionario; è in quell'occasione che Paolo per la prima volta passa dall'Asia all'Europa. Filippi è in Macedonia: attraversato il mare da Troade a Neapoli, si reca a Filippi, florida città della Macedonia, la prima città che visita, in Europa -è il primo impatto col mondo occidentale.
Paolo è cittadino romano, eppure fa un'esperienza sconvolgente: non c'è una sinagoga, i fedeli al sabato si radunano all'aperto, presso un corso d'acqua. Qui l'autorità subito prende provedimenti contro di lui: è trattato come un pezzente, uno di quelli che vengono dall'Asia, gente pericolosa che disturba anche solo con la loro presenza fisica -eppure, è cittadino romano. Quando Paolo scrive ai Filippesi, è in carcere: ma proprio a Filippi Paolo è stato carcerato, ed i Filippesi lo hanno conosciuto in carcere fin dall'inizio. C'è come una predisposizione dei Filippesi a comprendere le necessità di un carcerato e la gravità del caso.
Un altro particolare, riguardo a quella Chiesa che nasce a Filippi in seguito all'evangelizzazione paolina: la comunità giudaica a Filippi è minuscola, e c'è un altro dato che sconvolge Paolo in quella prima missione europea -c'è la presenza, nelle riunioni dei Giudei, di donne, ufficialmente non partecipanti alla preghiera. Ma siano a Filippi, in un altro mondo, le figure sociali sono dotate di una fisionomia non abituale per Paolo: ci sono donne, e molte, in preghiera; c'è addirittura una donna, Lidia, che ospita Paolo e si comporta come un capofamiglia. Tutte novità -e poi, subito, l'arresto.
In Atti 16,10 per la prima volta il racconto di Luca è formulato in prima persona plurale: cioè ci dev'essere anche Luca, o Luca considera che d'ora in poi (anche se più avanti la prima persona plurale sparisce, finendo poi per affermarsi) c'è un suo coinvolgimento, coinvolgimento intenso e perfetto, tanto che parla in prima persona plurale: sorge un'esperienza di comunione. Quel che è capitato a Paolo a Filippi coinvolge Luca in prima persona plurale -quel che è capitato a Paolo capita a noi. Fatto sta che Paolo fu brutalmente arrestato: tanto brutalmente che, chiarita la sua cittadinanza, i magistrati si preoccuparono, perché evidentemente lo avevano buttato in galera senza accertamenti e senza una vera imputazione.
Ora è ancora in galera, ad Efeso, e da Filippi gli vengono aiuti: sullo sfondo è l'intensità e la stabilità di un rapporto sentimentale che non ha l'eguale nell'Epistolario paolino. Tra quella comunità e Paolo si è saldata una relazione di tale confidenza, delicata e trasparente, definitiva, per cui Paolo è convinto di essere compreso nella sua vicenda, nelle sue intenzioni, convinto che i Filippesi siano in grado di aiutarlo in quanto condividono la sua stessa missione: ciò lo commuove enormemente, e la Lettera ai Filippesi spicca per questa ricchezza di sentimenti.
Paolo è sempre un teologo, ma qui la dottrina trabocca di sentimenti, come se si trattasse di una vera e propria "Estetica teologica", una dottrina che si imposta a partire dall'autobiografia di chi anche nel sentimento valorizza un'opportunità teologica. Anche quando Paolo racconta di sé e dei suoi sentimenti sta facendo teologia: anche il suo essere sentimentalmente coinvolto con la Chiesa di Filippi diventa per lui un evento dottrinario. E' la nota singolare e sconcertante di questa Lettera, nella quale la dottrina sviluppata ha la logica dei sentimenti, ed è logica stringente, una vera e propria teologia, ma improntata dall'uso sapientissimo del linguaggio sentimentale.
Taluni studiosi sostengono che questa Lettera sia opera redazionale: forse c'erano due o tre Lettere, o biglietti, di varia entità, poi montati in modo tale da dare consistenza a questo unico scritto. Chi sostiene tale tesi può certo produrre argomentazioni, ma non importanti né determinanti per noi e per nessuno. Paolo argomenta non come autore di un trattato: è per di più in prigione, e ciò lo condiziona anche nel dettare la missiva, in quanto ha tempi che non può governare a suo piacimento; sono quindi spiegabili gli scarti, nel corpo della Lettera, l'impressione di interruzioni: ciò è verosimile.
Il caso che immediatamente provoca la dettatura di questa Lettera, la causa della Lettera, è precisa: i Filippesi gli hanno inviato aiuto per mezzo di Epafrodito, incaricato anche di provvedere ai suoi bisogni futuri; questo giovane ad un certo punto si ammala, e Paolo lo rimanda indietro. Il motivo "teologico" è dunque questo: ma è interessante che quel fatto, di per sé così banale e grottesco, in realtà per Paolo è buon motivo per scrivere una Lettera, ed una delle grandi Lettere.
Di là dalla malattia e dal ritorno di Epafrodito, si ricostruisce tutto il tessuto di un'emozione, l'intensità di un'amicizia, il valore di una comunicazione teologica che utilizza il linguaggio dei sentimenti. E Paolo scrive, consegna la Lettera ad Epafrodito, che la consegnerà al ritorno (anche per giustificarlo) ai Filippesi: chi legge questa Lettera vede come essa avvolge il fatterello di un alone luminoso, consolante, un episodio che viene interpretato come rivelazione di un amore così vero e intenso, che comunque ci sono i motivi per far festa.
La carcerazione di Paolo, la brutta figura di Epafrodito, le intenzioni dei Filippesi (forse delusi da come sono andate le cose), tutto ciò acquista il valore di un autentico sacramento di amore, un rivelarsi dell'amore nella sua banalità ma anche nella sua misteriosa autenticità, come Dio lo dona a noi. Non è un insegnamento sull'amore, è un essere presenti nella condivisione di quel dono di amore che Dio fa a noi, a quelle persone così sgualcite ed opache che siamo noi.
Si ha dapprima un Prescritto (1,1-2); segue un primo svolgimento (1,3-11), che contiene una preghiera di ringraziamento. Ma la Lettera ai Filippesi non è inquadrabile, riconducibile ad uno schema: si svolge per evoluzione interna, senza rispondere ad un sommario precostituito.

PRESCRITTO

1Paolo e Timòteo, servi di Cristo Gesù, a tutti i santi in Cristo Gesù che sono a Filippi, con i vescovi e i diaconi.

Paolo non si presenta facendo appello (come spesso avviene) al titolo di "apostolo", e subito cita, accanto a sé, il nome di Timòteo: sono vicini, si ha una comunione nel servizio; Paolo accomuna il servizio di Timòteo al suo, è un unico servizio, una comunione di servizi. Costui viene talora identificato come coautore della Lettera, anche se forse Timòteo non ne sapeva proprio nulla. Questa comunione tra Paolo e Timòteo riguarda già i destinatari del messaggio: i Cristiani di quella Chiesa che vive da qualche anno, e che Paolo non è tornato a visitare. A loro Paolo si rivolge chiamandoli "santi". L'espressione indica la consacrazione operata dalla chiamata battesimale: santi nel senso che è la chiamata provvidenziale di Dio che ci consacra -Dio in quella chiamata conferisce a ciascuno di noi un valore distintivo che ci santifica e consacra.
Si noti l'accenno alla presenza di vescovi e diaconi: non sono personaggi equiparabili a ciò che noi intendiamo per vescovi e diaconi; sono personaggi ancora generici, la determinazione di ruoli e competenze è ancora informe; comunque è una comunità articolata, ci sono responsabili, addetti a funzioni specifiche, persone che hanno raccolto i fondi per Paolo, che hanno prestato il loro impegno. Ma anche se non riusciamo ad identificarli, conta che è tutta la comunità che si è mossa, e Paolo ci tiene a sottolinearlo: c'è una collaborazione, un'armonia, un coinvolgimento generale che valorizza la partecipazione di ciascuno.
E' un fatto raro: altrove Paolo ha a che fare con Chiese che presentano scismi (per esempio a Corinto, e le Lettere ai Corinti sono contemporanee a questa); forse anche per questo Paolo sta un po' idealizzando la situazione di Filippi -per quanto quella Chiesa sia effettivamente ricca di fermenti, forse qualche crepa l'avrà pure avuta.

2Grazia a voi e pace da Dio, Padre nostro, e dal Signore Gesù Cristo.

Poi benedice, con un'espressione ricorrente all'inizio delle Lettere: benedizione in nome di Dio, che si è rivelato Padre. Si è rivelata, attraverso la storia, la sua grazia, ed attraverso Gesù Cristo si è compiuto il disegno della salvezza, l'abbondanza dei beni messianici.

PRIMO SVOLGIMENTO

3Ringrazio il mio Dio ogni volta ch'io mi ricordo di voi,

Anche la Prima Lettera ai Tessalonicesi si apriva con un ringraziamento. Ringrazia "il mio Dio": ma non sta privatizzando la divinità dell'Onnipotente; l'espressione manifesta il massimo dell'intimità, ed è opportuna qui, laddove è valorizzata l'intimità coi Filippesi. Nel mio Dio ci siete voi: nell'intimità che mi lega al mio Dio, c'è il ricordo permanente e pervasivo di voi.

4pregando sempre con gioia per voi in ogni mia preghiera,

Il ricordo dei Filippesi, per Paolo, si tramuta in un'intercessione gioiosa: vi ricordo in quanto prego con gioia per voi; scopriremo che il termine "gioia" tornerà con frequenza. Il ricordo dei Filippesi è motivo di gioia, si tramuta in preghiera di intercessione, ed è intercessione non compassata e severa (come di un dovere), ma gioiosa: la mia preghiera, che coincide col ricordo di voi davanti al mio Dio, è invasa dalla gioia.

5a motivo della vostra cooperazione alla diffusione del vangelo dal primo giorno fino al presente,

Ecco il motivo del ringraziamento; il termine "cooperazione" è koinonìa, ovvero "comunione": non solo cooperazione di ordine tecnico, ma collaborazione che comporta la partecipazione ad un unico e misterioso disegno, di cui Dio è autore, per la salvezza degli uomini. E' la vostra "comunione" per l'evangelizzazione: una comunione che non è solo nelle cose, nei fatti (ora c'è anche il denaro che gli hanno inviato), ma è collaborazione che si radica nell'appartenenza ad un unico disegno d'amore, quello che Dio realizza per la salvezza degli uomini. Quel che è decisivo, è il radicamento nella comunione col Signore Gesù Cristo.

6e sono persuaso che colui che ha iniziato in voi quest'opera buona, la porterà a compimento fino al giorno di Cristo Gesù.

Paolo è persuaso che l'opera di Dio si compie, perché Dio è fedele. Ha iniziato in voi quest'opera buona? La porterà a compimento. La persuasione è interna alla comunione tra lui e loro; è persuaso che saranno pronti al momento opportuno. E' persuasione che sarà anche riscontrabile nei fatti, ma è determinata da un riscontro nel sentimento interiore. Infatti precisa:

7E' giusto, del resto, che io pensi questo di tutti voi, perché vi porto nel cuore, voi che siete tutti partecipi della grazia che mi è stata concessa sia nelle catene, sia nella difesa e nel consolidamento del vangelo.
L'opera di Dio, che porta a compimento la vocazione dei Filippesi, ha un riscontro nella tensione che anima, apre il cuore di Paolo: io penso questo di voi perché vi porto nel cuore. Voi che siete così vicini a me mentre sono in galera, voi siete sunkoinonòi, cioè compartecipi della grazia.

8Infatti Dio mi è testimonio del profondo affetto che ho per tutti voi nell'amore di Cristo Gesù.

Ora Paolo giura, chiama Dio a testimone del suo giuramento. E' un attestato d'amicizia, di "profondo affetto" (dunque è proprio uno slancio affettivo). L'attestazione di amore si pone nella continuità con le "viscere di Cristo Gesù" (così in greco: en splànkois); una continuità con quanto abbiamo ricevuto da Gesù, che ci ha amato con le sue viscere. Il giuramento di Paolo riguarda uno slancio d'amore che è inserito in quel contesto d'amore che viene dalle viscere, dal cuore di Cristo Gesù.

9E perciò prego che la vostra carità si arricchisca sempre più in conoscenza e in ogni genere di discernimento.

Ora la preghiera di ringraziamento si sviluppa in preghiera di richiesta: chiede che la loro agàpe, la loro carità si faccia sempre più abbondante; questa crescita nell'amore che Paolo chiede per i Filippesi procede lungo due direttrici: -nella conoscenza, -nel discernimento; o meglio: nella "consapevolezza" (epighnòsei) e "in ogni sensibilità" (pàise aistèsei). E' da questa crescita nella consapevolezza e nella sensibilità che dipende la capacità di cogliere il modo migliore per amare: ed è in realtà il modo per amare, perché l'amore è discernimento del meglio.
Che il vostro amore sia sempre più ricco nel senso di una comprensione interiore e di una sensibilità che vi renda ricettivi, una ricezione esposta all'impatto con le cose e gli eventi: che la vostra carità sia sempre più qualificata nel sentimento. Quanto Paolo chiede per i Filippesi, è che il loro amore sia sempre più consapevole e maturo nel sentimento.

10perché possiate distinguere sempre il meglio ed essere integri ed irreprensibili per il giorno di Cristo.

Tutto avviene in vista del giorno del ritorno di Cristo: la prospettiva della crescita nell'amore, che massimamente espone, rende integri. Quale integrità per noi, se non quella che acquisiamo man mano che ci consumiamo nell'amore?

11ricolmi di quei frutti di giustizia che si ottengono per mezzo di Gesù Cristo, a gloria e lode di Dio.

Ecco quel che rivelerà l'incontro con Cristo nel suo giorno. La giustizia è la presentabilità dinanzi a Dio: saremo colmi di "frutto" (si traduca così, al singolare) di giustizia, e potremo presentarlo a Gesù Cristo, nel suo giorno, proprio in quanto già abbiamo ricevuto e acquistato noi quel frutto di giustizia che da Lui proviene a nostro vantaggio. E' Lui che ci ha giustificati, ed è per offrire la nostra giustizia che possiamo presentarci. Da Lui abbiamo ricevuto la pienezza dell'amore perché si è consumato, si è esposto, Lui, Gesù Cristo, con totalità di comprensione ed esposizione completa della sua sensibilità umana.
E' da Lui che abbiamo ricevuto quel frutto di giustizia che ora è divenuto in noi la dignità che ci consente di presentarci per offrire un frutto di giustizia. Tutto ciò "a gloria e lode di Dio": perché è così che Dio si rivela a noi, attraverso quel rivelarsi di un amore che si è consumato per noi nell'umanità del Figlio, ed è amore che ci ha resi integri, amore che ci ha insegnato ad amare. Da quel frutto di giustizia che abbiamo ricevuto troviamo forza e slancio per offrire noi un frutto di giustizia.

Un esempio di saggio storico

2008-09-26T10:41:00.000-07:00

Tra le varie cose, ho pubblicato questo saggio storico: era la mia tesi di laurea, adeguatamente modificata. Un lavoraccio d'archivio che mi ha preso un anno e mezzo. Tempo ben impiegato, se è servito ad illuminare un pezzo di storia dei nostri paesi altrimenti ignoto... L'idea centrale emersa: l'emigrazione era una risposta difensiva alle difficoltà economiche, che veniva attuata da tutta la famiglia, che si comportava come una sorta di azienda; ad emigrare erano le persone più intraprendenti, quelle più capaci di cogliere le sfide del futuro; l'intenzione era quella di tornare, ma non sempre ci si riusciva... Spesso partiva per l'estero -a distanza di qualche anno- tutta la famiglia, ed era raro che tornassero: andavano ad investire il loro patrimonio di coraggio, lavoro, intelligenza negli USA o in Germania... arricchendo le nazioni estere delle loro qualità, e non il posto da cui partivano. L'immigrazione è sempre una ricchezza, mai un'invasione barbarica... Questa lezione della storia serve forse ad illuminare questi nostri anni di immigrazioni clandestine e rigurgiti razzisti...

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INTRODUZIONE

E' noto come la grande emigrazione si sia verificata tra 1880 e 1914; naturalmente la Prima Guerra Mondiale segnò una brusca interruzione del flusso emigratorio, flusso che prese consistenza appunto negli ultimi decenni dell'800, in conseguenza di un periodo di crisi economica generalizzata che colpì sopratutto il settore primario, ovvero l'agricoltura.

LE CIFRE DELL'ESODO

A Spezzano Piccolo si sono individuate 514 avvenute partenze, negli anni considerati.
E' ovvio che in molti casi si tratta di persone espatriate più volte: infatti, tenendo conto del fatto che la popolazione residente, intorno al 1900, era di circa 1800 persone, un flusso di emigranti di quel genere non avrebbe tardato a generare fenomeni di vero e proprio spopolamento.
Considerando anche i dati riguardanti le permanenza all'estero, ovvero i casi in cui non si conosce la data di partenza ma solo gli anni di permanenza all'estero, si ottiene il primo dato che potremmo definire interessante. Ovvero: l'84% delle permanenza, ed il 56% delle partenze si concentra nel periodo 1901/14.
Nel decennio 1881/90 si ha un 13% di partenze, ed identica cifra si ha nel decennio successivo, tra 1891/1900.
Dunque, l'emigrazione dal nostro paese è un fenomeno che tarda a maturare: forse per diffidenza da parte dei nostri contadini, forse per l'arretratezza della nostra struttura sociale ed economica.
E' bene tener presente che, allora, in una società chiusa e diffidente delle innovazioni, in una società immobile, scarsamente disposta agli spostamenti, la scelta della partenza era rivoluzionaria, rischiosa, una vera e propria avventura, un salto nel buio. Inoltre la stessa partenza, la permanenza all'estero, richiedevano un capitale iniziale, una disponibilità di contanti che non tutti, che in paese pochi avevano. E' quindi comprensibile la iniziale diffidenza dei nostri contadini.
Solo dall'inizio del secolo, quando il flusso emigratorio italiano si era ormai consolidato, quando cominciavano a giungere le notizie da oltreoceano, ad accendere fantasie e speranze, a disegnare il mito dell'America, solo allora i nostri contadini sembrano abbandonare le ultime remore, i timori iniziali.
0 forse, più semplicemente, più drammaticamente, la situazione economica, la miseria era divenuta insostenibile. Ma, sia pur in ritardo, o forse proprio per questo, il flusso delle partenze dal nostro paese divenne ben presto impetuoso, ed in proporzione superiore a quello provinciale e regionale.
Così, vediamo che agli inizi del secolo la media annua delle partenze raggiunge le 60 unità: ed è un dato più che doppio rispetto al periodo 1889/97, ad es. Possiamo dire quindi che l'avvio dell'esodo non fu improvviso, repentino, e non si ebbe neppure una crescita costante. Negli ultimi due decenni dell'800, il fenomeno si mantenne in proporzioni non allarmanti, per poi giungere ad assumere consistenza nel periodo a cavallo tra i due secoli.
E' solo col nuovo secolo che, nel nostro paese, l'emigrazione divenne una variabile condizionante e duratura del sistema socio-economico locale. Ed è un dato confermato da quello generale della fascia presilana, dei Casali del Manco: anche qui l'esplodere della crisi migratoria è tardivo rispetto all'Italia ed alla Calabria. Ma pur se tardivo il moto, a lungo compresso, sembra esplodere con effetti deflagranti: infatti, nel complesso dei Casali, l'emigrazione nel periodo 1901/1905 toccò la media di 937 partenze all'anno. Tra i due periodi: prima e dopo il 1900, l'incremento è del 220%. Altro dato interessante: l'emigrazione è inferiore alla media nei paesi più grossi (tra 1400 e 4200 abitanti); mentre è ben superiore alla media nei paesi più piccoli, quelli che contavano tra 1150 e 1400 ab.
A questo punto dovremmo chiederci il perché di questo dato. La spiegazione che mi sembra di poter proporre è questa: la struttura sociale di ogni paese reagiva alle difficoltà economiche con meccanismi di autodifesa., di aiuto alle persone economicamente più deboli. Si tratta di quei meccanismi tipici di una società contadina che, per fortuna, sono attivi ancora oggi: possiamo parlare, per intenderci, di solidarietà. E' ovvio che questa solidarietà era tanto più forte ed efficace quanto più il paese era grosso, e disponeva di risorse diversificate. Dunque nei paesi più piccoli minore era la funzione protettiva della solidarietà sociale: in questi paesi, come appunto Spezzano Piccolo, la resistenza alla miseria, alla crisi economica, era minore, e l'esodo si presentava come unica via d'uscita, una volta risultata non più efficace la protezione della solidarietà interna.

LA TIPOLOGIA DELL'EMIGRAZIONE

Dopo aver trattato della dimensione quantitativa, veniamo ora a considerare quella qualitativa; cioè vediamo di definire i caratteri della nostra emigrazione.
La destinazione è per il 90% oltreoceano, nelle Americhe, e per il 10% in Africa. La meta preferita sono gli Stati Uniti, con il 65% dei nostri emigranti; un 14% si diresse in Canada, l'8.7 in Algeria, il 4.6 in Argentina, il 4.0 in Brasile, il 3.5 in Tunisia. Negli USA, la città preferita è New York, col 13.7%; seguono Chicago 9, Filadelfia 7, Spokane 6.5, Boston 6, Jersey City 5.2, S.Francisco 3., St.Louis 2.6. In Canada, meta preferita è Welland nell'Ontario; seguono Rossland, Vancouver, St.Zepherin de la Turque. In Argentina, i nostri emigranti prediligevano Montevideo, e solo qualche nucleo si diresse a Buenos Aires. In Brasile si hanno pochi nuclei, divisi tra Campinas nello stato di S.Paolo, Marianna Minas, e Rio de Janeiro.
Un dato sembra emergere, rispetto al moto regionale: la predilezione dei nostri emigranti per il Nordamerica. La Calabria inviò in USA e Canada solo il 46% degli emigranti, mentre da Spezzano Piccolo il flusso verso questo continente raggiunse il 79%. Riguardo agli USA, la maggior parte dei nostri emigranti, ovvero il 64%, prese dimora nelle città della Costa atlantica, mentre un altro 30% si diresse verso le grandi città del centro-Owest (S.Louis, Detroit, Chicago, N.Orleans).
Dunque un carattere preciso della nostra emigrazione è il fatto che i nostri emigranti locali erano scarsamente propensi ad "aprire" nuove vie d'esodo, ovvero ad agire da "pionieri" in nuovi paesi: è dato di rado trovare persone che vivessero in luoghi privi di compaesani. Ultima notazione, relativa agli Stati Uniti, è la concentrazione degli emigranti nelle grandi città: praticamente solo un decimo dei nostri emigranti si sottrasse all'attrazione delle metropoli americane.

EMIGRAZIONE TEMPORANEA O DEFINITIVA?

Passiamo ora a valutare la definitività o la temporaneità dell'esodo: cioè se l'esperienza di lavoro all'estero risultava definitiva o temporanea. Diciamo subito che solo per un 32% dei casi l'espatrio era definitivo, mentre per il restante 68% dei casi si aveva il rientro dell'emigrante, dopo un certo numero di anni. Ma il fatto su cui va richiamata l'attenzione è questo: nella quasi totalità dei casi l'esodo definitivo riguardava gruppi familiari; ed, all'opposto, la maggior parte dei rientri riguardava individui isolati. Questi due dati, a mio parere, provano la centralità, l'importanza della famiglia nel determinare la vita sociale ed economica del nostro centro.
La famiglia era un valore spirituale oltre che una cellula economica: la miseria costringeva all'esodo, ma la famiglia tentava di reagire a questo elemento di disgregazione, opponendo precise strategie volte a preservare per quanto possibile la minacciata unità del nucleo familiare. Il caso più frequente era il matrimonio contratto dal giovane emigrante alla vigilia della partenza, per impedire che si perdesse sulla strade dell'emigrazione. Oppure si avevano le famose catene emigratorie: cioè i continui rapporti tra i primi emigranti e le ondate successive di emigranti, che naturalmente si riferivano ai compaesani già espatriati e "sistemati" all'estero, i quali prestavano assistenza, aiuto nell'inserimento, alloggio, fino addirittura ad offrire, ai parenti che si accingevano a partire, i cosiddetti prepayed tickets, i biglietti prepagati per il viaggio. Tutto ciò rendeva meno assoluta la solitudine dell'emigrante, facilitando inoltre un inserimento che tuttavia in ogni caso restava traumatico. Altra strategia era quella di alternare le partenze, scaglionarle nel tempo: sostituire dopo un certo periodo, in media 4/5 anni, il primo membro emigrato con un altro, appartente al gruppo familiare; in genere c'era la sostituzione tra fratelli, o tra padre e figli, o anche tra zii e nipoti. Sono tutte strategie volte a tenere desto il rapporto con la terra d'origine, col nucleo familiare; e sono a ben vedere strategie difensive. In tal senso possiamo parlare di scelte dell'azienda familiare emigratoria: la famiglia, di fronte all'emigrazione, agisce e reagisce come una vera e propria azienda, tentando di ottenere il massimo dei benefici col minimo dei costi. E' sorprendente scoprire come tra i benefici da perseguire per quanto possibile ci fosse non solo la quantità di denaro, di rimesse ottenibili con l'emigrazione, ma anche la salvaguardia dell'unità familiare, la solidarietà. Dunque non solo valori materiali, ma anche spirituali. Ed è questa una lezione di civiltà, per tutti noi immersi nel materialismo del consumismo, una lezione che ci viene paradossalmente da una società tanto arretrata economicamente ma evidentemente ancora legata a valori di cui oggi avvertiamo disperatamente la mancanza.
Insomma, di fronte alla crisi, la società contadina reagisce con un'emigrazione che non è quasi mai intesa come rottura di tutti i ponti col paese d'origine: la mentalità dei nostri contadini è volta ad un espatrio temporaneo, finalizzato all'accumulo di capitale da utilizzare per il reinvestimento o il sostentamento in patria. E' stato detto che l'emigrazione sostituisce, in epoca moderna, la guerra di razzia: ci si recava in terra straniera solo per accumulare del capitale da utilizzare in patria. I nostri contadini avevano la mente rivolta all'America, ma il cuore restava in paese.
Il ritorno, dopo aver fatto fortuna all'estero, era il sogno di tutti. Ciò non significa che il sogno potesse automaticamente realizzarsi: leggiamo cosa scrivevano tre parlamentari del tempo, inviati in Calabria, ed autori di una famosa inchiesta sull'emigrazione; Taruffi, De Nobili e Lori scrivevano: "l'emigrazione dalla Calabria, come in generale quella dal Sud-Italia, è eminentemente transoceanica a tempo indefinito. L'emigrato calabrese lascia in generale la sua famiglia nel paese natio, parte per l'America con l'intenzione di tornare in patria non appena abbia messo insieme l'agognato peculio; ma ciò, il più delle volte, significa rimanere per molti anni nel paese d'esilio. Le condizioni d'inferiorità intellettuale dell'emigrato calabrese, la sua mancanza di capacità speciali, le malattie, tutto ciò ritarda o compromette l'attuazione del sogno. Il soggiorno in America subisce continue proroghe: solamente sotto questo punto di vista possiamo dire che l'emigrazione transoceanica calabrese ha carattere di permanenza." All'estero le condizioni di vita dei nostri emigranti non dovevano essere presumibilmente ideali: si registrano 28 casi di morte all'estero, per incidenti sul lavoro o per malattie quali l'idropisia e la "bronco-pneumonia", provocate dalla cattive condizioni igienico-ambientali.

CHI EMIGRAVA

Passiamo ora a considerare i caratteri degli emigranti: ovvero età, sesso, ecc. Escludiamo dal computo ovviamente la percentuale dei minori di 16 anni: la loro quota sul moto generale è del 7%. L'età media dei maschi è di 27 anni, quella delle donne di 30: ciò si spiega col fatto che naturalmente a partire erano per la maggior parte donne coniugate, spesso con prole, di età dunque non giovanissima.
Riguardo al sesso, c'è l'ovvia prevalenza dei maschi: 88% contro un 12% di femmine. Si può affermare che il nostro emigrante-tipo è un maschio, appartenente ad un classe d'età centrale (tra 16/45 anni), prevalentemente di età giovane (i 2/3 degli emigranti maschi hanno meno di 30 anni). E' una condizione tipica dell'emigrazione italiana in generale; scrive infatti Ercole Sori: "la domanda di lavoro internazionale operò di fatto una drastica selezione della forza lavoro estraibile dall'Italia; si trattò di maschi delle età centrali, professionalmente molto vicini alla figura del puro erogatore di forza muscolare."
Vediamo ora la distinzione tra individui e gruppi familiari: l'emigrazione interessò nel nostro paese 172 nuclei familiari, per un totale di 296 persone; la loro quota, sul moto generale, è pari al 64%. Per il restante 36% si tratta di emigranti isolati, ovvero non accompagnati o raggiunti in seguito da altri familiari. Beninteso, non ci riferiamo all'atto materiale della partenza, che presumibilmente avveniva per gruppi di compaesani, ma al fatto che le famiglie mandassero all'estero un solo membro o più membri.
Trattando invece dell'atto materiale della partenza, le cifre sono diverse: in questo caso abbiamo il 72% di partenze isolate ed il 28% di partenze di interi gruppi. Ciò significa che le famiglie mandavano all'estero i propri membri spesso in modo isolato, salvo poi fare raggiungere gli emigranti da altri membri, o sostituirli all'estero. E tutto ciò rientra appunto nelle reazioni difensive della famiglia contro i pericoli connessi all'esodo: si tentava di suddividere i rischi equamente, di esporsi il meno possibile alla disgregazione del gruppo familiare.
Veniamo ora a considerare la professione degli emigranti: il 72% sono contadini, un 10% artigiani; gli addetti ai servizi sono pari al 6%. Giova qui dire come Spezzano Piccolo, in quel periodo, fosse una società contadina di ancien regime, con i 3/4 dei lavoratori impiegati in agricoltura, e con un ulteriore 18% di addetti ai mestieri tipici di una società preindustriale.
In questa società il 2% è costituito da persone che negli atti si dichiaravano "possidenti": ma, a parte due o tre grandi famiglie latifondiste, nessuno di tali possidenti sembra assurgere al ruolo di Barone, di latifondista. E ciò è confermato proprio da un fatto preciso: tale classe contribuiva all'emigrazione in modo proporzionale alla sua consistenza numerica; ciò conferma il fatto che tali possidenti non assurgevano al ruolo di latifondisti, né ad una posizione economica tale da preservarli, in tempi di crisi, dalla necessità dell'espatrio. Dunque a Spezzano Piccolo si aveva una società la cui unica fonte di ricchezza era la terra, ed in cui i margini di sopravvivenza, in caso di crisi, non erano, per molte famiglie, molto ampi.
Un altro dato è relativo al grado di istruzione: in questo caso gli unici dati certi ci vengono dalle liste di leva. I risultati provano una perdurante arretratezza culturale dei contadini (all'80% analfabeti), ed una buona alfabetizzazione tra i sarti (90% di alfabeti) tra gli artigiani, operai ed addetti ai servizi (45% di alfabeti). Ma il dato generale era in fase di miglioramento: il 30% di giovani alfabeti, registrati tra fine secolo e 1914, è indice di un generale, sia pur lento e stentato, innalzamento del livello culturale popolare.

EFFETTI DELL'EMIGRAZIONE

Un cenno infine agli effetti demografici dell'esodo: la nostra emigrazione, che dall'inizio del secolo era stata ben superiore proporzionalmente a quella provinciale e regionale, non ebbe, a livello demografico, l'effetto di bloccare od avviare i vari trend, le linee di tendenza relative a natalità, nuzialità, mortalità; l'esodo, che non giunse mai nel nostro paese a configurare il rischio di uno spopolamento, ebbe effetto solo sulla dimensione quantitativa dei fenomeni, intervenendo ad accelerare o frenare tendenze già avviate. Insomma, credo di poter dire che non è nella dimensione demografica, per esempio in un ipotetico sovrappopolamento, che bisogna ricercare la radice prima della nostra emigrazione. La nostra emigrazione non fu la valvola di sfogo di una situazione demografica divenuta insopportabile.
E' più ragionevole attribuire molte cause alla grave crisi economica che investì la struttura agricola e commerciale calabrese alla fine dell'800. In altre regioni, l'emigrazione poteva anche essere un mezzo di promozione sociale, il tentativo da parte di persone prive di mezzi ma intraprendenti di raggiungere quelle posizioni sociali a cui in patria non potevano aspirare. Ma non è certo questo il caso della nostra emigrazione: a Spezzano Piccolo l'esodo era solo l'arma della disperazione, l'estremo tentativo contro una miseria non più sostenibile. Era un'emigrazione povera, di basso profilo. Lo conferma un semplice dato: nelle famiglie emigratorie, era più alta la mortalità infantile rispetto alla media paesana. E ciò era indice di condizioni ambientali, igieniche, alimentari, e quindi economiche a dir poco insufficiente in quelle famiglie. Erano insomma le famiglie più povere a partire.

CAUSE DELL'EMIGRAZIONE

Con ciò siamo venuti a trattare delle cause dell'esodo. I limiti e l'impostazione della ricerca hanno impedito di trattare organicamente, e su solide basi documentarie, il tema delle cause dell'esodo, tuttavia non ci si può esimere dall'esprimere un parere su tale aspetto del problema. Ed è un parere che, in questa sede, avrà il solo valore di indicazione del terreno da battere per le future ricerche. Occorre partire dall'esistenza, nella zona presilana, di un importante nodo politico-economico, che condizionò in maniera determinante e destrutturante la vita delle comunità locali. Ci riferiamo alla secolare vicenda dei demani silani, degli usi civici e delle ripetute privatizzazioni perpetrate dai "baroni" di ogni epoca, dall'Alto Medio Evo in poi.
E' la famosa questione delle terre della Sila. La nostra impressione è che la causa economica scatenante l'esodo da Spezzano Piccolo fosse la destrutturazione socio-economica provocata dal cumularsi della crisi agraria su una questione silana irrisolta, che aveva visto, tra 1861 e 1880, la sconfitta del tentativo contadino di accedere alla proprietà terriera e di continuare a beneficiare degli usi civici sui demani silani, e la vittoria dei latifondisti, dei baroni.
Riteniamo che sia questa la chiave di lettura storicamente più attendibile nel tentativo di spiegare le cause di un'emigrazione che sconvolse la società e l'economia dei Casali del Manco, di quei paesi che traevano dall'altopiano della Sila gran parte del loro sostentamento.
Sugli effetti economici dell'emigrazione nei luoghi d'esodo non ci si può fare illusioni: è ovviamente possibile che l'esperienza migratoria venisse ad alleviare, a livello individuale, nell'immediato, la condizione di singoli e famiglie; ma a livello collettivo, e secondo un'ottica di lungo periodo, l'economia della zona, nel primo dopoguerra, dopo un esodo di vaste proporzioni, non aveva conosciuto alcun miglioramento visibile e decisivo.
La conferma viene dalle vicende del secondo dopoguerra, allorché una situazione economica perdurante nella sua gravità produsse un nuovo, altrettanto massiccio esodo da Spezzano Piccolo e dalla Presila, verso la tradizionale destinazione degli USA e del Canada, ma stavolta anche verso il Nord Europa.
La centralità della questione delle terre silane, il configurarsi di essa, negli anni post-unitari, come una vera e propria occasione perduta per la Presila, sono confermati dalle drammatiche vicende del secondo dopoguerra, allorché la spinta contadina organizzata e sostenuta dai partiti di sinistra, tornò ad indirizzarsi verso la Sila, producendo un vasto moto di occupazione delle terre, in cui non mancarono episodi sanguinosi e significative vittorie contadine.
Ma il tentativo attuato tramite l'emigrazione è fallito, a livello sociale e collettivo: e ciò offre l'occasione per l'esposizione di un sospetto. Il sospetto è questo: l'emigrazione, nella nostra zona, è stata il surrogato, l'alternativa alla lotta di classe. Altrove, per esempio nel crotonese, laddove esisteva un proletariato organizzato e cosciente dei propri diritti, l'emigrazione era molto bassa: perché in quei luoghi i lavoratori preferivano la lotta per il miglioramento delle condizioni di vita, piuttosto che la fuga tramite l'esodo. Dunque, un immenso carico di sacrifici, di dolore, di sangue, di lavoro in condizione disumane, l'eroico sforzo dei nostri contadini per raggiungere dignitose condizioni di vita è da considerarsi fallito.
E non è possibile non provare verso questa sconfitta sentimenti di commozione e di rispetto. Le parole sembrano davvero inutili. Le nostre sopratutto: concludiamo dunque con alcune parole di Leonardo Sciascia, che sembrano esprimere appieno il senso di sgomento e di malinconia che coglie tutti coloro che si volgono indietro, a considerare il dolore e la miseria dei nostri contadini. E' un passo tratto dal "Consiglio d'Egitto".
"La storia non esiste. Forse che esistono le generazioni di foglie che sono andate via da quell'albero, un autunno appresso all'altro? Esiste l'albero, esistono le sue foglie nuove: poi anche queste foglie se ne andranno; e a un certo punto se ne andrà anche l'albero: in fumo, in cenere. La storia delle foglie, la storia dell'albero. Sciocchezze! Se ogni foglia scrivesse la sua storia, se quest'albero scrivesse la sua, allora diremmo: eh sì, la storia ... Vostro nonno ha scritto la sua storia? E vostro padre? E il mio? E i nostri avoli e trisavoli? ... Sono discesi a marcire nella terra né più e né meno che come foglie, senza lasciare storia ...C'è ancora l'albero, sì, ci siamo noi come foglie nuove ... E ce ne andremo anche noi ... L'albero che resterà, se resterà, può anch'essere segato ramo a ramo: i re i vicerè i papi, i capitani; i grandi, insomma ... Facciamone un pò di fuoco, un pò di fumo: ad illudere i popoli, le nazioni, l'umanità vivente ... La storia! E mio padre? E vostro padre? E il gorgoglio del loro stomaco vuoto? E la voce della loro fame? Credete che si sentirà, nella storia? Che ci sarà uno storico che avrà orecchio talmente fino da sentirlo?"